Foro de cerámica mexicana contemporánea

Curso de raku en Cuernavaca, en febrero 2012

2012-01-12T15:53:00.000-08:00

Curso de Cerámica Rakú
Dirigidoa principiantes y avanzados e impartido por los ceramistas: Aurora Suárez,Marcela Kraft y Juan Carlos Salgado.

18febrero: Formado de piezas

25de febrero: Aplicación de Vidriado
26de febrero: Quema y Exposición
Estecurso consta de diferentes técnicas de modelado con barro (torno, churros,placas, pellizcado), de aplicación de vidriados (inmersión, pistola, pincel ,chorreado). Además de la fabulosa experiencia de extraer tus piezas al rojovivo sometiéndolas a un choque térmico e incendio con materiales orgánicos.
Elresultado es una verdadera sorpresa por las tonalidades, texturas, matices ycolores fascinantes y nunca iguales de una pieza a otra, que pueden ser desderojos metalizados hasta craquelados, nacarados y tornasoles característicos deesta técnica.
Daremosfin a esta experiencia con una exposición y brindis para invitados de losparticipantes

Elcurso está dirigido al público en general mayores de 16 años, no se necesitaexperiencia previa en ninguna de las técnicas.

CUPO:Mínimo 6 personas máximo 15.
DURACIÓN: Consta de tres sesiones de 4 horas cada una.
HORARIO:10:00 a 14:00 horas; favor de presentarse a las 9:30 A.M.
FECHAS:Sábado 18 de febrero, sábado 25 de febrero y domingo 26 de febrero de 2012.
COSTO:3000 pesos mexicanos (pagando anticipo de $1000 antes del 20 de enero, $1000antes del 4 de febrero y $1000 el 16 de febrero). $3500 (pagando $2000 antesdel 4 de febrero y $1500 el 16 de febrero). MX$3800 pagando el 16 de febrero.Descuento para estudiantes.
Mesalina28
Col.Delicias
Cuernavaca,Mor.
777316 58 51
777316 93 53
Mayoresinformes con Lucy Melgarejo 044 777 3743942

Ha muerto Jorge Wilmot

2012-01-12T13:37:00.000-08:00

Esta mañana amanecimos con una noticia que, no por razonable, deja de ser triste. Es que a los 83 años de edad murió en Tonalá el maestro Jorge Wilmot, uno de nuestros más admirados artistas y promotores en la cerámica artesanal de alta temperatura, y autor de una grande obra colectiva e invididual. Nos lo anticipó nuestra amiga Maty Ochoa, que hasta donde sabemos estuvo cerca de Wilmot durante estos últimos años.
La noticia ya está en Milenio y otros medios, y ahora es privisible que le hagan algunas biografías y homenajes, a él, que no le gustaban mucho esas cosas y que, en realidad, estaba apenado porque casi no le prestaban atención. Y algo de eso hay, porque desafortunadamente, como en muchas otras cosas, México es muy desagradecido con sus artistas, salvo con aquellos que van a comer de la mano de las autoridades que reparten. Descanse en paz, aunque sea difícil, porque era un hombre muy inquieto.

Gustavo Pérez ahora en Bellas Artes (2011-2012)

2011-12-12T15:20:00.001-08:00

Se inaugura en el DF un nuevo espacio para la cerámica

2011-11-07T16:56:00.000-08:00

Hola a todos; les compartimos la información que hemos recibido estos días, y pronto les buscaremos más detalles. CENTRO CERáMICO CONTEMPORáNEO: Se ubica en Avenida Nuevo León # 217, Colonia Hipodromo Condesa, en el D.F. Dirigido por los maestros Concepción Hernández, Irma Jiménez y Joaquin Ramírez, especialistas en este arte, quienes están comprometidos con la cerámica y su difusión, así como en la enseñanza e investigación de la misma.Entre las actividades del centro cerámico se encuentra la impartición de diversos cursos y talleres, relacionados con técnicas tradicionales y contemporáneas, escultura, empleo y manejo de torno, así como la venta de piezas y demás actividades referentes a esta ancestral actividad.Para mayores informes comunicarse con: Irma Jiménez: irjima68@yahoo.com y Concepción Hernández: conceramica@gmail.comIniciamos actividades a partir de enero del 2012

Se inaugura la Bienal de Cerámica Utilitaria del museo Franz Mayer

2011-09-07T11:16:00.000-07:00

Pasado mañana, 8 de septiembre de 2011, a las 19:30 horas, se inaugura la 5° bienal de Cerámica Utilitaria del Museo Franz Mayer, en el centro histórico de la ciudad de México. Más atráas, hace algunas semanas, ya habíamos publicado aqui algunaas listas de artistas seleccionados. Cuando tengamos más datos le diremos si laa exposición, como en otros años, seráa presentada en otras ciudades del país.Felicidades a los participantes y a los ganadores.

Ya se sabe quienes son los ganadores de la Bienal

2011-05-22T13:16:00.000-07:00

Este día se conocieron los artistas y artesanos premiados en la bienal de Cerámica Utilizaria del museo Franz Mayer de la ciudad de México. Aquí les compartimos la información y la liga.

Aqui les copio la liga al sitio del Museo Franz Mayer

8 de septiembre, 2011: 5° Bienal de cerámica utilitaria, Franz Mayer

2011-05-06T09:41:00.000-07:00

Ya tiene fecha la inauguración de la Quinta bienal del museo Franz Mayer, cuya convocatoria y detalles, en general, pasan bastante desapercibidos. Me puedo imaginar que, aun después de una década de exposiciones, muchos de los artesanos y ceramistas de México nunca han oído o participado de estas convocatorias.
Siempre creo que estas grandes organizaciones culturales tienen un problema grave de comunicación. Están tan enredados en sus propias grillas, en su burocracia, en mantener el estilo sobrio y conservador de los viejos museos, que se les olvidan el público, los artistas, la comunicación, la crítica. Claro, de esta manera conservan sus empleos durante largos años, porque la verdad es que nunca están expuestos a comentarios o a revalidación. Ahí se quedan, como suele ocurrir con muchos bibliotecarios, con viejos maestros, con personas que se asumen como protectores o conservadores de alguna cosa, idea o institución, y nunca vuelven a saber de otra cosa.

Pero en fin, que los premios se conocerán el 22 de mayo próximo (se publica la lista en el diario Reforma, imagínense) y la muestra de las piezas seleccionadas se abrirá el 8 de septiembre en la noche, para la entrega de premios, y estará disponible hasta diciembre 4. Seguiremos informando.

5 ° Quinta Bienal de cerámica utilitaria, museo Franz Mayer (2011)

2011-05-06T09:33:00.000-07:00

Parece que estos días se preseleccionó y resolvió el enigma, así que aquí, en la liga, encontrarán los artistas que podrían ser ganadores de la Bienal. Son uno centenar escogido entre 400 que presentaron sus trabajos(con sus seudónimos, porque es el acta del jurado de preselección, claro).
http://www.franzmayer.org.mx/bienalceramica2011/

La mera lista de artistas y piezas premiadas de conocerá el día 22 de mayo, y el resultado se publicará ese día en el diario Reforma, en la ciudad de México. Supongo que de inmediato estará también en el sitio web del museo, para quienes no leen diarios.

La nauguración de la exposición y entrega de premios será el 8 de septiembre, 2011 19:30 horas, en el propio Museo.

La exposición estará abierta desde septiembre 8 a diciembre 4, 2011
Luego será presentada en otras ciudades del país, que no tengo claro ahora, entre
enero y diciembre de 2012
Si quieren más información sobre estos temas y sobre los horarios del museo, vean el sitio oficial
www.franzmayer.org.mx

Expo de Raquel Charabati, este mes de mayo en México DF

2011-05-02T15:12:00.000-07:00

Aquí les compartimos la invitación de Raquel Charabati, que presentará sus trabajos en el museo Casa Luis Barragán, un lugar precioso en la colonia ¿Tacubaya?, pegado a la Delegacion Miguel Hidalgo y a un par de cuadras del Periférico. Ojalá haya suficientes ceramistas que la quieran acompañar y valorar su trabajo esos pocos días en que estará expuesta.

Visita de empresas españolas de equipo para la cerámica

2011-03-31T07:55:00.000-07:00

Estos días nos dejaron amablemente esta comunicación,y la subimos para quienes están interesados en el tema. Imagino que se dirigen sobre todo a empresas, pero algunos equipos, extruders, molinos, etc., pueden ser usados por pequeños talleres artesanales. Pueden preguntar en estos correos y teléfonos que acompañan.

Por si pudiesen estar interesados les comunico que entre el 11 y el 15 de abril del 2011 una delegación de empresas españolas fabricantes de maquinaria cerámica, el ITC, Instituto de Tecnologia Cerámica, y ASEBEC, Asociación española de fabricantes de maquinaria y bienes de equipo para la industria cerámica, estarán presentes en México.

El objetivo es visitar empresas para dar a conocer la tecnología española y los últimos avances logrados en el proceso productivo cerámico, fomentando de esta forma las relaciones comerciales con el sector cerámico mexicano.

La delegación durante esta semana visitará varias empresas pero está abierta a visitar a aquellos interesados en la tecnología española por ello si alguien quisiese concertar una cita con ellos póngase en contacto con:

Alejandra Breva
abreva@itc.uji.es
Telf.- 0034964342424

Observatorio Tecnológico de Maquinaria de ASEBEC

Vicente Lázaro
vlazaro@itc.uji.es
Telf.- 0034964342424

Observatorio Tecnológico del ITC

Taller de raku en Tepotztlán, Mor, marzo 2011

2011-03-10T18:45:00.000-08:00

Les copio la invitación que nos envió Isadora Cuellar, y en quien confiamos para recomendar este tallerde raku
TALLER DE CERAMICA" RAKU"

AV. REVOLUCION # 60. casi esq. con Albino Ortega (Tepotztlán, Morelos, cerca de Cuernavaca).

"RAKU" es una compleja alquimia donde intervienen los cuatro elementos TIERRA, FUEGO, AGUA Y AIRE de la cual resultan piezas unicas y maravillosas.

Fechas: SABADO 19 Y DOMINGO 20 DE MARZO
y también
LUNES 21 Y MARTES 22 DE MARZO

Costo: $500 PESOS por DOS DÍAS
incluye: ESMALTES, QUEMAS, INSTRUCCION Y REFRIGERIO.

Contacto: Annabella Eatherley:
annabart34@gmail.com
annabart34@hotmail.com

Nueva exposición de Jenny Appo en Polanco, DF

2010-11-13T14:03:00.000-08:00

Nuestra amiga Jenny tendrá una exposición de cerámica a partir del 9 de diciembre de 2010. Se llama "Tardes de luz y arcilla" y hasta donde vemos, son placas y murales. No hemos hablado hace tiempo con ella, pero siempre ha sido una artista entusiasta y talentosa. Así que por ahí estaremos a verla.
La inaguración es el 9 de diciembre, a las siete de la tarde, en la galería La Casita, en el Parque del Reloj, de Polanco, que está en Emilio Castelar y Alejandro Dumas. Ya saben dónde, y si no, en Google Maps Street View está hasta la fotografía. Aqui está la liga para que vean la invitación en Flickr.

http://flic.kr/p/8T4zoe

68,000 visitantes en este blog

2010-06-18T10:32:00.000-07:00

Hola a todos nuestros amigos y colaboradores, a los ceramistas y a los internautas que nos acompañan con su afecto y sus comentarios. Como he dicho en otras ocasiones, ahora estamos ocupados en otros asuntos y la cerámica ha dejado de ser una de nuestras prioridades. Pero igualmente seguimos atentos y respondemos a sus preguntas.
Simplemente, después de diez años largos de dedicarle tiempo y paciencia a gestionar este sitio y otros similares, nos hemos tomado vacaciones. Esperábamos que otras iniciativas y otras personas tomaran la punta y compartieran esta afición (y responsabilidad), pero parece que no ha ocurrido y que los ceramistas mexicanos no tienen a nadie que vea por ellos. Ni los proveedores, que se dedican a este negocio, han mostrado curiosidad alguna.
Hay un creciente número de páginas y blogs personales, pero pocas veces encontramos alguna contribución que pueda tener un interés colectivo. Los ceramistas, como hemos dicho muchas veces, siguen siendo personas aisladas, demasiado individualistas, que parecen no tener interés en socializar más allá de los eventos, las exposiciones y los encuentros donde saludarse, curiosear sobre lo que hacen, ganan o crean los demás, buscar ventajas y hacerse los importantes. En fin, parece que esa es alguna parte de la realidad.
En fin, esto es para saludar a los leales, festejar que ya pasamos de los 68,000 visitantes, y reiterarle nuestro cariño a esta materia tan noble, tan antigua, tan amorosa que es la cerámica.

Exposición de Rabí Montoya en Jalapa

2010-03-14T18:36:00.000-07:00

Este viernes 19 de marzo, 2010, se inaugura una exposicion de porcelanas de Rabí Montoya en el Museo de Antropología de Xalapa, en Veracruz.
Aquí les copio la invitación, que está en un video colocado en Youtube, y que también incluye fotos de las piezas, para que las vean aunque no alcancen a llegar.

http://www.youtube.com/watch?v=8vkpOnH9XIo

el sitio del artista es
www.rabimontoya.carbonmade.com

Clases de joyería con cerámica en Cuernavaca

2009-09-22T14:13:00.000-07:00

Aquí les copiamos la invitación de nuestra amiga Aurora Suárez, de Cuernavaca, que ha venido dando diferentes cursos de cerámica y barro en la escuela de Explorartes. Si ven este anuncio de manera tardía (el problema y la ventaja de internet, cualquiera puede ver este anuncio ahora o dentro de un año), pero se interesan en el tema, busquen a Aurora en ese mismo lugar. Siempre está haciendo alguna cosa divertida.
El sitio web es www.explorartes.com
y los teléfonos en Cuernavaca, 3165851 y 3169373.
Para ver más grande la invitación, den clic sobre ella y se abrirá otra ventana

Cerámica en la Wikipedia

2009-09-15T19:09:00.000-07:00

Cerámica en Wikipdia, entrada en inglés para "pottery"

Debo suponer que la mayoría de nuestros visitantes ya saben de Wikipedia, y de sus complicados y a veces no tan correctos contenidos. Sin embargo, no está de más recordarlos. Aquí les pongo la liga para la entrada "pottery", en la versión en inglés, que está bien hecha para ser una monografía de acceso gratuito. Al pie encontrarán más ligas a temas específicos.

Cerámica prehispánica y antigua de Chihuahua y Casas Grandes

2009-09-15T18:54:00.000-07:00

Ya saben de mi persistente interés por las culturas del norte de México, la frontera con Estados Unidos y los desiertos (Altar, Arizona, Nuevo México). Son lugares muy atrayentes, con una cultura muy rica aunque asentada en medios hostiles, de una gran restricción en cuanto a medios de subsistencia. De toda esta región, que podemos leer por encima de las fronteras actuales, derivan muchas culturas indígenas, algunas de las cuales --los indios pueblo-- quedaron del lado de allá. De este lado están Casas Grandes y Paquimé, por citar sólo un par de asentamientos muy conocidos. De ellos también se deriva la artesanía de Mata Ortiz, que está entre las más apetecidas y cotizadas. Pero por favor olvídense de la leyenda y los inventos. Mata Ortiz no tiene nada que ver con el pasado, del cual sólo toma alguna inspiración. En realidad, como ya escribí alguna otra vez, es una exitosa invención debida a la imaginación y el esfuerzo del señor Quesada, su familia y otros artistas nuevos de la región. Si hubiera que buscar referencias, las encontaría mejor en los artistas pueblo de Arizona y Nuevo México, que también han estilizado y comercializado motivos que ahora poco tienen que ver con los históricos.
Pero esta introducción es sólo para presentarles este modesto pero digno sitio de la Universidad en El Paso, Texas, sobre Chihuahua, los desiertos y la historia. Pueden leer (en inglés) sobre esta región, sobre Casas Grandes y sobre la cerámica precolombina.

Exposición de Jorge Wilmot en el Centro de México

2009-08-26T11:13:00.000-07:00

Después de mucho tiempo, reapareció nuestro querido y admirado Jorge Wilmot. Ahora presenta una exposición en el Museo de Arte Popular, en la calle Revillagigedo esquina Independencia, en el Centro Histórico del D.F., a un par de cuadras de la Alameda Central.
Estará abierta hasta fin de año.
Como muchos amigos ya saben, Jorge Wilmot es un veterano de la cerámica mexicana, y sienod oriundo de Piedras Negras, en el norte del país, se fue a radicar a Tonalá, en las cercanías dee Guadalajara, donde recuperó una parte importante de la tradición artesanal de esa región.
Es una persona ya mayor, un poco hostil, un poco huraño, pero de un noble corazón. Tere y yo lo entrevistamos hace muchos años, y en este mismo blog pueden encontrar el viejo texto publicado en la revista Contenido.

Bill y Maggie Finley, ceramistas de Texas

2009-07-10T11:51:00.000-07:00

Una técnica muy interesante, y un video muy educativo.

Los videos de Davidasterisco en YouTube

2009-07-10T11:37:00.000-07:00

Hace ya algún tiempo hemos sabido de un joven español, de Asturias, que se identifica como Davidasterisco, y que ha subido a YouTube una variedad de videos sobre temas cerámicos, que entiendo él mismo filma y produce. Algunos son muy interesantes, y se ve que los hace con afecto.
Pueden ver su sitio dentro de Youtube en esta liga
Cualquier persona puede suscribirse a este canal, de manera de recibir noticias cada vez que haya un nuevo video, y pueden dejarle notas y comentarios.
También verán que tiene una presencia en Facebook.
Aquí les presentamos sólo una muestra, para que puedan darle seguimiento. Es un video de Bernard Leach

Videos sobre una quema de raku, y otros

2009-07-10T10:51:00.000-07:00

No habíamos recomendado en el Foro la visita a los videos de tema cerámico en YouTube y otros portales equivalentes, pero algunos lectores nos han pedido que agreguemos información sobre el tema. En el caso del video de raku que presentamos como muestra, no se muestra el resultado final (no entiendo por qué, hubiera sido bonito). Cuando concluye, el propio sistema les muestra, abajo, otras ideas de videos sobre temas afines. Si dan clic, pueden ver uno y otro y pasarse un rato divertido.

Otra opción diferente es cuando van directamente al sitio www.youtube.com
En la ventana o campo de búsqueda que verán arriba pueden escribir sus palabras clave como clay, pottery, raku, kiln, wheel, y las que deseen. Hay decenas de videos largos y cortos, algunos muy caseros y otros bastante educativos. Aparte del nombre y la duración, nosotros aconsejamos considerar el número de veces que fueron vistos por otras personas (ahí se menciona), como un dato de interés o popularidad. No siempre funciona, claro, porque hay videos malones pero muy vistos, porque llevan ahí muchos años. Igual, el sistema les ofrece repetir el mismo, ver otros o buscar en una lista que se despliega a la derecha. Todo hay que entenderlo :) Seguiremos informando.

Que lo disfruten.

Exposición de Gustavo Pérez en Jalapa

2009-05-23T17:00:00.000-07:00

Exposición de Gustavo Pérez: Obra reciente, en el Museo de Antropología de Jalapa, la capital de Veracruz, hasta el 5 de julio 2009.

Exposiciones en La Paz, Baja California

2009-05-12T15:09:00.000-07:00

Exposición de esculturas de Mayela Leiva Ulloa
MONTAÑAS EN EL DESIERTO
La Paz, Baja calofornia Sur

Se inaugura en la Biblioteca "Dr. Daniel Lluch Belda" del Centro de Investigaciones del Noroeste "CIBNOR", a las 12:00 hrs., el día 13 de mayo, y estará habilitada hasta el día 15, así que hay que ir sin falta.
Horarios de exposición:
Miércoles 13 de Mayo: Inauguración 12:00 a 17:00 hrs.
Jueves 14 de mayo: De 9:00 a 17:00 hrs.
Viernes 15 de Mayo: De 9:00 a 15:00 hrs.

Mayela Leiva, nació en Cartago, Costa Rica, y ostenta la nacionalidad
mexicana. Hizo estudios de dibujo y arte en la Casa Del Artista, en San
José, y la licenciatura en Artes Plásticas con especialidad de Cerámica en la Facultad de Bellas artes de la Universidad de Costa Rica. Impartió cursos de artes plásticas y cerámica en la Universidad de Costa Rica, en el Instituto Tecnológico de Costa Rica, en la Casa del artista, en Cartago, su ciudad natal, en el Colegio de San Luis Gonzaga y en el Colegio Clodomiro Picado.

Recibió la Beca Lincoln-Juárez otorgada por el gobierno mexicano.

Ha vivido en Argelia, Costa Rica, Estados Unidos, Egipto, Holanda, México, New York y Portugal. En esos países se ha involucrado en el campo del arte, la cerámica y la alfarería. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas en museos y galerías de arte en los países donde ha vivido.

Actualmente reside en La Paz, donde ha hecho talla en madera, chatarra, joyería en plata, grabado y otras técnicas.

En marzo de 2008 fue invitada por la Universidad de Costa Rica a participar como jurado de la III Bienal Nacional de cerámica 2008, y dio una charla sobre su trayectoria artística, como ceramista y escultora.

Participa con sus obras seleccionadas, en la "4ta. Bienal Sudcaliforniana de artes Visuales" en la Galería de Arte Carlos Olachea, en el Teatro de la Ciudad.

La Bienal de artes plásticas, un evento independiente de esta exposición de Mayela Leyva, estará abierta hasta el 31 de mayo.

4° Bienal de cerámica utilitaria, Museo Franz Mayer (III)

2009-04-19T15:55:00.000-07:00

Más imágenes de la exposición 4° Bienal de cerámica utilitaria, Museo Franz Mayer, México DF

4° Bienal de cerámica utilitaria, Museo Franz Mayer (II)

2009-04-19T15:24:00.001-07:00

4° Bienal de cerámica utilitaria, Museo Franz Mayer, México

2009-04-19T15:04:00.001-07:00

Como ya saben muchos de nuestros lectores y amigos, la 4° Bienal de cerámica utilitaria del Museo Franz Mayer está abierta al público (hasta principios de junio). En nuestra humildísima opinión, el resultado de este año es bastante más interesante y positivo que el de la selección anterior, que fue muy pobre.
En esta ocasión hemos visto algunos trabajos originales, con buenos acabados, diseños más avanzados, esmaltes y técnicas más elaborados y mejor logradas, y en general más creatividad y talento.
Seguimos sin saber muy bien si las piezas deben ser utilitarias --y muchas de ellas la verdad es que no sirven para nada y son pura decoración--. Habría que tomar una decisión al respecto: o definir con más precisión el contenido utilitario, que no es nada difícil, o mejor quitar la restricción y dejar que sea una bienal de cerámica contemporánea. En todo caso, los jueces y personas que hacen la selección deberán tene un rol más activo en esto. Al fin de cuentas, como pisapapeles o para guardara fruta o monedas, prácticamente cualquier cosa viene a ser utilitaria.
Ahora les acompaño algunas piezas que fotografiamos estos días, con la promesa de ilustrar mejor y aportar los datos de los artistas.

Trienal y concurso del azulejo en Dominicana, este año

2009-04-17T13:28:00.000-07:00

IV Trienal Internacional del Tile Cerámico
más información : http://www.elit-tile.net

La Fundación Igneri de República Dominicana anuncia la celebración de la Cuarta Trienal Internacional del Tile Cerámico (elit-tile 2006). Tile es el nombre en inglés para azulejos o mosaicos, o en general una pieza de cerámica plana con fines más o menos decorativos. Hay en varias partes del mundo colecciones y concursos de azulejos o tiles, justamente, y también exposiciones y buenas colecciones de este género cerámico. La idea es enviar estas piezas por parte de ceramistas mexicanos y de otros países. Informénse en el sitio mencinado arriba.

La trienal abrirá en enero del 2009 un amplio programa de actividades colaterales para culminar en abril del 2010 con la gran exposicion de los tiles enviados de todo el mundo en las salas principales del Centro León en Santiago de los Caballeros,República Dominicana.

Elit-tile 2009/2010, o la Trienal Internacional del Tile Cerámico, fomenta la fabricación y uso del tile cerámico en la arquitectura; como objeto de arte de colección y promueve el diseño conceptual del tile. Esta nueva edición está dedicada a la destacada pintora dominicana Ada Balcácer,con más de sesenta años dedicada a la pintura, al diseño y a la educación de muchas generaciones de artistas gráficos.

Como en ocasiones anteriores su programa incluirá ademas de la exposición internacional de los participantes, importantes exposiciones de cerámica de arte, pintura, dibujos, talleres y conferencias abarcando más de 16 meses de actividades paralelas que se inician en enero del 2009 culminando en junio del 2010.
(gracias por el tip a MariNela Aguilar)

4° bienal de cerámica utilitaria en el museo Franz Mayer

2009-03-18T15:25:00.000-07:00

Estos días se inauguró la exposición de la 4° Bienal de cerámica utilitaria, que organiza el museo Franz Mayer de la ciudad de México. Estará habilitada hasta el 7 de junio de este año, y los jurados que la dictaminaron fueron Ruth Beltrán, Javier Cervantes, Javier del Cueto, Adán Paredes y Manuel Álvarez Fuentes, quienes también contribuyeron con obras para la exposición, como es tradicional.
Premiación
Primer lugar Perla María Valtierra Gómez
Daniela Ramírez
Salsas, Suave Petra, Tza Tza Distrito Federal
Segundo lugar Ana Lucía Gómez
Luna Llena Distrito Federal
Tercer lugar Nicolás Ramírez García
Florero 2 Coatepec, Veracruz
Tercer lugar Jimena Posada Majluf

Pedro Alvarado
Auto-organización geométrica Distrito Federal (foto incluida arriba)

Cito textual los comentarios del jurado
"Los miembros de este jurado desean hacer énfasis en la
importancia de la calidad de las fotografías para el proceso de
preselección y llamar la atención de los participantes sobre el
cuidado que deben tener al llenar las descripciones de obra,
específicamente al tomar las medidas de sus piezas. Invitan a
los participantes a reflexionar sobre el concepto de cerámica
utilitaria y circunscribirse al mismo para futuras ediciones.
Animan a los ceramistas, alfareros, artesanos, diseñadores y a
toda la gente vinculada con el barro a que siga participando
para mantener la continuidad de esta bienal. Dejan como
sugerencia para las siguientes bienales que éstas se rijan por un
eje temático."

Se explica, además, que en esta ocasión participaron 430 piezas de 195
ceramistas de 19 estados de la República, de las que fueron
preseleccionadas 79 piezas de 62 autores. Fueron seleccionadas para la exposición 55 piezas de 47 autores de 12 estados.

Para tener un avance, o en caso de que no puedan ir a la exposición, en la página del Museo está publicado el pdf del catálogo, que incluye el dictamen de los jurados, las fotografías de las obras premiadas y seleccionadas, y las biografías de los jurados, los artistas premiados y los seleccionados. Vean en www.franzmayer.org.mx, y en el costado izquierdo, la sección exposiciones temporales.
Aquí está la liga, por si las dudas
.

Más de 30,000 visitantes en este Foro

2008-12-08T10:57:00.000-08:00

Nada más una línea para dejar sentado que ya se cuentan 30,900 visitas a este Foro, desde que comenzó el conteo en marzo de 2007 (pueden ver el número actual si dan clic en el pequeño símbolo azul que está en lo alto de la página). Tere y yo les agradecemos sus visitas, sus noticias y comentarios, y sus muestras de solidaridad. Aunque ya cerramos el sitio web que teníamos en ceramica.info, seguiremos trabajando aquí como hasta la fecha. Hasta siempre y que estas fiestas de Navidad y Año Nuevo les traigan muchos momentos de alegría y amistad. La verdad, como estan las cosas en el mundo, todos necesitamos más de eso. Hasta pronto.

Entrevista con el ceramista japonés Ryota Aoki

2008-12-08T09:59:00.000-08:00

Esta entrevista se publicó en Pingmag, una revista japonesa de arte y diseño, y nos pareció interesante que pudieran leerla. Está en inglés y alberga varias imágenes de sus piezas. Es un chavo joven, pero con mucha experiencia y una vida muy interesante.
Pueden leer todo el texto en esta liga

Tesoros mexicanos en el Museo Hearst de Berkeley

2008-11-28T14:34:00.000-08:00

Hoy queremos recomendarles una visita virtual al Museo de Aantropología Hearst de la Universidad de California en Berkeley, que tiene una buena cantidad de piezas de diferentes épocas, culturas, materiales y tradiciones. Aquí les vamos a incluir la liga a una exposicón sobre Tesoros de México (liga), que incluye cerámica,lacas, textiles, máscaras y otros artefactos. En la parte izquierda está el menú, y hay que abrirlo con cuidado. Primero hay un texto explicatorio en inglés, y luego se puede acceder a las imágenes, que no son muchas pero están bien elegidas.

Hay una sección que nos llamó la atención, sobre piezas de recuerdo (souvenirs), réplicas y falsificaciones, tema que se ha considerado muy poco en México. En lo personal me llama la atención que no se estudie porque tiene ricas implicaciones: por un lado está la falsificación de altos precios con el puro ánimo de estafar, pero sobre todo las copias, réplicas o "invenciones" de bajo precio destinadas a los turistas. A veces tratan de venderlas como "réplicas" o piezas auténticas desenterradas. Las más de las veces, sin embargo, se ofrecen como simples artesanías "prehispánicas", hechas en serie en talleres de todo tipo.

Alguna vez pasó por nuestra casa un señor con aire de campesino, humilde en su apariencia, y nos ofreció un vaso de barro rojo que reprenta a un hombre acuclillado que carga sobre sus espaldas justamente el cuenco (una especie de gran tazón con una figura humana en un costado) y nos dijo que la había desenterrado de su rancho, y que la estaba vendiendo barata. La cosa era que venía pegoteada con tierra y piedritas, muy sucia. No se si le creímos el cuento, espero que no, pero la compramos, la limpiamos, y todavía la tenemos con una planta. Quizá pagamos 20 o 30 pesos. La sorpresa fue que unas semanas después, en la feria de la Ciudadela, vimos no una ni dos, sino una montaña de esas mismas figuritas, que costaban digamos dos pesos con cincuenta. Nos atacamos de la risa, claro, porque en nuestra inocencia estuvimos a un punto --digamos-- de creer que habíamos hecho una gran compra. Un buen tema.

Si quieren ver el museo Hearst desde el inicio, entonces vayan abajo de la página y eligan ir a la carátula para empezar desde ahí el recorrido que prefieran. Hay muchas exposiciones disponibles
Que lo disfruten.

http://hearstmuseum.berkeley.edu/exhibitions/mexico2/mexico2_intro.html

Centro virtual Cervantes de cerámica y porcelana española

2008-11-11T14:43:00.000-08:00

CVC. Patrimonio Nacional. Porcelana y cerámica. Introducción.: "El presente Catálogo pretende mostrar, por primera vez de forma sistemática, un conjunto artístico tan poco conocido como lleno de interés: la colección de porcelana española que se conserva en los Palacios Reales, y que comprende piezas de Talavera, Buen Retiro, Capodimonte, Moncloa, Pickmann, Sargadelos, Santander y Valdemorillo"

Pueden ver este interesante catálogo dando clic a esta liga Centro virtual Cervantes

Ceramica Bariloche Patagonia Argentina

2008-11-11T14:38:00.000-08:00

Ceramica Bariloche Patagonia Argentina: "Cerámica Bariloche S.A. es una empresa artesanal radicada en San Carlos de Bariloche, corazón de la Patagonia Argentina. Produce piezas de porcelana roja y cerámica decorada a mano. Ha sido la primera actividad productiva orientada al mercado artesanal de la región. Desde el punto de vista social es una importante creadora de puestos de trabajo.
Hoy es un símbolo de la ciudad".
Para más detalles, y un catálogo de productos, vean www.ceramica-bariloche.com

Más exposiciones de cerámica en Xalapa, Veracruz

2008-11-01T13:30:00.000-07:00

Supongo que no es un secreto, pero si me gustaría llamar la atención sobre la intensa actividad que realizan los ceramistas contemporáneos en la zona de Xalapa o Jalapa, la capital de Veracruz.
Es una región que no tenía una tradición en este campo, y si no me equivoco, el primero, quien abrió esta línea, fue el mismo Gustavo Pérez con su taller El Tomate. No tengo muy claros los tiempos ni los detalles --creo que eso estaba en Coatepec, una zona cafetalera cercana--, pero con los años empezamos a oír más y más sobre artistas locales y foráneos que se instalaron ahí para hacer cerámica de alta temperatura con un enfoque contemporáneo, artístico y utilitario. Alguna vez escribí sobre que aquella era una región caliente y quizá no muy propicia para el barro, y un alumno de pérez me explicó que al contrario, toda esa región es más bien fría, con grandes nublados, y que un día caliente y con sol es toda una novedad. Es que están en las altas montañas, cerca de Cofre del Perote, que en efecto es zona fría y brumosa.
Aquí, por lo pronto, va la invitación a una muestra de los alumnos de Mariana Velázquez, que se inaugura el 6 de noviembre en El Agora. Si en su monitor no se alcanzan a leer los detalles, den clic sobre la imagen, para que se abran en una ventana aparte.

Biografia de Josep Llorens Artigas

2008-09-28T15:12:00.000-07:00

Biografia de Josep Llorens Artigas: "Barcelona, 1892-Gallifa, 1980) Ceramista español. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona. Su cerámica, en especial la realizada en gres, destaca por la pureza y sencillez de la forma y por la decoración resultante de la cocción a elevada temperatura. Colaboró con Picasso y con Miró (sede de la Unesco en París, Universidad de Harvard y aeropuerto de Barcelona). Desempeñó una notable función renovadora en el ámbito de la cerámica europea"
Tomado de www.biografiasyvidas.com

Curso de cerámica en el Istmo de Tehuantepec, en Oaxaca

2008-09-26T16:30:00.000-07:00

copiamos esta información para quienes estén cerca y tengan interés en el tema

TALLER DE CERAMICA EN EL ICAPET DE IXTEPEC (ISTMO DE TEHUANTEPEC)
El ICAPET IXTEPEC (Instituto de capacitación para el trabajo) ofrece un curso de cerámica impartido por el ingeniero ceramista japonés T. Okada. El señor Okada viene a México por parte de JICA y el gobierno de Oaxaca, para ofrecer su experiencia en la industria cerámica japonesa. Este curso tambien cuenta con la asistencia del Ingeniero y ceramista Aníbal Cruz Cabrera por la parte mexicana.
Este taller tiene una duración de 6 meses, sin costo, pero no ofrece becas a los estudiantes.

Temario:
1. matriceria y moldura
2. formado de piezas por el método de torneado
3. pintura en cerámica bajo esmalte
4. pintura en cerámica bajo Talavera
5. producción de piezas por vaciado
6. preparación de pastas

Su horario es de 15 a 19 pm de lunes a viernes.
Fecha de inicio: 18 de agosto
Fecha de terminación: aproximadamente inicio de marzo de 2009
Contacto:
icapet_188@hotmail.com
Domicilio:
Camino a Niza Luba s/n
Esquina Rafael Ramírez
Colonia Moderna
Ciudad Ixtepec, Oaxaca

Jorge Wilmot y Ken Edwards

2008-09-19T16:29:00.001-07:00

En nuestro archivo de fotografías, encontramos estas dos imágenes que escaneamos y compartimos con nuestros amigos. Son de fines de los años 70, cuando Tere y yo fuimos a Tonalá, Jalisco, a escribir un reportaje. En una está ella en el gran taller de Jorge Wilmot, una escena que recordamos con mucho cariño. En la otra está Ken Edwards,
nuestro simpático gringo, que me dicen tiene ya más de 80 años, está en buenas condiciones de salud y abrió un taller en en Guatemala, después de ceder la fábrica de Tonalá a su familia.

Anunciamos el cierre del sitio www.ceramica.info

2008-09-19T16:29:00.000-07:00

Hola a todos nuestros amigos, lectores y visitantes
Les anunciamos que dentro de algunas semanas cerraremos de manera definitiva el sitio web que desde hace más de 10 años venimos atendiendo en www.ceramica.info. No lo vamos a renovar porque estamos algo cansados de esa tarea, y porque el blog --es decir este--, nos resulta más sencillo y rápido de actualizar. También debemos decir que, en algunos momentos, nos hemos sentido defraudados por la poca atención, incluso la ingratitud, que el gremio y los visitantes le han dedicado a este trabajo, por el que nunca pedimos ni recibimos un solo centavo. Algunas personas ni siquiera las gracias nos han dado. Pero no queremos parecer quejosos o molestos, poque hacemos esta contribución de buena fe y con mucha alegría. Por lo demás, si alguien se inteesa en continuar con www.ceramica.info o desea la transferencia de ese dominio, no tiene más que escribirnos una línea. De otro modo es posible que se pierda para siempe o se convierta en un sitio comercial.

Como a todos les consta, Tere y yo le hemos dedicado muchas horas, hemos publicado noticias y actualizado los datos de talleres y proveedores, y en general hemos estado atentos a sus solicitudes. Procuraremos seguir con lo mismo desde este lugar. En preparación para ese momento, estamos copiando artículos y noticias incluso antiguos, que sólo estaban en el sitio web, para que no desaparezcan en el olvido (en muchos casos ya no tenemos vesiones impresas).

Les agradecemos su comprensión, y les enviamos un cariñosso saludo desde México

Bienal de cerámica utilitaria Museo Franz Mayer

2008-09-17T08:23:00.000-07:00

Mi opinión sobre la

Tercera Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer, 2007

Muy poco que ver

por Dino Rozenberg

Como lo dijimos en el blog, esta versión de la Bienal de cerámica utilitaria organizada por el museo Franz Mayer resultó muy pobre, y de veras pobre. Físicamente se nota la diferencia, porque en otras ocasiones se seleccionaron muchas piezas y casi se había llenado la galería del museo, que para quienes no lo conocen ocupa una ancha arquería que corre alrededor del atrio. Esta vez apenas si ocupa un solo costado.

Cuando fuimos, además, un día de semana, estaba desierta y esto aumentó el grado de desamparo de la exhibición. Si uno mira las piezas de manera individual, muy pocas tienen algún valor de originalidad, diseño o manufactura. Hay incluso algunos esmaltes comerciales, es decir que cualquier puede comprar en una distribuidora de Duncan. A mi me asombra, en lo personal, la falta de imaginación y de humor, y la mala o elemental manufactura. Salvo algunas excepciones, las piezas están mal hechas, mal terminadas, y con errores notorios.

De casualidad tengo a la mano unas revistas de Ceramics Monthly de hace 10 o 12 años. Lo que veo ni siquiera son piezas de concurso, sino el portafolio convencional de artistas norteamericanos, canadienses y de otros países. Muchos de estos trabajos son superiores, y hasta muy superiores a los que vemos en Franz Mayer. A algunos no les gustará que haga comparaciones, pero ahí están. Ya sabemos que en Estados Unidos hay un gran movimiento cerámico, escultores, escuelas, proveedores y talleres donde van cientos de artistas. Y eso es lo que me causa enojo. A nuestros compañeros mexicanos les faltan ganas, les falta humor, les falta ímpetu creador. no digo que les falta imaginación, pero pareciera que tienen miedo de usarla. Hasta en los tamaños son conservadores, porque la mayoría son piezas pequeñas, como si les asustaran los formatos grandes.

La pregunta entonces es, de qué cerámica estamos hablando; esto que vemos es lo mejor que pueden producir los ceramistas y escultores de un país de 105 millones de habitantes, que además se enorgullecen de una tradición alfarera y escultórica de tres mil años. No lo entiendo. No me parece.

Lo que resulta, cuando uno relee las biografías de los artistas seleccionados, es que seguimos siendo una pequeña logia de mujeres, con algunos pocos hombres, que se dedican a esto por algún tipo de vocación, pero que no se ha convertido todavía en una profesión, en una disciplina, en una verdadera carrera profesional. Algunos de los seleccionados, incluso, son personas aficionadas, que trabajan de tiempo completo en empresas o instituciones académicas.

Si uno mira más, la mayoría ha estudiado mucho, ha tomado clases en el extranjero (que obviamente pagan de su propio bolsillo, lo que habla de cierta holgura económica), ha participado en numerosas exposiciones. Pero la conclusión es que son gente aislada, que hacen esfuerzos individuales, que no forman parte de una asociación o de una corriente. Cada quien trabaja por su lado, con más o menos ayuda, con más o menos éxito, pero el resultado necesariamente tiene que ser pobre.

Para el museo Franz Mayer también hay algunas responsabilidades. Me da la impresión de que la Bienal, como proyecto cultural, se limita a una especie de recolección de piezas, y que toda la base promocional ha sido olvidada. Eso explica que este año las cosas sean peores que en las anteriores, porque no se ha sembrado ni estimulado la creación y el trabajo de la comunidad.

El esfuerzo esta incompleto. No escucho que los promotores busquen a las escuelas, a los talleres, a los proveedores; no escucho que entre una y otra Bienal vengan algunos ceramistas mexicanos y extranjeros a dar talleres, a platicar, a visitar a los artistas y a los artesanos. Creo que el Franz Mayer está demasiado solo en esto, y que por lo mismo no se ve un progreso a lo largo del tiempo. Este año ni siquiera se aparecieron los artesanos populares o los talleres más o menos fabriles que habían participado en el pasado. Ya ni siquiera discuto el tema de si las piezas presentadas son “utilitarias” o no, porque la mayoría no lo son. Pero ese seria un tema menor cuando lo que estamos discutiendo es sobre si esto es cerámica.

Creo sinceramente que tendrán que unirse con el Museo de Arte Popular, con el Fonart, con la EDA, con algunos talleres privados, incluso con artistas consagrados o que ya han sido jurados, para poner esto en movimiento. Y luego, la Bienal sería la oportunidad de exponer lo que se haya logrado en dos años de trabajo. Puedo imaginarme a Gustavo Pérez, a Díaz de Cossío, incluso a sus patrocinadores de La Ánfora, dando talleres o cursos, o compartiendo experiencias y conocimientos con la gente que tiene talento pero necesita orientación y asesorías.

En fin, hay que seguir trabajando, cada quien en su renglón, para que esta disciplina artística se encauce. La mayoría de los ceramistas se quejan de que nadie les presta atención, de que no hay lugares para exponer y vender, de que los coleccionistas o los decoradores no se interesan por sus piezas. Como estás cosas, dispersas y sin entusiasmo, resulta bastante natural que nadie se interese por la cerámica.

Ceramistas mexicanos, una muestra

2008-09-17T08:19:00.000-07:00

Sólo un guiño
Escultura mexicana en cerámica
julio-septiembre 2000
Dino Rozenberg

Esta exposición arranca en la ExpoLisboa de Portugal, sigue por Europa, florece en Oaxaca y acaba en el Antiguo Palacio del Arzobispado, en la ciudad de México. Incluye unas 70 obras de 16 ceramistas y escultores de México, como Gustavo Pérez, Gerda Gruber, Vicente Rojo, Perla Krauze, Enrique Rosquillas, Marco Vargas y otros. Estará abierta al público hasta septiembre de este año 2000.

La exposición es una fiesta para los amantes y seguidores de la cerámica contemporánea de México, esa disciplina que sólo cultivan unos cuantos y que aprecia otra pequeña minoría. Ya sabemos que esto es y seguirá siendo así, y sabemos por qué, pero creo que hay que seguirlo recordando para que nos duela. A ver si ese dolor hace que se abran nuevos espacios y que se incorporen más artistas y más público. Y nuevas ideas y propuestas técnicas y estéticas, que también parecen estar faltando.
La muestra resulta inusual y atractiva por el tamaño reducido de las piezas. De verdad es una exhibición de pequeños formatos, y ninguna excede los 20 centímetros. Acostumbrados como estamos a los gigantismos del arte mexicano, o por lo menos a sus grandes despliegues, este catálogo lleva de inmediato a la intimidad. Uno tiene que caminar por la sala medio agachado, muy cerca de los demás espectadores. No son los grandes aparatos de medio metro de altura y más, que uno puede apreciar a cierta distancia, como murales. Son piezas pequeñas que hace falta mirar de cerca y rodearlas, para apreciar todos sus ángulos. Quizá el punto de partida fue montar una exposición de pequeño tamaño, “portátil”, para llevarla a espacios pequeños y poderla transportar a varias locaciones.

La mayoría de las piezas son de cerámica de alta temperatura, con o sin engobes, y una minoría son de baja. Hay porcelana negra, como la de Gruber, y algunos acabados como cera, ahumados y óxidos.
Gerardo Azcúnaga (Monterrey, 1958) presenta unas esferas huecas, como figuras marinas o como conchas o geodas. Pero luego las cubre con pelos o las tapiza con clavos arrasados por el fuego. Si de lejos se ven cálidas, de cerca y en el interno, se sienten hostiles y espantables.
A Gerda Gruber (1940, la más experimentada del grupo) siempre la supimos austríaca, pero ahora nos enteramos que nació en Bratislava, que viene a ser la República Checa. A fines de los 70, cuando se separó de su esposo escultor (por eso en algunos catálogos figura Gerda Spurey) abrió la carrera de cerámica en la Academia de San Carlos. En aquellos años ya trabajaba la porcelana, su gran pasión, y hacía piezas como láminas, altas y erguidas, de una increíble fuerza y fragilidad. Aquí muestra unas piezas de porcelana negra como serpientes, con unos toques de pasta naranja. Son involuciones, ideas que reptan, que se retuercen y tienen un alma animal.
Rosario Guillermo (Mérida, Yucatán, 1952) mezcla su cerámica con madera y la decora con hoja o lámina de oro, al estilo de los estofados novohispanos. Es un trabajo de encastre y cobertura, que deja abierto un enigma, ¿dónde está la cerámica? Pareciera que, justamente, la artista utiliza la cerámica para ocultarla bajo el color y el dorado.
Perla Krauze (Ciudad de México, 1953) también parece ocultar la cerámica y hacerla parecer otra cosa, como maderas quemadas y cartones chamuscados. En estas piezas hay algo de piedra volcánica, de incendio, de mundo quemado y rescatado con alambres. Es desolador.
Jorge Marín (Uruapan, Michoacán, 1963) nos ataca con unas miniaturas de ancianos de pasta blanca patinada, con ojos de colores. De lejos pensé que eran unas pequeñas caricaturas al estilo de Tlatilco, incluso unas figuras sonrientes, pero de cerca estos viejos son una terrible representación de la obsolescencia del cuerpo humano y la miseria de la vida. Algo de surrealismo, pero no divertido.
Vicente Rojo (Barcelona, 1932) no es propiamente un ceramista, y es bien conocido que su gran obra la hizo en la pintura y la gráfica. Tere y yo lo conocimos en los 70, cuando hacía sus famosas “Negaciones” y “México bajo la lluvia”, y exponía en la galería Juan Martín. Alguna noche fuimos a cenar tamales a la Flor de Lis con su esposa Alba (entonces en el Fondo de Cultura Económica), Beatriz Bueno y Cocó Rivielo. Sus piezas (cinco de 1997) decimos que son las menos atractivas de la muestra, las más elementales, y las explicamos como una búsqueda para otras cosas, quizá interesantes, que veremos algún día sobre sus telas.

No vamos a reseñar la obra de todos los artistas, que sería aburrido y excesivo, y tampoco describirlas en la narrativa para que se la figuren quienes no alcancen a ver la muestra. Pero vale la pena hacer un comentario final. Si en su conjunto esta exposición es una invitación muy atractiva, la individualidad empieza a ser menos interesante. Las obras son algo disparejas, y las propuestas estéticas probablemente no sean muy novedosas. Hay una buena manufactura, sobre todo en las precisas construcciones de Gustavo Pérez, que a eso se ha dedicado los últimos 10 años. Es sin duda alguna el gran ceramista contemporáneo de México. Otros trabajos son menos logrados.
Tampoco hemos sentido que el material cerámico esté creciendo mucho en estas manos, que se esté estirando su mundo o por lo menos se le esté llevando por caminos nuevos. Es una propuesta de gente que ya tiene oficio y experiencia, pero hay que seguir adelante y esperar por la siguiente generación, que ojalá empiece a madurar pronto.

Un comentario en mayo 2002:
A raíz de esta muestra conocimos a la curadora del Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (el Antiguo Palacio del Arzobispado, en la calle Moneda 4, Centro Histórico de la ciudad de México) y responsable de la exhibición, maestra Ingrid Suckaer. Es una entusiasta promotora de la cerámica mexicana y de los artistas contemporáneos, y comparte nuestra preocupación y esperanza por el desarrollo de una visión nueva para esta disciplina. Ha organizado otros eventos en el Museo, y nos anticipa algunos muy interesantes para el futuro. A través suyo pudimos reencontrarnos con Gerda Gruber , de quien publicamos una entrevista extensa en este mismo foro. Ingrid Suckaer tiene excelentes contactos entre los ceramistas de la joven generación, y esperamos pronto ver más resultados de su trabajo.

La talavera, y cómo arruinarla

2008-09-17T08:18:00.001-07:00

Talavera de Puebla y otras talaveras:
la forma de acabar con una cerámica noble y centenaria

La copia burda, la adulteración de los motivos, la fabricación industrial y la comercialización sin escrúpulos de esta noble técnica cerámica, seguramente provocará su destrucción a corto plazo.

No quisiera abundar mucho sobre la técnica de la cerámica llamada talavera. Se ha escrito sobre sus orígenes, de la influencia árabe y de su tradición en Talavera de la Reina, España, de donde pasó a México en tiempos de la Colonia. Digamos para quienes no están enterados que es una cerámica de baja temperatura, hecha con barro rojo y pintada con esmaltes estanníferos, es decir con base de estaño. Se afincó en la ciudad de Puebla, donde un puñado de talleres la vinieron haciendo hasta el presente de una forma muy artesanal y bastante respetuosa de las formas tradicionales. Por estas razones siempre había pocas cantidades que se vendían a precios altos, y eran buscadas por aficionados y coleccionistas. Lo básico eran las vajillas, los tibores y pies de lámparas, y los azulejos. Uno de los talleres más antiguos fue el de La Trinidad, y más recientemente el de Uriarte, que le impuso un corte más comercial y la fabricó en serie; ahora tiene tres o cuatro tiendas de franquicia, y exporta mucho a Estados Unidos.
Con los años aparecieron otras talaveras, sobre todo en Guanajuato, como los de Gorki González y Capello. Aunque estos dos creadores cambiaron las formas y usaron otros colores, siguió siendo una técnica apreciable, de buenos resultados y precio alto. Personalmente nunca me gustó del todo la talavera, aunque reconozco su atractivo y su valor decorativo. Da clic en este sitio para ver una fotografia.

De Guanajuato y otras talaveras
Por desgracia, y como ha ocurrido con muchas otras artesanías en México, en los últimos años empezaron a aparecer más y más talleres de talavera, y hoy en día Puebla, Guajauato, Dolores Hidalgo, San Miguel de Allende y otras ciudades coloniales y turísticas están atascadas de esta cerámica, en su versión más corriente. Obviamente, la producción industrial masiva, y la lucha por abaratar los precios y ponerlos al alcance de más turistas, está acabando con ella. Ahora se encuentra "dizque" talavera en todos los mercados, incluso a precios irrisorios, y en lugar de los motivos y acabados tradicionales están usando colores completamente comerciales. No conocemos a fondo estos recursos, pero el resultado final es horrible. Las piezas están mal terminadas, los diseños son toscos, y para encontrar una buena y bien terminada, debes descartar decenas.
Hace unos meses, Tere y yo estuvimos en un negocio a la entrada a San Miguel de Allende. Hay muchísimos todo a lo largo de la carretera. Era un negocio de mayoreo, enorme, con un salón como de cuarenta metros de fondo lleno de piezas. Mientras Tere escogía un sol (esmaltado con azul oscuro y un amarillo chillón), empezamos a sentir como canto de grillos, cri-cri. Entonces descubrimos que lo que sonaban, fuerte y constante, eran los esmaltes que se estaban enfriando. Al principio me encantó eso de escuchar la música de la cerámica al enfriarse, pero luego tuve la amarga sensación de estar en una imprenta donde se piratean y falsifican billetes de banco. Había miles de piezas, la mayoría detestables, y el carácter reservado, único y auténtico de la artesanía se había perdido por completo. Pregunté si toda esa producción salía de un solo taller, y me contestaron, con cierto orgullo, que no, que eran muchos, varias decenas de talleres que se dedicaban a fabricarla. Como si se tratara de una empresa industrial, me dieron a entender que podían venderme cincuenta o cien floreros, o los que quisiera, porque tenían una inmensa capacidad de producción. Me entristecí.

Talaveras de cinco pesos
En un artículo que se publicó hace años en Artes de México, y que coordinó la experta Leonor Cortina, explicaban que en la época colonial, los artesanos y loceros tenían reglas muy estrictas sobre lo que era la talavera y con qué materiales y motivos debían hacerla para poderla vender. Me llamó la atención, porque es justamente lo que parecen estar haciendo ahora otras industrias modernas, con esos temas de calidad total, normas ISO 9000 y sobre todo las especificaciones y contenidos de los productos. A los fabricantes de tequila, en Jalisco, les han impuesto rígidas reglas de fabricación para que puedan vender su aguardiente con el nombre de tequila. Es una forma de los propios fabricantes de proteger un producto que tiene un gran valor potencial, y que hay que cuidar para que no se maltrate o corrompa. Pero a los comerciantes de artesanías no les exigen nada para poderla ofrecer como talavera, aunque prácticamente ya no lo sea.
Toda esta queja podría tener un carácter elitista, conservador, un poquito retrógrado. Algo de eso hay, y no me lamento por ello. Ya dije que la talavera no me fascina, aunque estoy dispuesto a reconocerle sus méritos, su personalidad, su atractivo de diseño y colorido. Aun así lamento que los verdaderos fabricantes de talavera, o las autoridades encargadas de promover las artesanías o la cultura, no hagan nada para corregir estas desviaciones.
Este es un viejo vicio de las industrias populares mexicanas. Cuando alguien hace algo bien, con un potencial económico, todo mundo se lanza a copiarlo y reproducirlo sin ningún criterio, sólo el de abaratarlo o multiplicarlo para aprovecharse de la movida. Le pasó a Sergio Bustamante, el de Guadalajara, que empezó a hacer grandes pájaros y animales de papel maché, caros y muy bien terminados, y al cabo de los meses toda la ciudad estaba llena de animales mal hechos a precios de ganga. Luego hizo las arcas de Noé, y lo mismo, luego siguió con unos exóticos huevos de cerámica, de los que salían sapos, lagartijas y otros bichos, totalmente surrealistas. Hace poco, en el mercado de Tepotzotlán, vimos unos huevitos como de cinco pesos, también con sapos.
Alguien dirá que hay que crear empleos y darle ocupación a la gente, y que me deje de molestar con estas tonterías sentimentales. No estoy de acuerdo. Se puede generar empleo de muchas maneras, sin tener que maltratar un producto noble que, bien hecho, puede dejar más ganancias y mejores sueldos. Ni siquiera vale la pena insistir en esto, para no hacerla muy larga.
Sólo quiero aprovechar esta vía para decir que, desde mi perspectiva personal, es una lástima que la cerámica de talavera esté siendo tan explotada y de tan mala manera. Pronostico, y quisiera equivocarme, que dentro de unos cuantos años el valor histórico y cultural de la talavera de Puebla y sus similes habrá desaparecido, porque nadie querrá pagar cien pesos por algo que otros venden en veinte. Y cuando ya nadie quiera comprar un cenicero o un florero mal hecho y peor pintado, con unos colorinches sin sentido, entonces habrá que empezar a buscar nuevas fuentes de empleo.
En Italia, la fayenza está bajo la protección del gobierno y los propios artesanos, y sólo puede llamarse con ese nombre la cerámica fabricada en los talleres certificados, y que utilizan los materiales y las técnicas originales. Esto es algo así como la protección de una denominación de origen de un vino o un licor, o un tipo de queso. Si quiere saber más de esto, visite la página oficial de los artesanos de Faenza, y su galería de técnicas y miembros.
Hace algunos meses, un lector de estas páginas nos informó que en Puebla han estado trabajando en la elaboración de una norma oficial mexicana (NOM), lo que involucra a las autoridades de la Secretaría (Ministerio) de Comercio y Fomento industrial, la ciudad de Puebla y los artesanos, y que sólo las piezas que cumplan la norma podrán tener el sello oficial y llamarse "talavera". Vamos a ahondar en esto y nos mantendremos actualizados.
Dino Rozenberg
noviembre de 2000

Si quieres saber más sobre la cerámica Talavera de Puebla, puedes leer un interesante artículo que escribió sobre este tema el escritor mexicano Alberto Ruy Sánchez, y que copiamos en este mismo sitio.
Sobre la talavera Uriarte de Puebla: Esta fábrica está ubicada en la Avenida 4 Poniente 911, Centro, en la ciudad de Puebla, y su teléfono es (01-22) 321-598 y 328-365; tiene sucursales de venta en la ciudad de México: Alejandro Dumas 77, Polanco, 5282-2849 y Calzada Desierto de los Leones 56 D6, San Angel, 5616-3115. En Puebla, el fax es (0122) 422-943. Página web:
www.uriartetalavera.com.mx

Entrevista con Hugo Velázquez

2008-09-17T08:17:00.001-07:00

Entrevista con Hugo Velásquez, en Cuernavaca:
Génesis de sus tribus artísticas

La figura de Hugo Velásquez es bien conocida por los amantes de la llamada cerámica contemporánea: alto y delgado, de apariencia frágil pero lleno de energía, luce desde hace muchos años una larga y ensortijada cabellera, ahora matizada de canas. No tiene las manos que uno esperaría de un ceramista, sino las más delgadas de un pintor. Y es que, en los orígenes de su carrera artística, en Nueva York, fue precisamente eso.
"Hacia fines de los años cincuenta, viviendo en Nueva York, yo pintaba y no lo hacía mal -cuenta, instalado en el enladrillado patio de su casa-taller en Cuernavaca, donde reside desde hace más de una década. En aquel tiempo los artistas se cotizaban como en la bolsa y las cifras que se manejaban eran enloquecedoras. Era una situación que daba miedo porque le cambiaba la vida a la gente. De pronto, un pintor, de medio mal comer, pasaba a disponer de una tarjeta de crédito sin limite y de privilegios totalmente insólitos."
Este fenómeno llevó al artista a una verdadera crisis interna, de la que salió con una vocación rediseñada: "Yo quería hacer algo anónimo, que no tuviera una cotización en un mercado especulativo, que fuera humilde, honrado y bello. Entonces vendí mi estudio y me metí a la Greenwich Pottery House, donde aprendí, más teoría que práctica, sobre cómo se hacía un cuerpo cerámico y cómo eran los vidriados. Un bagaje técnico muy sólido pero sin aplicación. Puro papel".
Sus primeros escarceos con el stoneware, por lo mismo, no fueron fáciles.

Lo más cercano a las rocas
De Nueva York a México las cosas no fueron más sencillas: 30 años atrás muy pocos artistas utilizaban la técnica del stoneware. Aún hoy día, cada ceramista debe preparar sus materiales y hasta diseñar y fabricar su propio equipo, comenzado por el horno y siguiendo por mesas, batidoras, herramientas. A pesar de las dificultades, Velásquez creó un taller que a lo largo de tres décadas ha producido una obra rica y variada: desde piezas de línea utilitaria y para decoración, como pies de lámparas, vajillas, platones, etc., hasta la personalísima aunque escasa obra artística realizada y firmada por el ceramista, y expuesta en algunas contadas ocasiones en México y el extranjero. Porque Hugo X. Velásquez, a pesar de su trayectoria y prestigio, sigue siendo un artista intimista y hasta reservado, poco afecto a las promociones y al exhibicionismo.
"Mi desafío no es ser mejor ceramista que fulano o mengano; el verdadero desafío esta en el barro, el vidriado, los engobes, el horno. Creo que sigo haciendo cerámica, 30años después, por la emoción que siento cuando cierro el horno, hago la quema y, al abrirlo, veo lo que hice yo y lo que hizo el horno, que también aporta lo suyo. Mientras el estómago se me estruje al abrir la puerta seguiré haciendo cerámica. Cuando eso cambie, quizá ya no me siga interesando como ahora."
Velásquez no duda cuando se le pregunta por qué escogió la cerámica de alta temperatura, aun técnica valorada por su aspecto opaco y algo rústico, y su paleta más reducida y menos vistosa que la de la baja temperatura: "Hago stoneware porque me parece lo más cercano a las rocas, a la tierra, a los volcanes. México es mucho un país así. Recio, con fuerza".

La horneada es como los toros
"Para que la pieza sea un poco mía, siempre me gustó trabajar cerca del tornero, y una vez que sale del torno la trabajo yo mismo, alterándola, dándole una forma nueva. En este momento estoy haciendo piezas de gran tamaño, que representan un enorme desafío técnico y que me han obligado a cambiar toda la estructura del taller, desde la composición del cuerpo cerámico, el secado, el modo de meterlas al horno sin tocarlas, etc. Nosotros no hacemos sancocho, horneamos una sola vez, el cuerpo y los vidriados, a cono 9 y en atmósfera reductora. Creo que en este modo de trabajar hay un desafío aparte."
Cuando hay alguna pieza que de verdad le importa, él mismo se ocupa de la horneada, que tarda unas 14 horas. "La horneada es como los toros -explica-, para hacer una gran faena hacen falta dos: el torero y el toro. El horno es como un socio: coopera o no coopera. Tiene mucho que decir en el resultado final. Si una pieza se va a estropear porque le eché mucho o poco humo, prefiero ser el responsable antes que dejarle el riesgo al hornero del taller. Entonces, ese día yo llevo la quema. Es un rito delicioso levantarse a las cuatro y media o cinco de la mañana, cuando todavía están las estrellas, tomar café, hacer anotaciones en la bitácora cada media hora (tengo la bitácora de estos 30 años perfectamente conservada). Y ahí me paso, desde que está oscuro todavía, viendo como se hace de día, y sube el sol, hasta bien entrada la tarde, velando la marcha del fuego. Disfruto mucho todo eso, aunque suene algo cursi".
En los últimos tiempos ha dejado de lado las piezas torneadas para trabajar con cuerdas o churros, que él mismo prepara y que, de alguna manera, le exigen una dedicación completa. "Es la técnica ideal para hacer piezas grandes, porque al ser más lenta se ve el avance gradual y hay posibilidades de modificar la forma a medida que va creciendo. Es algo que el torno no permite, porque su ritmo es más intenso y, además, tiene la limitante de las formas circulares. Y si quiero hacer una pieza con muchos chipotes, por decirlo de una manera, la técnica más adecuada son las cuerdas":
Aparte de sus platones, cacharros y botellones, y otras piezas de corte más abstracto, Hugo ha realizado varios extraordinarios murales cerámicos, como el del Instituto Mexicano de la Tecnología del Agua, en Cuernavaca, y el monumental Tierra Adentro, de 54 metros cuadrados, que originalmente estuvo en una biblioteca pública y que, a raíz de los terremotos de 1985, fue trasladado a la plazuela ubicada en Paseo de la Reforma y Mina, contigua al edificio de la Procuraduría General de la República.
"Tenemos una máquina perfecta para amasar el barro, mejor que si se hace a mano. Y hay otra que hace las losetas. Las tendemos en grandes mesas y a partir de ese momento todo lo que le sucede al mural pasa por mis manos: los tallados y el vidriado, todo. Y no me separo ni siquiera al momento de estibar el horno y que quemarlo."

El horno es nuestro control de calidad
Aunque es reacio a hablar de si mismo y de sus motivaciones íntimas, Velásquez admite que sus obras le nacen por familias o tribus. "Una pieza llama a la otra. Es como la veta de un minero, que la sigue y la sigue hasta que se agota. Encuentro un tema, hago una pieza, y es cuando me pregunto cómo funcionará tal o cual modo. Entonces hago una segunda forma tal como la pensé. Y sigo buscando hasta que se acaba. Pueden salir diez piezas, pueden salir 20; nunca se sabe":
La cerámica, a diferencia de otras manifestaciones artísticas, tiene la dificultad de que el resultado final no es inmediato, que entre la realización y la conclusión hay a veces angustiosa espera. "Trabajo en una pieza y cuando termino me digo cómo la voy a vidriar. No tiene que ver con mi estado de ánimo sino con la pieza misma. Quizá la pieza tenga que ver con eso, pero de todos modos, entre que se hace, se seca y se puede vidriar, ya pasó tanto tiempo que la vinculación con mi mundo interno se diluye casi por completo.
"Esto tiene una enorme repercusión interior, porque reconozco que estoy algo cansado de trabajar así. Me da una gran envidia la pintura, en la que uno expresa sus estados de ánimo en forma inmediata, con los colores verdaderos, y no con unos vidriados grisáceos que se volverán colores al cabo de las quemas, varias semanas después de haber modelado la pieza. Siento muy fuerte el hecho de tener que vidriar mucho tiempo después, cuando mis estados de ánimo pudieron haber cambiado. Es algo que me pasa mucho, que no me gusta, porque mis emociones no encuentran camino franco."

Este artículo se publicó en el número 3 de la revista Linaje, editada por Cerámica Santa Julia, en México, invierno 1991-1992; el original incluyó un retrato y fotografías de obras tomadas por Ana Lourdes Herrera; estamos tratando de conseguirlas para mostrárselas.

En septiembre de 1998, en el centro cultural Ex-Teresa de la ciudad de México, Velásquez presentó una instalación llamada El otoño en el jardín. Aquí pueden leer una reseña .
Con motivo de ese evento se publicó en el diario Reforma (4 de septiembre) una reseña y comentarios sobre la obra del ceramista, por Dora Luz Haw; veremos si conseguimos el permiso para reproducirla aquí.
Desde hace mucho tiempo, Hugo Velásquez, su esposa Aurora y su hija dan clases y talleres de cerámica en Cuernavaca. Busca la información en la sección de instituciones.

Cerámica Talavera de Puebla, de los Angeles

2008-09-17T08:16:00.001-07:00

La talavera de Puebla y sus secretos
Una reflexión sobre la historia de la cerámica Talavera de Puebla, sus remotos orígenes en España y el Oriente, y el inmenso señorío que estableció en México, donde fue la reina de las cocinas y los hogares, las iglesias, las farmacias, y ahora de los museos.

por Alberto Ruy Sánchez

Uno de los muchos secretos que los mexicanos tenemos con la cultura árabe, o más precisamente con la cultura arábigo andaluza, es visible en la alfarería que conocemos como Talavera de Puebla. En esas vasijas de loza vidriada se esconde concentrada la historia de los ocho siglos que los árabes vivieron en dos terceras partes de lo que ahora es España y Portugal. Porque fue en un lugar que ahora conocemos como Talavera de la Reina, cerca de Toledo, donde los alfareros árabes se establecieron e implantaron las técnicas y las formas que a través de los siglos hemos heredado. Cuando compramos en Puebla una vasija de Talavera, estamos dando nueva vida a los gestos milenarios de los hombres que inventaron esas formas y texturas que ahora podemos disfrutar.
De manera paralela, la alfarería que ahora se hace en un país árabe, también heredero de lo arábigoandaluz, Marruecos, es muy parecida a la que se hace en Puebla. Tal vez más parecida a la mexicana que la alfarería que se sigue haciendo en España, en Talavera de la Reina, porque ahí la artesanía tuvo a lo largo de los siglos una evolución renacentista que no se dio en Marruecos ni en México.
Lo cierto es que la Talavera de Puebla es una muestra de la pluralidad de razas y culturas que confluyen en México ya que, en cada vasija blanca y azul hecha en los alfares de Puebla, lo árabe, lo español, lo mexicano aparecen sutilmente hechos técnica y dibujo de la materia, herencias mudas que nos hablan por la vista y el tacto.
El origen oriental de la Talavera va más allá de los países árabes y se remonta a la China. Aunque también en el Medio Oriente, desde el siglo IX , se hacía una alfarería que pudiera ser antecedente de la Talavera. Sin embargo, tal como la conocemos ahora, en formas y técnicas, la Talavera se remonta al siglo XVI. Es impresionante todo lo ajeno que hay en lo más nuestro, todo lo que nos viene de muy lejos.
En sí misma, la palabra Talavera es un término lleno de misterio, como misterioso es que los hombres se empeñen en obtener de la tierra objetos vidriados y pintados que, al chocar entre sí, suenan a campana ronca y que llaman nuestra atención por su belleza. Hacer bellos los objetos útiles revela una extraña tenacidad de algunos hombres, una obsesión que es uno más de los secretos que albergan estos objetos artesanales.
La loza que conocemos como Talavera de Puebla es sin duda uno de los temas mayores de las artes tradicionales de nuestro país. Por su parte, Herbert Read, el conocido historiador del arte, nos propone la idea de que la creatividad de un pueblo, su fineza y sensibilidad, se pueden apreciar a través de su alfarería. Según lo cual, la Talavera sería un índice confiable para juzgar la sensibilidad creativa de los artesanos mexicanos en diferentes épocas. Según Read, "la alfarería es al mismo tiempo la más simple y la más complicada de todas las artes. Es la más simple porque es la más elemental. Es la más complicada porque es la más abstracta. Históricamente, es de las primeras artes. (...) Un jarrón griego es armonía estática, pero el jarrón chino, una vez liberado de todas las influencias impuestas por otras culturas y otras técnicas, adquiere armonía dinámica. No sólo es una relación sino movimiento vivo. No cristal sino flor." Las piezas de Talavera de Puebla son las flores centenarias de nuestra cultura.
La alfarería de Talavera es un arte ligado históricamente a ciertos espacios: la cocina, la iglesia y el convento, la fachada de la casa y su interior. Más el espacio del taller, donde los rituales centenarios de las manos del artesano buscando repetir y al mismo tiempo crear las formas, se llevan a cabo cotidianamente.
Este arte que es espacial como la escultura, tiene además un espacio interno: el de la imaginería representada sobre sus superficies. Estos espacios forman un mundo donde la realidad y la fantasía se comunican, donde las manos que hacen y compran y venden se combinan con las manos que pintan las formas de sus sueños sobre una jarra o que se enamoran posesivamente de una vasija. Ese es el mundo de la Talavera, otro mundo en nuestro mundo.
La cocina poblana es uno de los ambientes naturales de la Talavera: azulejos en los muros y hasta en los techos y recipientes de alimentos a punto de ir a la mesa se unen formando una "arquitectura culinaria" donde el espacio interior de la cocina es como un gran reflejo de los platillos típicos de Puebla, ricos en sabor, originalidad y colorido. La cocina de azulejos y la vajilla de loza blanca vidriada son como cámaras de ecos donde los platillos reciben también el condimento visual de la Talavera. Así, al placer de la comida, la Talavera añade un placer que entra por los ojos y que, como el de los alimentos, es un placer compartido.
En un tipo muy diferente de cocina, en las farmacias de otras épocas, abundaban los recipientes de Talavera por ser prácticos y muchas veces hermosos. Su interior era impermeable y en su exterior se mandaba escribir, desde antes de entrar al horno, el nombre de las hierbas o sustancias que albergaría. Lo mismo que el emblema de la orden religiosa que encargaba la pieza, si ésta estaba destinada a la farmacia de algún convento.
La iglesia y el convento son otros espacios naturales de la Talavera. En ellos abundaban los objetos que, como los lebrillos, se utilizaban en los rituales más importantes, como el bautizo, o en los más banales, como lavarse día a día los pies o las manos. En la Talavera de las iglesias y conventos convergen los gestos sagrados y profanos de una comunidad. En la vida de los conventos, la loza vidriada era una especie de centro brillante, pero modesto, de la vida en común. Por otra parte, en sus fachadas, las iglesias se cubrían de Talavera tratando de dar a su exterior un equivalente del oro que recubría sus altares. En las fachadas, la Talavera es esplendor.
En la ciudad, las residencias se vestían de Talavera como sus dueños se vestían de gala. Y mostraban el bienestar de la casa, y el recato o excentricidad de sus dueños. Pero si bien la Talavera por fuera era como el ropaje de los de la casa, por dentro era, y es, una especie de manifestación del alma de los coleccionistas: una vasija junto a un cuadro, un lebrillo al pie del retrato de un antepasado, jarrones entre los libros y jarras llenas siempre de ciertas flores develan asociaciones secretas, manías, vínculos obsesivos con ciertos objetos y con ciertas formas. Una red de significados que muchas veces tan sólo una persona y su familia pueden descifrar con certeza.
Un último espacio de la Talavera, y más reciente, es el de los museos donde estas flores de barro cristalizado se ofrecen a nuestra contemplación alejadas de sus usos. En México, dos museos tienen las mejores colecciones: el Museo Bello, de la ciudad de Puebla, y el Museo Franz Mayer, de la ciudad de México. Ambos son el producto de dos hombres que tuvieron una gran debilidad por la Talavera, una manía de poseerla, casi podría decirse un enamoramiento tenaz. Porque la Talavera tiene también entre sus secretos el de despertar pasiones.

Sobre el autor
Alberto Ruy Sánchez Lacy nació en la ciudad de México en 1951 y es licenciado en comunicación por la Universidad Iberoamericana. Vivió ocho años en París, donde terminó un doctorado e hizo trabajos editoriales. Narrador y ensayista, es autor de Los demonios de la lengua (1987), Los nombres del aire (1987), Al filo de las hojas (1988), Una introducción a Octavio Paz (1990), Cuentos de Mogador (1994), Con la literatura en el cuerpo (1995) y En los labios del agua (1996). También escribió Mitología de un cine en crisis. Ha sido reconocido con los premios Xavier Villaurrutia y José Fuentes Mares, y con la Beca de la Fundación Guggenheim de Nueva York. Desde 1988 es director de la revista Artes de México.
"La Talavera de Puebla y sus secretos" se publicó originalmente en la revista Linaje, en la ciudad de México, y se reproduce aquí gracias a la generosa autorización de su autor. Derechos reservados. Prohibida su reproducción sin autorización por escrito.

Industria cerámica de México

2008-09-17T08:14:00.001-07:00

La industria de la cerámica resiste el impacto

Las vajillas, sanitarios para baño y recubrimientos para pisos y muros pertenecen a la industria cerámica, pero sus rumbos marchan separados. Mientras las vajillas nacionales sucumben ante los productos importados, los otros dos subsectores repuntan por el boom en la construcción
Por Andrea Vega Valerio

De los tabiques a los floreros y de los pisos a los lavabos, los productos de cerámica siguen dándole guerra al plástico y al comercio desleal
La industria mexicana decidió complementar su oferta con productos chinos

México tiene una gran tradición en la cerámica popular, pero a nivel industrial no ha logrado un buen desarrollo. Ninguna de las variadas líneas de negocio que componen este sector puede presumir de gran bonanza. Ni siquiera las tres más grandes: recubrimientos y azulejos para pisos y muros, muebles de baño y vajillas de mesa. Estas últimas sufren las consecuencias del feroz embate del plástico y de los productos chinos.
Los industriales orientales no son los únicos que quieren comer de la mesas mexicanas. En el mercado ya se comercializan vajillas importadas de Colombia, Ecuador, Inglaterra, Alemania e Italia. Pero el competidor más agresivo es China: de 1997 a 2003 sus exportaciones a México se han incrementado 32.4%.

Esto se explica, en parte, por su capacidad productiva de más de 800 millones de piezas al año. Incluso una sola de sus plantas podrá producir muy pronto 400 millones, contra los 53.2 millones que se producen en México, en cuyo mercado se comercializan 95 millones de piezas anuales, de las cuales 42 millones son de importación (52% viene de China) y el resto de fabricación nacional. De manera que a China le bastaría destinar 11% de su producción para cubrir sin problemas el mercado mexicano.Además, China tiene los costos de producción más bajos del mundo, lo que le permite ofrecer vajillas a partir de 170 pesos, una cifra contra la cual nada pueden hacer los fabricantes nacionales, cuyos precios más bajos oscilan entre 199 y 250 pesos. Esto vale tanto para una vajilla de barro rojo como para una hecha en forma industrial. Por si fuera poco, en lugar de cerrar filas, los dos más grandes productores nacionales, Santa Anita –que contribuye con 66% de la producción– y Ánfora –con 20%, incluyendo la vajilla azul de Sanborns–, han decidido jugar estrategias distintas y, aunque lo nieguen, se encuentran hoy en plena confrontación.

La apuesta final

En un intento por frenar la competencia desleal de las vajillas chinas, Santa Anita solicitó en 1997 la aplicación de cuotas compensatorias para esos productos y argumentó que estaban perjudicando la industria nacional. La Secretaría de Economía (SE) le dio la razón y decidió imponer cuotas compensatorias de 95.06% para vajillas y piezas sueltas de cerámica, y de 99.81% para las de porcelana. Al vencer la vigencia de estas cuotas en 2002, la empresa solicitó a la SE no eliminarlas porque, aun con su aplicación, la participación de las empresas mexicanas en el mercado nacional había caído a 56%. Aseguró, además, que sin los aranceles no podría competir con los productos chinos, se vería obligada a cerrar sus instalaciones y el mercado mexicano quedaría en poder de las importaciones.
Sorprendentemente, y a pesar de que la SE consideró que había indicios suficientes para seguir protegiendo esta industria, Santa Anita se desistió de su demanda y solicitó la eliminación de los aranceles. ¿Por qué el cambio? Porque, según versiones de fuentes que pidieron no ser identificadas, esto ya no conviene a sus nuevos intereses.

Y es que, al no poder competir con los productos orientales, en parte porque los chinos encontraron la forma de evadir aranceles al ingresar a México vajillas fabricadas en su país pero facturadas en otras naciones, la empresa mexicana decidió importar productos hechos en China, a los que sólo les coloca su marca. En estas condiciones ya no le era conveniente la aplicación de las cuotas compensatorias.
“La idea es complementar nuestra producción con líneas fabricadas en China, como las que están pintadas a mano o las de colores sólidos, que requieren de un equipo especializado que eleva los costos y hace ineficiente la planta”, afirma Marcelo Rodríguez Segovia, director general de la división Negocio Hogar del Grupo Industrial Saltillo (GIS), que agrupa varias empresas, entre ellas Cerámica Santa Anita.
Hasta el momento, afirma el ejecutivo, la importación representa 7% del volumen que comercializa la firma y que podría aumentar hasta 30%. “Aun así, la producción en nuestra fábrica no va a disminuir, porque los productos procedentes de China se traerían para competir en otros segmentos del negocio de vajillas,” asegura. Ánfora, ubicada desde hace un siglo en la ciudad de México, no comparte esta estrategia, y cuando tuvo conocimiento del desistimiento por parte de Santa Anita, interpuso un juicio de amparo contra la SE para evitar la eliminación de las cuotas.
“Nosotros creemos que en esto no existen medias tintas –argumenta Alejandro Muñoz, gerente comercial de Ánfora–. Si una empresa nacional empieza a importar, terminará importando la totalidad de lo que comercializa, cerrará su planta y se convertirá sólo en una marca. Nosotros creemos mucho en el valor de nuestra fábrica como para permitir eso.”
El directivo agrega: “Hemos decidido apostarle al fortalecimiento de nuestra fábrica, a la que en los últimos años se le han invertido alrededor de 5 millones de pesos. Nos vamos a salir de canales de distribución, como las tiendas de autoservicio, donde exigen precios muy bajos, y vamos a quedarnos con los clientes que prefieren calidad, como hoteles, restaurantes y tiendas departamentales”.
Muñoz reconoce que al salirse de algunos canales, la empresa se ha vuelto más pequeña y que si bien ahora quedan 650 de los 1,000 trabajadores que había hace unos años, “preferimos eso a cerrarla por completo y convertirnos sólo en una marca”.
Para reducir el impacto que representa abandonar los autoservicios y poder estar más cerca del cliente final, Ánfora decidió abrir sus propias tiendas. En la actualidad tiene cinco establecimientos donde comercializa sólo su marca, y planea abrir siete más en diferentes ciudades de la República.

Otro punto fundamental para Ánfora es enfocarse a la exportación. “Aquí el precio no es una variable que defina las compras –asegura Muñoz–, porque lo que más se exige es calidad. Estados Unidos es un mercado muy importante para las vajillas y si se les ofreces un buen producto, los clientes prefieren importar de México que irse a China una semana y esperar cuatro a que les llegue el pedido.”
La empresa repunta ya en exportación. Hace cuatro años vendía al exterior entre 1 y 2% de su producción, pero ahora alcanza 20%, cifra que pretende duplicar dentro de dos años y llevarla a 60% en cinco. Los mercados blanco para este repunte son Estados Unidos y Canadá, aunque también exporta a Alemania y Sudamérica. De momento no se sabe en qué parará el duelo entre Santa Anita y Ánfora. La SE no ha decidido aún si suprime o mantiene las cuotas, y sólo el tiempo dirá quién apostó por la mejor estrategia.

Baños relucientes

El sector de los muebles de baño (tazas, lavabos y accesorios) no ha sufrido el embate de la importación y casi todo es consumo interno: entre 8 y 9 millones de piezas al año que se cubren con producto fabricado en el país. La producción, que ronda los 20 millones de piezas anuales, alcanza además para que México sea un importante proveedor de Estados Unidos: 50% de la manufactura se envía a aquel país y a Canadá, gracias a la apertura del TLCAN.
“Los fabricantes mexicanos tenemos una buena porción de mercado en los tres países –explica Federico Toussaint, director general de Lamosa–, porque fabricamos sanitarios de alta calidad. Incluso firmas estadounidenses han abierto plantas aquí para exportar a su país, porque la manufactura de muebles para baño demanda mayor mano de obra y habilidad que la requerida en otras líneas de producción. México tiene una buena disponibilidad de obreros calificados.”
En este mercado compiten al menos 20 productores, entre ellos Lamosa, Vitromex, Orion, y dos estadounidenses, American Standard y Collers. Hay empresas medianas, como Porcelamex, Procemex y Ánfora, y otras 10 más pequeñas.
La competencia, por supuesto, es dura. Nichos como el de los sanitarios muy baratos o el de los de gran diseño están saturados. En este momento las mejores oportunidades se abren en las líneas de productos que ahorran agua.

“Este mercado ha crecido mucho en comunidades rurales como Oaxaca –dice Muñoz, de Ánfora–, donde se está comercializando la taza ecológica, que no utiliza agua, de manera que se está introduciendo en zonas donde hay escasez de este líquido o no hay desagües.”
Además de la fuerte competencia interna, los productores de sanitarios enfrentan otro problema: los vaivenes de la demanda, directamente ligada al desempeño del sector de la construcción. Según Muñoz, el mercado nacional es muy maduro y cíclico. “Cuando la construcción de viviendas se detiene –agrega–, los fabricantes de sanitarios tienen que rematar todos sus productos para no quedarse con grandes inventarios; cuando se reactiva, como en los últimos dos años, vuelve a repuntar.”
El mismo esquema se reproduce en relación con la evolución de la construcción en Estados Unidos, según describe Rodolfo Fernández, director general de Vitromex. “Puesto que casi la mitad de lo que se fabrica en México se envía al mercado estadounidense, cuando éste se cae, como sucedió en 2002, se crea un excedente de oferta en México y sobrevienen las guerras de precios.” Pese a todo, dice el directivo de Lamosa, este mercado tiene un potencial importante, gracias al impulso que se le está dando a la construcción de vivienda de interés social, media y residencial.

Pisos y paredes

La industria de los pisos ya que vuela. Este sector tiene buenas posibilidades de crecimiento, incluso mejores que el de los sanitarios, porque no depende tanto de la vivienda nueva. Según Toussaint, de Lamosa, 60% del consumo de losetas y azulejos se hace para decorar una casa ya comprada o para remodelación.
De momento no se puede precisar cuánto crecerá este nicho al final de 2004. Actualmente, el promedio anual de ventas ronda los 150 millones de metros cuadrados. La producción nacional ascendió, en 2003, a 180 millones de metros cuadrados, de los que 40 millones fueron para la exportación, principalmente a Estados Unidos. Fernández estima que ese país consume 95% de todas las exportaciones en este negocio.

En cuanto a importaciones, éstas rondan los 14 millones de metros cuadrados, es decir, 9.5%. “Y aunque –según el directivo de Vitromex– de 2002 a 2003 crecieron 10%, se espera que en 2004 disminuyan, puesto que los principales exportadores a México son países europeos, sobre todo España e Italia, que por la sobrevaluación de su moneda están perdiendo competitividad.
El retroceso de los europeos empieza ya a reflejarse en los números: en 2004 las importaciones disminuyeron entre 8 y 6% respecto al año anterior. “Sin embargo no hay que descuidar este flanco –recomienda Federico Toussaint–, porque aun cuando lo importado corresponde a productos de lujo, como los de gran formato que escasamente se producen en el país, también llegan artículos muy baratos a precios dumping”.
Un factor que pone nerviosos a los fabricantes de pisos y azulejos son los costos de los energéticos. “En México tenemos el gas natural más caro del mundo. De dos dólares por BTU que pagábamos hace cuatro años, ahora estamos pagando 4.50 dólares, lo que eleva los costos”, se queja Toussaint. Hay que tener en cuenta que los hornos industriales donde se queman y esmaltan las cerámicas por encima de los 1,000°C consumen grandes volúmenes de gas.
Otro foco rojo es que cerca de 40% de la materia prima para preparar esmaltes es de importación, la mayoría de Europa y Estados Unidos, por lo que los productores nacionales se ven obligados a pagarla en euros o dólares.

Para frenar este impacto negativo, los productores de cerámica están invirtiendo en nuevas plantas, más automatizadas, que utilizan incluso la mitad del personal y que tienen más calidad y menores mermas (piezas defectuosas o “segundas”). Jesús Barney, director general de franquicias subsidiarias de Interceramic, afirma que los precios de algunos productos han bajado entre 10 y 15% en los últimos años.

Guerra sin cuartel

En el escenario de los recubrimientos cerámicos existen varios competidores, como Porcelanite, con 30% del mercado; Vitromex, con 25%, e Interceramic, con alrededor de 20%. Todos ellos han debido esforzarse por mejorar sus costos y aumentar las eficiencias. “Antes uno entraba a verdaderas bodegas, como tiendas de materiales de construcción, donde había cajas por todos lados –recuerda Barney–; ahora la tendencia es instalar tiendas como boutiques, donde todo está limpio, ordenado y bien presentado.” Interceramic ha explotado muy bien esta estrategia. A través de sus tiendas (y la figura de la actriz Christian Bach) ha logrado darle renombre a su marca y posicionarla mejor en el mercado.

“Tenemos tiendas Interceramic en cada ciudad de más de 1,000 habitantes –señala Barney–. También hemos abierto algunas en Estados Unidos. Así logramos estandarizar precios, descuentos y servicio, y sin recurrir a distribuidores. De los 200 establecimientos que hay en todo el país, unos 150 son propiedad de inversionistas independientes o franquicias.” La experiencia de Interceramic, parecida a la de Recubre y otras marcas, demuestra que los productores de cerámica están dispuestos a buscar diferentes caminos por defender esta industria, que hoy más que nunca debe probar su resistencia al impacto.

Este artículo fue publicado en la revista Alto Nivel de la ciudad de México, en el segundo semestre de 2004. Todos los derechos reservados Impresiones Aéreas S.A. de C.V. Prohibida la reproducción.

Los ceramistas quieren vivir de la cerámica

2008-09-17T08:13:00.001-07:00

Los ceramistas quieren vivir de la cerámica

(no para la cerámica)

Dino Rozenberg

Revisamos un viejo y polémico asunto: que muy pocos ceramistas pueden vivir de su trabajo, y que muchos otros tienen que contentarse con dar clases y mantener sus talleres con ayuda y otros trabajos.

Es un tema antiguo, complejo y difícil de entender. Tere y yo fuimos el fin de semana a una reunión de ceramistas mexicanos en Puebla, y después de platicar con varios de ellos regresamos al análisis de una situación que no acabamos de resolver. Muchos ceramistas mexicanos, y esto seguramente se repite en otros países, quisieran ganarse la vida haciendo cerámica y dando clases, ser reconocidos, tener cierta seguridad económica, contar con un buen equipo, poder viajar y aprender otras cosas. La mayoría no alcanza nada de esto, y si acaso pueden colocar de vez en cuando algunas piezas, o dar clases a gente joven o señoras con algún interés, esto no resulta demasiado satisfactorio.

Hay que decir que, al hablar de ceramistas, tenemos a mucha gente involucrada. Están quienes tienen una pequeña fábrica o taller montado, con algunos empleados, y que producen líneas más o menos comerciales. Es el caso de los fabricantes de Talavera de Puebla, Ken Edwards en Guadalajara, o Gorki González en Guanajuato, por ejemplo. Están los artistas más o menos reconocidos, o que tienen cierta trayectoria profesional, y que representan una pequeña minoría. Están las mujeres que le hacen su lucha, con mucho esfuerzo, por lo general sin demasiado éxito, y que se preguntan cómo hacer para pasar al nivel superior, sea el del taller, sea el del artista reconocido. En algunos casos están solas, en otros tienen el apoyo familiar o de sus parejas, algunas tienen contactos sociales y comerciales para abrirse camino (otras no tienen nada de esto). Cuando pienso en esta categoría de mujeres no estoy haciendo una discriminación; muchos de los lectores sabrán a qué me refiero. Y luego están los jóvenes, hombres y mujeres ahora, que salen de las escuelas y que quieren volverse profesionales de la cerámica. Finalmente están los ceramistas que tienen talleres de artesanía popular muy demandada por los coleccionistas, y que en realidad no entran en esta discusión. Hablo aquí de los “maestros” que hacen grandes árboles de la vida en Metepec, o en Guadalajara, Tonalá, Michoacán o Mata Ortiz, que cobran 5,000 pesos o mucho más por sus piezas.

Para ponerlo más sencillo: si uno va al Bazar del Sábado o a algunas tiendas de decoración verá la producción de estos talleres que podríamos llamar comerciales o semi-industriales, que tienen varias líneas de productos, una calidad uniforme, hacen pedidos, llenan un hueco en el mercado. De los individuos o artistas reconocidos que viven de la cerámica, hablemos de Gustavo Pérez, de todo el grupo de los Díaz de Cossío, de los Velásquez de Cuernavaca, de un puñado de hombres y mujeres “ceramistas-escultores”, que la mayoría conocemos y que, desde la mera observación externa, imaginamos que tienen ingresos y ventas razonables para vivir de lo que hacen.

Los otros dos grupos, el de las mujeres y el de los jóvenes, son los que nos llaman la atención porque por mucho que batallen, no alcanzan resultados.

Muchas preguntas, pocas respuestas

Hay que decir ahora que no tenemos respuesta a estos interrogantes, pero podemos bordar un poco alrededor. Por ejemplo, está claro que, por lo menos en México, existe el inmenso universo de los artesanos populares que trabajan mucho, ganan poco y hacen grandes volúmenes de piezas que se venden a precios bajos. Muchas veces hemos dicho que esta competencia le pone límites al trabajo de estudio o artístico debido a la diferencia de precios. Si una pieza “popular” se ofrece en 50 o 100 pesos, es poco probable que alguien pague 800 por una de estudio. Pero este argumento no lo explica todo.

Tere y yo creemos que los ceramistas independientes no han podido o sabido comunicarse con el mercado, con los compradores (tiendas, hoteles, galerías, coleccionistas). Unos quieren hacer lo que más les gusta, aunque nadie se interese por sus trabajos, y otros estarían dispuestos a hacer lo que sus clientes les pidieran, como lámparas para cadenas hoteleras, piezas decorativas para boutiques, cosas más o menos decorativas para empresas o regalos corporativos.

Lo que nos parece muy llamativo es que no hemos visto algo así como estudios de mercado o propuestas originales, llamativas, que hablen de un estilo propio o personal que permita definir una obra “ceramística”. Muchos de nuestros amigos y conocidos trabajan de manera muy solitaria, no van a las tiendas a ver qué hay, no hacen propuestas o prototipos, no invierten en su capacitación, no se dan a conocer, no se mueven ni se hacen visibles de ninguna manera. El otro día hablaba yo de Marta Chapa y sus famosos cuadros con manzanas. Aparte de que nos gusten o no, lo que ella hace es muy claro y definido, lo hace bien y lo hace pensando en un mercado. Por eso tuvo el éxito que tuvo. Creo que no hemos visto propuestas así de parte de los ceramistas.

Hay que llamar a la suerte

Creemos que muchos ceramistas se han quedado esperando que la suerte les sonría, que alguien los descubra, que una empresa o un hotel les hagan el pedido salvador, pero no han hecho grandes movimientos para ponerse al frente y llamar la atención. Uno podría imaginar vajillas, platones o marcos para espejos, pero también juegos de ajedrez, muñecas, lámparas, algunas figuras picantes o cachondas, algunas interpretaciones de la vida cotidiana, de la ciudad, de los temas mexicanos.

Creo que los ceramistas nos hemos vuelto muy solemnes, serios y técnicos, y nos hemos olvidado de la creatividad, la originalidad y el humor. ¿No les gustaría una muñecota gorda y sensual al estilo de Botero? ¿Una matriushka indígena o unos luchadores de lucha libre? Mi hijo Pablo tiene en el taller un Capitán América de 25 centímetros de altura (tomado de los comics), que varios adultos le han querido comprar, nomás por la novedad.

Aunque es posible que algunos ortodoxos quieran luego comerme vivo, creo que la cerámica de estudio, lo mismo de baja que de alta, resulta demasiado seria y aburrida para el gusto de los compradores. Y si no vamos a hacer cosas vistosas y coloridas como la Talavera, entonces hay que ponerle más coco. Muchas de nuestras amigas ceramistas (no creo que Tere esté de acuerdo, pero ahí voy), se toman esto demasiado en serio y se prohíben la delicia del humor y el absurdo. Creo que muy pocos ceramistas mexicanos de estudio compran o leen el Ceramics Monthly o alguna otra revista de cerámica contemporánea, y harían bien en empezar, porque es una buena inversión. También son pocos los que se han ocupado de tener una página propia o al menos una presencia en internet, donde se juegan muchas influencias y relaciones. Lo vemos nosotros a través de las consultas que nos hacen en este Foro, y la escasa comunicación que buscan los ceramistas con sus colegas. Navegar por internet, mandar correos, dejar datos en los sitios adecuados, es ya una obligación. Nos consta porque recibimos mucha correspondencia preguntando por personas, por técnicas, por proveedores, por consejos para hacer esto o aquello. Hace unos meses fuimos a la feria MACO, donde se presentan decenas de galerías de México y el extranjero, y no vimos a ningún ceramista. Y ese es un lugar ideal para mostrar la producción.

Los ceramistas, muy serios y solitarios

Pensamos que nuestros colegas ceramistas son demasiado serios y están demasiado solos y aislados; incluso se ha hablado mucho de los “celos” y la negativa de algunos para hablar de sus técnicas o sus “secretos”. Nada impide que un ceramista invite a sus colegas a su casa o a su taller, a mostrarles sus cosas, a platicar y a conocerse.

Creo que a los ceramistas les gana la rigidez y, posiblemente, una interpretación demasiado oriental de la cerámica. A todos nos fascina la cerámica china, japonesa y coreana, el stoneware, las piezas ásperas y un poco imperfectas, o bien los celadones y los rojos sangre de buey. Pero no se olviden que en Europa se han comprado durante décadas y hasta siglos los azules de Delft, las cosas de Meissen, los Lladrós, los dorados de Manises, incluso las coloridas losas de China, llenas de misterio y coloridos. La vajilla de Sanborns, por ejemplo, utiliza todavía el motivo del sauce, con las casitas chinescas y los pescadores al borde del lago.

Como dije no tengo una explicación definitiva para este fenómeno de los ceramistas de estudio, pero imagino que hay una combinación de muchos factores. No sé si el futuro está en los jarrones o los platones, en los colores serios o en los alegres, en las piezas utilitarias o decorativas. Lo que sé es que hace mucho que no platicamos con ceramistas que estén alegres, que se diviertan con lo que hacen, que nos sorprendan con sus propuestas. Y tampoco vemos que se preocupen por entender el mercado, las tiendas, las galerías, los compradores potenciales. Esto se llama mercadotecnia, y lo hacen no sólo las refresqueras y las empresas de galletas, sino los pintores, los novelistas y los cineastas. Si uno no atiende estas cosas, si no aprende a medir los costos y fijar los precios, si no busca novedades, ideas y oportunidades, no llegaremos muy lejos.

Espero que estas ideas nuestras, tan deshilvanadas, les den para pensar un rato, para enojarse y para tomar una posición. Nos encantará conocer esas opiniones y prometemos abrir el Foro a esta discusión. Para eso lo creamos, hace ya diez años.

(publicado en julio de 2006)

Glosario de términos y conceptos cerámicos

2008-09-17T08:11:00.000-07:00

Glosario de términos cerámicos

Este glosario incluye los términos cerámicos más comunes, y en su elaboración he tratado de resumir los conceptos a un nivel accesible para principiantes y lectores sin un conocimiento profundo del tema. La terminología que se usa en este oficio cambia mucho en diferentes países y regiones, e incluso entre diferentes grupos de artesanos y artistas, y en este caso hemos usado las más frecuentes en México. También hay confusiones en las traducciones de los manuales originalmente escritos en inglés. Finalmente, como no se trata de una ciencia exacta, es posible que algunos autores llamen con el mismo nombre a dos cosas diferentes o a la inversa. Todas las temperaturas están expresadas en grados celsius (ºC). Si quieres aclarar dudas o hacer alguna contribución para mejorar este documento, no dudes en escribir.

Imágenes de un taller de cerámica: en esta página hemos reunido algunas fotografías que muestran aspectos de un taller de cerámica, como los moldes, esmaltes, sancochos y conos pirométricos

Teresa Arduino

Agua. El concepto del agua es muy importante en cerámica. Se puede oír hablar de agua física o de agua química, y también de agua de formación o de combinación. Las primeras denominaciones, física o de formación, corresponden al agua o la humedad que agregamos físicamente a la pasta, y que se evaporará o será eliminada mediante el secado. El agua química o de combinación es la que está químicamente combinada con la arcilla (no olvidemos que ésta es un silicato de alúmina hidratado: Al2O3 - 2SiO2 -2H2O ), y que se descompone y desprende de las piezas a partir de los 450º C del ciclo de horneado.

Alfarería: Nosotros diríamos que es un sinónimo de cerámica, y proviene del término árabe alfahar, que parece significar el taller donde se confeccionan piezas cerámicas. Algunos autores se refieren a ella como la artesanía de la cerámica, lo que se podría aceptar como contrapartida de la cerámica industrial, que produce
piezas necesarias en la industria de la construcción, como sanitarios, tabiques, instalaciones eléctricas y otras. En ciertos medios parece reservarse la palabra alfarero para identificar a quienes hacen cacharros, vajillas o artes populares, y ceramista para referirse a quienes tienen un enfoque más profesional, científico o artístico.

Alúmina: Es el óxido de aluminio: Al2 O3. Junto con la sílice es el ingrediente más importante en la constitución de las arcillas y los barnices, impartiéndoles resistencia y aumentando su temperatura de maduración.

Amasado, amasar: Proceso ejecutado con las manos y los dedos para homogeneizar el barro con el agua, darle la consistencia deseada y eliminar burbujas de aire.

Arcilla: Según Bernard Leach en su Manual del Ceramista: "Ciertas tierras y rocas pulverizadas forman, cuando se combinan con el agua, una pasta suficientemente homogénea con la que se modelan formas llamadas piezas verdes, las cuales al endurecerse por la acción del fuego, se convierten en el producto llamado cerámica". Y a continuación dice: "La arcilla es el resultado de la descomposición de los feldespatos.", lo que concuerda con otras definiciones, como que es la descomposición de rocas graníticas en combinación con otras impurezas, y cuyas partículas deberán ser muy finas, lo que le conferirá esa característica de plasticidad necesaria para el modelado de las formas cuando se le ha agregado el agua necesaria. La fórmula química de la arcilla pura es Al2O3 -2SiO2 -2H2O.
Existen muchas formas de clasificar la arcilla: según su origen, en primarias o secundarias; según su plasticidad, en grasas o magras; también podemos oír sobre arcillas refractarias, arcillas de cerámica compacta, arcillas de bola, u otras. Más adelante abundaremos sobre ello.
En lo particular usamos este término como sinónimo de barro o pasta.

Atmósfera: Cuando utilizamos esta palabra en cerámica nos referimos exactamente al tipo de atmósfera o ambiente existente dentro del horno en el momento de la quema. La atmósfera es oxidante cuando es rica o abundante en oxígeno, y reductora cuando el oxígeno es escaso y por lo tanto la combustión incompleta y humeante.
La diferencia en los resultados de estos dos tipos de quema se da por lo general en el color de las piezas obtenidas, tanto si son sancochos como si se queman esmaltes.

Bajo barniz: Decoración de color que se aplica a la pieza ya bizcochada y que luego será cubierta con un barniz transparente. También se conoce como bajo cubierta.

Barbotina: Mezcla líquida, pero espesa, de agua y arcilla, que se usa para pegar partes de una misma pieza trabajadas separadamente.

Barniz: Suspensión líquida de minerales muy finamente molidos, y que se aplica a las piezas cerámicas, por lo general una vez bizcochadas, por medio de pincel, baño de inmersión, o aspersión con algún tipo de pistola, spray o soplete. Estas piezas barnizadas se queman nuevamente en el horno, hasta la temperatura necesaria para obtener la fusión de la mezcla de los ingredientes, el cual se convierte entonces en un recubrimiento vítreo firmemente adherido al cuerpo de arcilla. También se lo denomina esmalte, y ambas expresiones se aplican por igual al acabado vítreo resultado de estas operaciones.
Existen diversas maneras de clasificar los barnices: de alta o baja temperatura, según la temperatura a que deban llegar para alcanzar su punto de madurez; plúmbicos (de plomo), alcalinos o feldespáticos según los fundentes utilizados en su preparación; también podemos distinguirlos según su textura, aspecto visual o táctil, en barnices mates, cristalinos, transparentes, opacos, semimates, satinados, iridiscentes y otros. Ver colorantes.

Barro: Arcilla muy plástica que quema color rojo ladrillo, debido a su contenido de óxido de hierro.

Bizcocho: Pieza de cerámica cocida sin esmalte y a baja temperatura, por lo general como preparación para la aplicación de éste. Equivale a sancocho.

Calcinación: Consiste en quemar un material cerámico o una mezcla, a una temperatura moderada, con el fin de extraer el agua química o el bióxido de carbono.

Caolín: Arcilla pura que se usa en la preparación de pastas y barnices de porcelana.
Después de la quema su color es blanco y su fórmula química como la de la arcilla (verla). También se la conoce como arcilla china y, efectivamente, caolín deriva de la palabra china "kao-lin" que significa montaña de arcilla.

Cerámica: Arte o técnica para producir objetos duros y resistentes, moldeados con la mezcla de arcilla y agua, y luego horneados a una temperatura de 600ºC o más. También llamamos cerámica a estos mismos productos resultantes. Ver alfarería.

Cerámica compacta: También la conocemos como stoneware, o de alta temperatura ya que, ciertamente, se hornea a cono 8 o más. Aunque se la podría llamar hermana de la porcelana, es más gruesa que ésta y su color puede ser gris, rojizo o crema.

Cerámica porosa: Es la cerámica de baja temperatura, y se quema a cono 04 o menos. Como lo dice su nombre y, al contrario de la anterior, es muy absorbente. Puede ser blanca, pero es muy frecuente en el típico color rojo ladrillo.

Colorantes: Óxidos metálicos como los de cobre, hierro, cobalto y otros, que sirven para colorear bases de barniz incoloras. Básicamente podría decirse que son el contenido de color de los barnices o esmaltes, y son muy característicos: el cobalto quema azul, el cobre, verde y hasta rojos. El color resultante se puede cambiar o forzar en forma dramática, según si las piezas se queman en atmósfera oxidante o reductora, o si los esmaltes contienen otros ingredientes con los que interactúan.

Conos pirométricos: Pequeñas pirámides, de unos 5 cm de altura, que sirven para medir la temperatura del horno; están fabricados con tal composición que se doblan y funden al alcanzar determinada temperatura. Los diferentes conos se diferencian con números (04, 05.06) y cada uno representa un rango de temperatura. Una práctica usual es poner dos o tres conos de números consecutivos, para atender a la evolución de la quema; cuando se dobla y cae el más bajo, el ceramista está atento a la caída del siguiente, que es cuando se apagará el horno. El otro extremo sirve para atestiguar que la quema no alcanzó una temperatura excesiva. Durante la quema, los conos se pueden observar a través de la mirilla, que un agujero en la puerta del horno.

Contracción: Durante el secado, y debido a la pérdida de humedad, las piezas de arcilla sin quemar sufren un encogimiento que puede llegar hasta el 20% de su tamaño original. Posteriormente, en la quema, se reducirán todavía algo más. A veces, nos sorprende ese cambio de tamaño.

Cuarzo: Pedernal o sílice. Ver sílice.

Cuero: Estado de las piezas de cerámica crudas que ya han perdido la mayor parte del agua física, y que se reconoce porque ya no obedecen a la presión de los dedos. Su consistencia es rígida, y es el mejor momento para esgrafiar, bruñir o engobar.

Chamote: Arcilla calcinada, triturada o molida, que se agrega a arcillas demasiado plásticas para conferirles resistencia y también para reducir el encogimiento. También se lo conoce como grog. Según la cantidad que se agregue y su tamaño, el chamote aporta a las piezas cierta textura áspera o rugosa, que igualmente se trasmite a los barnices ya quemados.

Engobe: En principio, podríamos decir que es la mezcla de arcilla y agua, en una suspensión espesa, coloreada con óxidos metálicos o pigmentos cerámicos, que se utiliza para la decoración de piezas crudas, en estado de cuero. Por lo general se aplica con pincel o por inmersión. Algunos autores nos dicen que sus características deben estar entre las de la arcilla y el barniz, o que es más vítreo que el cuerpo y menos que el barniz. Es la decoración por excelencia de las cerámicas americanas prehispánicas.

Esgrafiado: Decoración que se lleva a cabo sobre piezas crudas, engobadas y todavía húmedas, raspando sobre el engobe determinados diseños y dejando al descubierto el color de la arcilla del cuerpo de la pieza. También se lo conoce como
sgraffito.

Esmalte: Aunque algunas traducciones de libros de cerámica escritos en inglés, consideran diferentes a los términos barniz y esmalte, creemos que en español se usan como sinónimos.

Estiba: El modo en que se acomodan o apilan las piezas cerámicas dentro del horno, en preparación para una quema. Si se trata de un sancocho, las piezas pueden encimarse unas sobre otras; cuando se queman barnices, cada pieza debe estar claramente separada de las otras para que los esmaltes, al fundirse o derretirse, no se peguen unos con otro y al piso del horno. En la estiba se pueden utilizar placas y pilares de material refractario para facilitar el acomodo de las piezas. La contraria es desestiba, o desestibar, que es cuando se desmonta el horno después de quemar.

Frita: Barniz parcial o completo, fundido en el horno hasta alcanzar la condición de vidrio, enfriado y luego molido. Luego se usa para esmaltar piezas o en la preparación de otros barnices. Con este procedimiento se elimina la toxicidad del plomo y la solubilidad de los fundentes alcalinos.

Fundente: Además de la sílice y la alúmina, los barnices deben contar con el o los fundentes, tercer elemento de punto de fusión más bajo, que reducirá la temperatura de maduración de las dos primeras. Según las temperaturas que se desee alcanzar, estos compuestos varían: el plomo y los álcalis para las más bajas, y el sodio y el potasio de los feldespatos para las altas.

Gres: Término de origen francés, utilizado para designar la cerámica de alta temperatura. También equivalente a stoneware o cerámica compacta.

Horno: Cámara construida con tabiques refractarios y provista de un equipo de calentamiento alimentado por diferentes combustibles (electricidad, gas, leña, etc.), y que al alcanzar hasta muy altas temperaturas, hace posible el horneado o quema de las piezas, para sancocho y también esmaltes. Muchos artesanos tradicionales o campesinos queman sus piezas en hoyos excavados en el suelo, o las cubren con tierra y piedras, y utilizan como combustible leña y otros materiales. Hay infinidad de modelos de hornos, desde los improvisados con tambores o tanques metálicos, cubiertos con ladrillos refractarios, los de rakú, y los grandes hornos continuos o de tunel de la cerámica industrial, donde las piezas entran en pequeños vagones, como trenes, pasan a lo largo de muchos metros por las diferentes temperaturas, y al final del tunel salen quemadas o barnizadas, según de que se trate.

Loza: Palabra bastante usada pero algo indefinida; se refiere, a nuestro entender, a las piezas de cerámica blanca de baja temperatura.

Lustre: Decoración metálica obtenida por la aplicación de una delgada capa de metal sobre el barniz, luego de lo cual se vuelve a hornear la pieza a temperatura más baja.

Madurez: Estado en que la pasta cerámica desarrolla su mayor dureza y densidad.
En cuanto a los barnices, es en este punto que funden completamente, adhiriéndose íntimamente a la pasta y adquiriendo una textura placentera al tacto.

Molde: Elemento generalmente de yeso, que contiene una forma hueca (el negativo de una forma), que será llenada con pasta en forma de suspensión líquida espesa, con lo que se obtendrá la forma positiva. El molde puede ser de una pieza o de varias, según lo complejo de la pieza; éstas se encastran unas con otroas mediante unas pequeñas cuñas que en el lado contrario corresponden a hoyos. En este caso, para evitar que el molde se abra y el barro se escurra, se amarran firmemente con cuerdas o ligas de goma o hule. Se usan mucho las cámaras (cámara) de automóviles cortadas a lo ancho en círculos. También existen los llamados moldes de presión, que casi siempre deben ser de una sola pieza: en lugar de usar barro líquido-espeso, se usan pequeñas tortas o planchas de barro más o menos plástico, apretándolas firmemente contra el molde hasta cubrirlo y obtener la pieza. Cuando se seca ligeramente la pasta, se puede retirar. El molde de presión suele tener forma cóncava, casi siempre, pero también se puede usar uno convexo.

Molino de bolas: Jarra o tubo cilíndrico de porcelana con bolas del mismo material en su interior, que al girar permite moler o desmenuzar materiales secos o húmedos que servirán como ingredientes para pastas o barnices. Debido a su peso y tamaño, lo usual es que el molino sea movido por un motor eléctrico. El sentido de usar bolas de porcelana para moler o machacar, es que al ser un material muy duro, la misma porcelana de desgasta poco y no contamina el material que se está moliendo.

Opacificantes: Óxidos como el de estaño, que por su composición química impide que penetre la luz a través del barniz en el que han sido agregados, transformando una base transparente en opaca.

Pasta: Mezcla de arcillas y otros ingredientes susceptible de ser quemada, que sirve para fabricar las piezas cerámicas.

Pirómetro: Instrumento para medir la temperatura dentro del horno; los hay eléctricos y mecánicos, análogos y digitales. La diferencia significativa con los termómetros, es que los pirómetros se meten dentro del horno y están expuestos directamente al fuego (en griego, piros significa fuego). Hornos eléctricos modernos pueden tener integrado un pirómetro, y a través de sus lecturas, una pequeña computadora programa la quema, la carga de energía, las horas que debería durar y el momento de apagarlo. Una especie de "piloto automático" de la quema.

Plasticidad: Característica de la arcilla que le permite ser modelada y retener la forma, sin deformarse.

Porcelana: Cerámica blanca, vitrificada y translúcida que quema a las más altas temperaturas (alrededor de 1325ºC). Existen varios tipos reconocidos de porcelana: de China, de huesos, dura, de cascara de huevo, y otras. Formas más corrientes de porcelana también se utilizan como aislantes en fusibles, torres de alta tensión y otras instalaciones eléctricas.

Raku: Cerámica porosa de baja temperatura y aspecto rústico debido al agregado de chamote y a que son modeladas a mano. Se usa en el Japón para las teteras y cuencos destinados a la ceremonia del té. En sus barnices, la base de los fundentes son el plomo y el bórax. Su cochura es muy típica e inusual. Una vez sancochadas y barnizadas, se meten con largas pinzas en un horno que ya subió a la temperatura necesaria y se dejan en el interior del fuego entre 15 y 30 minutos, hasta que madure el barniz. Luego se extraen otra vez con las pinzas, generalmente mienjtras las piezas están al rojo vivo. Luego se las enfría rápidamente, introduciéndolas en agua, pasto, aserrín u otros materiales, los que a veces producen procesos de reducción en el barniz. Por lo general, las piezas de raku tienen una coloración dispareja, manchada o tornasoleada, y los resultados no son fáciles de prever o programar con anticipación.

Refractarios: Materiales con altos contenidos de alúmina y sílice lo que, debido a su alto punto de fusión, los hace resistentes a temperaturas muy altas. Por esta razón es que son usados como entrepaños y accesorios para el horno, piezas que también adoptan el mismo nombre de refractarios.

Sancocho: Sinónimo de bizcocho.

Sílice: Oxido de silicio (SiO2). Lo encontramos en la naturaleza, como pedernal o cuarzo. Junto con la alúmina es el componente que forma la base de las arcillas. Posteriormente con el agregado de los fundentes obtenemos los barnices que recubrirán los cuerpos cerámicos.

Sobre barniz: Decoración de color aplicada sobre el barniz, crudo o ya horneado. En este último caso, la pieza se horneará por tercera vez, a temperatura más baja.

Terracota: Cerámica porosa, generalmente roja. Significa "tierra cocida". Se usa con frecuencia en escultura, sin barnizar.

Torno: Rueda impulsada con el pie o con un motor eléctrico, que hace girar cierta cantidad de arcilla, la cual podrá ser torneada con las manos; por supuesto, las piezas obtenidas en el torno siempre serán redondas o de corte circular, como tazas, jarros y floreros.

Vaciado: Equivalente a moldeado. Proceso para la confección de piezas que se realiza vertiendo una pasta líquida pero espesa en moldes de yeso; como éste absorbe el agua más cercana, permite que se forme una capa de pasta más firme sobre la pared del molde: Este proceso tomar desde unos pocos mintuos hasta más de media hora, delpendiendo de las piezas, la humedad y el grosor deseado de la pared de la pieza. A continuación se extrae o elimina la pasta líquida restante. Más tarde, cuando la pieza se haya secado algo más, adquiriendo la consistencia suficiente para ser manipulada, se desprende del molde fácilmente.

Este es un texto original y está protegido en favor de Teresa Arduino (©) 1998-2006. Por favor no lo copies ni lo reproduzcas de ninguna forma sin tener su autorización previa y expresa. Gracias.

Ceramistas mexicanos: biografías y datos breves

2008-09-17T08:08:00.000-07:00

Ceramistas, escultores y artistas de México

Este artículo contiene un listado breve de los ceramistas, escultores y artistas mexicanos que han estado vinculados al arte cerámico en los últimos años en México. Algunos de ellos son sólo o predominantemente ceramistas y alfareros, y otros han combinado esta disciplina con la escultura, la pintura, los textiles y otras manifestaciones. Algunos de ellos son muy conocidos, y cuando es el caso incluimos una liga a sus páginas personales, a las de sus galerías, o a las del Foro donde hay entrevistas o más información.

Nos proponemos actualizar los datos en la medida que haya más información, y por lo mismo esto es una invitación para los interesados o sus promotores, para que nos hagan llegar biografías de artistas no incluidos aquí, o datos nuevos y complementarios de los que ya mencionamos. Si deseas más datos disponibles en otros sitios de internet, sugerimos hacer una búsqueda en http://www.yahoo.com/ o http://www.google.com/ con el nombre y apellido del artista entre comillas: “Gustavo Perez”, por ejemplo. (ultima actualización, en julio 2006)

Por Tere Arduino y Dino Rozenberg

Datos y entrevistas especiales:

Ceramistas y escultores de México

Gorky González

Nació en Morelia, Michoacán, en el centro de México, el 27 de septiembre de 1939.

Su padre, Rodolfo, fue escultor y orfebre, experto en la fundición y la técnica de la cera perdida. En 1962, Gorky se instaló en San Miguel de Allende, Guanajuato, y estudió en el Instituto Allende y la Escuela de Artes. Luego tuvo un taller de terracota en el pueblo de Marfil, donde reprodujo algunas obras de Jean Byron. Se le considera uno de los responsables de la recuperación y difusión de la cerámica tipo talavera, que ahora se conoce mejor como mayólica o fayenza (se reserva el nombre talavera para la elaborada en Puebla, considerada por México como una denominación de origen, aunque son básicamente la misma cosa). Para esta recuperación, González se ayudó del artista japonés Hisato Murayama, que vivía en México. El mexicano pudo estudiar dos años en Japón, donde conoció a quien fue su esposa, Toshiko. En Tokio estudió con Tsuji Seimei, y en Bizen con Kei Fujiwaray su hijo Yu Fujiwara. Esta familia es una de las más reconocidas en Japón y están al cuidado de la técnica llamada Bizen-yaki.

Gorky González es ya un afamado artista y artesano, y vive en Guanajuato donde tiene un taller y fábrica de productos artesanales. Participó desde 1965 en ferias y exposiciones en Estados Unidos, México, Japón, Centroamérica y varios países de Europa. Tiene el primer premio de arte popular (Aguascalientes, 1975), y el Premio Pantaleón Panduro del Gobierno del Estado de Jalisco, en 1988. En 1991 presentó sus obras de cerámica tradicional en el Instituto de Cultura Mexicana de San Antonio, Texas. Su trabajo se basa en obras utilitarias, es decir platones, lebrillos, jarrones, tibores, pies e lámparas, cobres y ollas, trabajadas al estilo tradicional, que en ocasiones toma o copia de obras antiguas. Puedes leer sobre la Talavera en el sitio, sobre mayólica en http://www.mayolica.org/, y sobre Gorky González en su página comercial, donde se pueden comprar adornos, vajillas, etc: http://www.gorkypottery.com/

Gerardo Azcúnaga

Nació en Monterrey, Nuevo León (México), en 1958.

Se ha dedicado a la escultura y afronta diferentes materiales como la cerámica, la madera y el metal. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas. Tiene un premio otorgado en 1990 por el Instituto Nacional de Bellas Artes, el Premio Estatal de Cerámica de Nuevo León de 1991, el Premio de Escultura en la Segunda Bienal del Museo de Monterrey, de1994, y el Premio adquisición de la Primera Bienal Nacional de Arte en Cerámica (Centro cultural Alfa, 1995), entre otros. Participó en Washington en la exposición que organizó el Instituto Cultural de México con el título “Sueño de la tierra: tendencias en la escultura mexicana del siglo XXI” (Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture). El Washington Times escribió, citando al artista en el catálogo de la muestra, "La cerámica me da la oportunidad de hacer una escultura orgánica, expresionista, no limitada a los espacios previos como ocurre cuando se usa la piedra o la madera”. En 2003, Azcúnaga presentó “Cincuenta esculturas” en el Centro de las Artes de Monterrey; hay un catálogo con la obra.

Gerda Gruber

Nació en Bratislava, la antigua Checoslovaquia, en 1940, y reside en México desde 1975. También fue conocida por su nombre de casada, Gerda Spurey (está separada desde hace años). Trabaja la madera, cerámica de alta temperatura y sobre todo la porcelana, en la que ha destacado. Es muy conocida su escultura de porcelana negra y sus artefactos con porcelana muy delgada, como hojas y láminas. Su escultura es abstracta, de sentido universal, intensa y agresiva. Es una mujer de personalidad fuerte, y en ocasiones sus posiciones han despertado polémica entre artistas mexicanos. Actualmente tiene una escuela y taller en Cholul, en las afueras de la ciudad de Mérida, en Yucatán. En 2002, junto con Santiago Espinosa de los Monteros, Rosario Guillermo, José Luis Rodríguez de Armas y José Manuel Springer, formó parte del Comité de Artes Visuales para seleccionar a los aspirantes a la Primera Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán. Se evaluaron más de 850 obras de creadores de 26 estados de la República. En el Foro puedes ver su biografía, una entrevista exclusiva en su taller, fotografías de algunas obras, datos de su escuela y fundación en Mérida y su actividad reciente.

Rosario Guillermo

Es oriunda de Mérida, Yucatán, donde nació en 1952.

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM (ENAP, ahora en Xochimilco), y escultura en cerámica con Gerda Gruber. Estudió en el Instituto de Arte Cerámico de Florencia. Hay obra suya en galerías y museos de México y otros países, como el Museo de Arte Moderno del INBA y el Museo de Artes Aplicadas de Praga. Recibió el premio de escultura de la Bienal de Yucatán en dos ocasiones (1987 y 1991), y otro de cerámica en Tlaquepaque, Jalisco, en 1993. Ha expuesto en México y el extranjero. Con Santiago Espinosa de los Monteros, Gerda Gruber, José Luis Rodríguez de Armas y José Manuel Springer fue jurado para la Primera Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán, en 2002. Biografía más detallada, exposiciones y algunas fotos de sus obras en este sitio: http://www.arteven.com/rosario_guillermo.htm.

Perla Krauze

Nació en 1953 en la ciudad de México.

Estudió diseño gráfico en la Escuela de Artes Plásticas de San Carlos, de la UNAM. Ha expuesto en México y el extranjero. En 1994 ingresó al Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca (Fondo Nacional para la Cultura y las Artes). Ha dedicado parte de su carrera al trabajo de tapiz y textiles, y combinado estas técnicas con escultura y cerámica. Obtuvo la beca del Fonca para pintura (1993), un premio del Consejo Británico y otros en la Bienal de Tapiz y Arte Textil (1984), Encuentro de Arte Joven (1983) y Bienal de pintura Rufino Tamayo (1990). Es muy conocida por sus pinturas al óleo, pero también ha hecho escultura e instalaciones con piedras, como la que presentó en la galería Sonja Roesch de Houston. En el sitio de esta galería hay un texto del que extraemos este fragmento:

Hija de unos judíos europeos que emigraron a México antes de la Segunda Guerra Mundial, el trabajo de Krauze, como su herencia étnica es una mezcla de culturas y sensibilidad. Después de estudiar en la Universidad Autónoma de México y el Goldsmith College de Londres, empezó a exponer en varios sitios de México y Europa. Los críticos han destacado su trabajo diciendo que es notable por lo que dice pero también por lo que calla, por lo que no dice. Krauze señala: “Es muy bueno que alguien haya dicho eso. Ojalá que sea cierto. Yo ciertamente trato de capturar esa idea. Es exactamente los espacios o los silencios lo que es más elocuente en la vida”. Después de exponer con éxito en Nueva York, Los Ángeles, Oaxaca y Londres, Krause expuso en Houston. La señora Roesch dijo: “Vi su trabajo y fue muy impactante. Me recuerda los trabajos de alquimia y sobre Europa, y me pareció acertado presentarla. Decidimos hacer una exposición individual por la variedad de su trabajo. Tiene metal, resina y oro. Hace trabajos de instalación, pintura, incluso fotografía digital. Trabaja en una variedad de medios y creo que vale la pena darle la oportunidad de un show individual”.

Jorge Marín

Es oriundo de Uruapan, Michoacán, en el centro de México, donde nació en 1963, pero radica en el Distrito Federal.

Es pintor y escultor en cerámica y otros materiales. No se debe confundir con Javier Marín, también ceramista y escultor, nacido en la misma ciudad de Uruapan en 1962.

Jorge Marin ha participado en innumerables exposiciones individuales y colectivas, y tiene obra en museos y galerías nacionales y extranjeras. Ha llamado la atención por su escultura en madera policromada, técnica heredada de los artistas de la Colonia española. Participó de la exposición Sólo un guiño, 1998, que se presentó en Lisboa y la ciudad de México. En el Instituto Cultural de México en Washington formó parte de la exposición colectiva Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture. De él dijo el Washington Times que sus esculturas eran las más intensas y emocionales de la muestra. Dice que el escultor pellizca y retuerce sus figuras. Tienen dentro un drama individual que evoca las grandes figures de los famosos Burgueses de Calais, de Augusto Rodin. Se puede consultar una biografía y otros datos en la página de la galería de arte Oscar Román: http://www.arte-mexico.com/oscarroman/jorge-marin/cv.htm

Cristina Martínez del Campo

Nació en 1959 en la ciudad de México y se graduó en artes visuales en la ENAP de la UNAM. Ha participado con esculturas en diferentes exposiciones individuales y colectivas (Arquitectura del caracol, La utopía como voz del barro, etc.). Hay obra suya en el Museo de Arte Contemporáneo de la UNAM.

Miriam Mendrez

Nació en 1958 en la ciudad de México y estudió artes visuales y diseño gráfico en la Universidad Concordia de Montreal, así como en la Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP) de la UNAM.

Ha expuesto escultura en cerámica en la Casa del Lago de Chapultepec (1987), Galería Arte Actual (Monterrey, 1991), y Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (1995). En 1990 obtuvo los premios Estatal de Cerámica de Monterrey, y Adquisición de la Bienal de Cerámica del Museo de Arte Moderno del INBA. Participó en la colectiva Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture, en Washington. Se dice de su obra que son exploraciones emocionales sobre la soledad y las pérdidas. Sus figuras a veces antropomórficas, hechas con materiales como cerámica, cera, fotografías y papel, pueden ser desoladoras. El Washington Times dijo que Medrez era quizá la mejor escultora del grupo, y destacó sus figuras misteriosas, trágicas, a veces incluso juguetonas, como The Frog. Medrez preparó una imagen con barro, luego fotografió el patrón de la piel del sapo, lo imprimió sobre papel de China y luego lo cubrió con cera.

Artemio Morales Hintze

Nació en Torreón, Coahuila, en 1968. Estudió en el Colegio de Bachilleres con maestros de la ENAP, donde se inició en la pintura, y participó en 6 exposiciones colectivas y 3 individuales. En 1988 ingresó a la licenciatura de pintura en la ENPEG “La Esmeralda” del INBA, y muy pronto se definió por la escultura y la tridimensionalidad. Se tituló en 1998 con la tesis “La forma sonora”.

Aunque el centro de su discurso escultórico es la figura humana, ha experimentado con concepciones multidisciplinarias donde hace intervenir elementos de composición musical y escultórica dentro de una misma propuesta estética. En sus obras utiliza talla en madera y cerámica de alta temperatura, y experimenta con materiales plásticos, poliuretano y resinas de poliéster sobre pedestales y soportes estructurales de madera y acero. Ha incursionado en la enseñanza de las artes plásticas y la escultura, talla en madera, cerámica y modelado (incluyendo moldes y vaciados). Desde junio de 2002 lleva la dirección académica del proyecto educativo “Atrio espacio cultural”. En nuestra sección de imágenes se incluyen dos obras de Artemio Morales.

Adán Paredes Vera

Es ceramista y arqueólogo que nació en la ciudad de México en 1961.

Entre 1991 y 1994 se dedicó a la investigación arqueológica y la restauración. En esto estuvo cerca de Gonzalo López Cervantes, aunque Paredes se dedicó a los temas prehispánicos y el segundo sobre todo a la cerámica colonial. Ahora se dedica sobre todo a la escultura con cerámica y otros muchos materiales, que ha expuesto en México y el extranjero. La Dirección General de Promoción Cultural, Obra Pública y Acervo Patrimonial de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (México) organizó la muestra Tierra etérea, “quien expone un trabajo de alta calidad en su elaboración, al realizar una exploración constante de elementos. El artista convierte su labor creativa en piezas de arte, con las que recupera la tradición ancestral del trabajo, al utilizar materiales como el barro y fibras vegetales, ofreciendo así una propuesta contemporánea.” http://www.shcp.gob.mx/dgpcap/paredes.html.

Gustavo Pérez

Nació en la ciudad de México en 1950.

Desde hace años trabaja y vive cerca de Jalapa, en el estado de Veracruz. Sobre este connotado artista, el ceramista más famoso de la generación mexicana actual, puedes leer una entrevista exclusiva, una biografía y otros textos, así como ver fotos de algunas obras.

Maribel Portela

Nació en 1960 en la ciudad de México.

Estudió artes visuales en la ENAP de la UNAM, y ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas, en México y el extranjero. En 1994 obtuvo una beca del Fonca, y también recibió premios de la Galería del Auditorio Nacional (México, D.F., 1987) y del Museo José Luis Cuevas (1998). Participó en Washington en el Instituto de Cultura de México en Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture. En Arte al dia on line (http://argentina.artealdia.com/content/view/full/19457) dicen que se graduó en escultura en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de México. Sus esculturas concentran elementos relacionados con la técnica, la tradición, la religión y símbolos prehispánicos y de culturas sagradas. En algunas de sus figuras realizadas en cerámica se refleja ese ser primitivo, espontáneo, natural, simétrico, repleto de miedos, deseos, mitos y sueños.
Se ha dicho que la obra de Portela ve al hombre contemporáneo como un recolector que vaga por el mundo, ya sea en sus viajes o a través de la web. Sus obras surgen de la memoria de un pasado cultural traducido a una variación contemporánea que marcha hacia el interior del tiempo. Sus creaciones son un recordatorio de que la vida y el arte actual no pueden dejar de lado las intenciones humanas de aquello que es familiar. Portela es una pionera, una innovadora que ha catapultado su obra y sus conceptos a un lugar crucial, no sólo dentro del arte latinoamericano sino también a nivel internacional. Su obra está representada por la galería Aldo Castillo en Chicago.

Elizabeth Ross

Nació en la ciudad de México en 1954, y desde 1992 vive en Morelia, capital del estado de Michoacán.

En los últimos años ha llamado la atención por su actividad promotora y de difusión del arte cerámico. En su taller da cursos y actividades para estudiantes de cerámica y escultura con diferentes niveles y aptitudes. Ha escrito numerosos trabajos sobre el arte cerámico y la cerámica regional y popular. Tiene su propia página web: http://www.elizabethrossmx.com/, con información sobre sus actividades académicas y talleres, y fotos de algunas obras.

Aurora Suárez
Nació en 1939 en la ciudad de México y se graduó en 1965, como arquitecta por la
Escuela Nacional de Arquitectura de la UNAM. Desde entonces trabaja con pareja, el artista Hugo X. Velázquez, en el taller de cerámica que ambos tienen en la ciudad de Cuernavaca, en Morelos, México.

Participó en la exposición "Las manos del mexicano" (1971) que organizó el Museo Nacional de Antropología e Historia y se presentó en Bruselas,
Bélgica y otras ciudades europeas. Ha expuesto en museos y galerías de Guanajuato, ciudad de México, Cuernavaca y Monterrey también en California, Texas, Puerto Rico y Venezuela. Como parte de su compromiso con el arte cerámico participó en congresos mundiales del World Craft Council, en México, Japón y Austria, así como en la I y III Trienal de la Pequeña Cerámica, en Zagreb, Yugoslavia; integró los Encuentros Internacionales de Cerámica en Pequeño Formato, de La Habana, en 1994 y 1996.

Ha realizado obra propia y colectiva, piezas únicas y murales, y durante varios años ha dado clases a estudiantes de diferentes niveles tanto en el tema de cerámica de alta temperatura, como esmaltes y vidriados. Ha recibido varios premios y reconocimientos. En 2005 presentó en Cuernavaca una serie de fuentes realizadas en cerámica de alta temperatura.

Paloma Torres

Participó en Washington, en el Instituto Cultural de México, de la muestra colectiva Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture (con Adriana Margain y Maribel Portela, entre otros).

Adriana Margain

En el Instituto de Cultura de México de Washington participó en la exposición colectiva Dream of Earth: 21st Century Tendencies in Mexican Sculpture.

Carmen de la Parra Arribalzaga

Es oriunda de la ciudad de México, donde nació en 1962. Estudió diseño gráfico en la universidad Anáhuac, cerámica en la Escuela de Artesanías del Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y en la Escuela de Diseño y Artesanías (EDA) del INBA, además de otros cursos y seminarios sobre la especialidad. Tiene una docena de exposiciones colectivas en galerías como Zaloren, museo del Chopo, Centro de Arte de Aguascalientes, Facultad de Arquitectura de la UNAM, Museo Franz Mayer, Museo de Arte de Querétaro, etc. Participó en las dos primeras bienales de cerámica utilitaria del Franz Mayer y, en 2006, formó parte de Cer06, en la Galería Múltiple de la ciudad de México.

Cristina Riveroll Terrazas

Nació en la ciudad de México y es ceramista y escultora. Estudió letras hispano americanas en la UNAM, cerámica en la Escuela de Diseño y Artesanías (EDA-INBA) y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos. En Inglaterra estudió con Harry Stringer y es licenciada en psicología con maestría en terapia familiar. Desde 1979 ha participado en más de una docena de exposiciones individuales y colectivas en Galería de Diseño Mexicano, Lourdes Chumacera, Muebles Sur, Club Israelita de México (CDI), y en las bienales de cerámica utilitaria del Museo Franz Mayer, donde ganó el segundo lugar (en la primera); fue seleccionada en la segunda Bienal de Arte en Cerámica, premio Nuevo León 2005. En 2006 participó en la colectiva Cer06, en la calería Múltiple de la ciudad de México. Tiene su taller particular, donde además da clases, desde hace 28 años.

Eduardo Colín

Nació en la ciudad de México en 1973, y es escultor y ceramista. Estudió cerámica en la EDA-INBA y participó en numerosas exposiciones en el Museo Universitario del Chopo, Centro Cultural San Ángel, Universidad de la ciudad de México, UNAM, ExTeresa Arte Actual, IPN y en la exposición Cer06, organizada por la galería Múltiple, de la ciudad de México.

Gabriel Guerrero Soto

Nació en la ciudad de México en 1974 y es pintor y ceramista. Estudió cerámica en la EDA-INBA y ha participado cono cerámica y pintura en exposiciones de las galerías Zaloren, Oscar Román, Museo Universitario del Chopo, ExTeresa Arte Actual, Museo de Arte de Querétaro, Centro de Arate de Aguascalientes, Museo de Arte de Zapopan y la exposición Cer06, en la galería Múltiple (2006). Obtuvo mención honorífica en la segunda Bienal de cerámica utilitaria del museo Franz Mayer.

Itzá Valencia

Nació en la ciudad de México en 1982 y estudió cerámica en la EDA-INBA, así como pintura mural y otras disciplinas. Ha expuesto en Centro de Arte de Aguascalientes, Universidad de la ciudad de México, Escuela Nacional de Antropología e Historia, Casa de Cultura Griselda Álvarez, Museo de Arte de Zapopan y galería Múltiple (exposición cer06, en 2006). Seleccionada para la segunda Bienal de cerámica utilitaria del Franz Mayer.

Isadora Cuéllar

Nació en la ciudad de México en julio de 1978 y ha tomado cursos de cerámica, dibujo, escultura y otras disciplinas en Jalapa y la ciudad de México. Estudia en la ENAP la carrera de artes visuales (2006). Ha participado en numerosas exposiciones en salas y museos como Casa de la Primera Imprenta de América, Casa de la Cultura José Luis Cuevas, Museo del Chopo, centro Cultural San Ángel, Centro Cultural España, Bienal de cerámica utilitaria del museo Franz Mayer, Cer06 de galería Múltiple. También expuso en el proyecto “placas de artistas”, en Corrientes, Argentina.

El material de esta página es propiedad de sus respectivos autores, y se utiliza aquí sin fines de lucro; cualquier observación envíe un e-mail desde este sitio . Lo demás COPYRIGHT 1997-2006 por Teresa Arduino, Martín, Pablo y Dino Rozenberg (Foro de cerámica contemporánea, México)

Bernard Leach, una breve biografía

2008-09-13T17:00:00.000-07:00

Esta temporada dedicamos nuestro trabajo a la memoria de Bernard Leach y a su papel pionero en el desarrollo de la cerámica moderna de Occidente

Una breve biografía de Bernard Leach
(1887-1979)

Es el más importante ceramista de estudio inglés, y seguramente uno de los más influyentes de la época moderna. Nació en Hong Kong, de familia británica, y sus primeros pasos en el arte fueron como como pintor y aguafuertista. En 1909 viajó a Japón, donde estudió cerámica con Ogata Kenzan VI (último de la dinastía formada por Ogata Kenzan). Fue el primer ceramista europeo que asimiló integralmente la estética y la filosofía de los antiguos ceramistas japoneses, coreanos y chinos, y un pionero en los intentos por introducir estos conceptos en Occidente.

Según cuenta Soyetsu Yanagi, antiguo director del Museo Nacional de Folklore, de Tokio, Leach y su "hermano en arte" Tomimoto, aprendieron mucho del anciano Kenzan. Sus esfuerzos fueron recompensados porque el maestro les concedió un "certificado de pericia", caligrafiado en papel hosho. Considerando que el viejo Kenzan murió sin herederos –añade Yanagi--, Leach y Tomimoto deberían recibir en justicia el título de "séptimo Kenzan" pues son los únicos discípulos que dominan en rigor el arte de la cerámica raku.

En 1920, después de pasar once años en Oriente, volvió a Inglaterra y fundó la locería Leach en St. Ives, en la península de Cornualles, con su discípulo y colega japonés Shoji Hamada, quien tres años después regresaría a su país y sería el principal ceramista de su época. Según se sabe, aun distanciados llevaron una amistosa relación de intercambio durante mucho tiempo.

Josep Llorens Artigas, el más famoso ceramista español (si descontamos que Picasso no fue un verdadero ceramista), dejó una frase que muestra su admiración por este dúo: "Bernard Leach, inglés, y Shoji Hamada, japonés, son para mí los dos apóstoles contemporáneos del oficio". Leach, aunque debía algo a la cerámica inglesa medieval y del siglo XVII, sobre todo al slipware, se dejó llevar sobre todo por su conocimiento del raku japonés, una forma de cerámica áspera y tosca, pero de gran fuerza y belleza.

Su obra personal incluye sobre todo piezas de uso doméstico, como vajillas, jarras, platos y floreros; la forma es sencilla y robusta, de paredes gruesas y siempre imperfectas, decoradas con esmaltes clásicos orientales, como el famoso celadón, y algunas decoraciones con trazos rápidos, con temas de plantas o animales. Sostenía que "los cacharros de barro, como todas las forma de arte, son expresiones humanas", y a través de sus obras y de sus escritos se le debe, más que a nadie, la introducción en Europa del concepto japonés del ceramista como "artista", y no como mero artesano, así como la idea de que el cacharro modelado a mano, con una textura superficial irregular, es de algún modo "superior" a las piezas mejor acabadas de cerámica o porcelana, ya sean hechas a mano o a máquina, antiguas o modernas.

En su libro "Manual del ceramista2, aparte de muchas cuestiones técnicas, fórmulas de esmaltes y narraciones de famosas horneadas, Leach se manifiesta siempre contra la producción industrial, contra la manufactura fría de prpoductos que podrían seguirse haciendo a mano. Obviamente era un romántico, pero visto el desarrollo actual de la humanidad, seguramente se hubieran necesitado (y todavía se necesitan), gente como él, que lleven sus principios personales más allá de la aterrizada lógica del consumismo.

En 1930 se sumó al taller su hijo David Leach, quien en 1955 se separó y puso taller por su cuenta en Devon. Algo parecido hizo su otro hijo, Michael, quien trabajó con su padre durante cinco años y luego se unió a su hermano. Su nieto, John, también trabajó en St Ives y posteriormente se instaló por cuenta propia en Somerset. Leach se casó en 1956 con Janet Darnel, una ceramista que también estuvo en Japón y trabajó con Hamada durante un par de años. En los primeros tiempos del taller, Leach se dedicó a elaborar una obra sobre todo individual, pero después ingresaron jóvenes aprendices de la localidad y también ceramistas noveles atraídos por su fama y el deseo de aprender.

Aunque Leach nunca dio clases formales en instituciones educativas, si fomentó la difusión de sus ideas a través de charlas, seminarios y sobre todo el aprendizaje de gente nueva que pudo trabajar a su lado, sea ayudándole en su producción, sea elaborando sus propios trabajos pero bajo la supervisión del maestro. Durante los últimos años, aparte de la obra individual de Leach, destinada a exposiciones y colecciones, el taller produjo numerosas piezas en serie, para uso doméstico, sencillas y de precio módico. Bernard Leach se retiró del taller en 1974, por problemas en la vista, y el taller siguió adelante bajo la supervisión de Janet y del maestro William Marshall. El gran ceramista falleció en 1979.

Hay varios libros que estudian su obra, como The Art of Bernard Leach, de C. Hogben, publicado en Londres en 1978. Esta biografía está tomada, en versión libre, del Diccionario de las artes decorativas de Fleming y Honour, Alianza Editorial, 1987, y de otros documentos y testimonios.

El universo fantástico de Sergio Bustamante

2008-09-13T16:45:00.000-07:00

El universo fantástico de Sergio Bustamante
Tlaquepaque, Jalisco, México

Teresa Arduino

La tienda parece una surrealista arca de Noé. A la entrada hay un gran pegaso de latón, un mono de papel maché y una cabeza humana hecha en cerámica, de la que brotan leones pequeñitos. Adentro conviven pacíficamente cacatúas, leones, rinocerontes, búfalos, tigres, jirafas, águilas, cotorras, más monos, más caballos, más cabezas con alas, con sapos, con ardillas. Y en medio de esa jungla aparece el creador, el amo y señor que ordena: -Tu serás de latón, tú de cerámica, tú de papel maché. A ti te agregaremos nuevas plumas y a ti te discontinuaremos, porque la gente quiere cosas nuevas.

Sergio Bustamante, el artesano creador de todas estas maravillas, es un soltero de estatura mediana, tez morena, cabello cuidadosamente arreglado y mirada inteligente. Nació en Culiacán hace 38 años, pero ha vivido en Guadalajara desde los 11 y se siente jalisciense hasta las entrañas. Su tienda de Tlaquepaque es ya uno de los principales atractivos turísticos de Jalisco.

Aunque terminó los estudios de arquitectura, ni se preocupó por escribir la tesis: desde que estaba en la universidad, para ganar algún dinero montó con unos amigos un taller donde producían lo que él llama "unas cochinaditas" (artesanías para turistas comunes), pero con el tiempo se superaron y empezaron a producir piezas excelentes, que los comerciantes les arrebataban materialmente. Con el éxito las cosas volvieron a empeorar: se impuso la necesidad de producir en masa, y la calidad de los productos bajó catastróficamente.

Deseoso de seguir haciendo piezas capaces de enorgullecerlo, Bustamante vendió su parte del negocio e instaló un taller propio.

Todas distintas
Ahora, en el taller de Bustamante trabajan 13 operarios que se ocupan del papel maché, 12 del latón, 4 de la cerámica de baja temperatura, 2 que hacen grabado en metal y 2 que sólo se ocupan de desarrollar nuevos colores, técnicas y herramientas. Una red de 13 tiendas distribuidas por México y Estados Unidos está dedicada exclusivamente a la venta de artesanías de Sergio Bustamante. Todos los locales están decorados con muy buen gusto y en todos hay pedestales e iluminación adecuada para que las piezas luzcan mejor.

En el mundo hay muy pocos artesanos que hayan alcanzado la posición de que disfruta Bustamante. --Yo hago los diseños matrices y las primeras piezas –dice el artesano--. Una vez que me satisface el resultado, las paso al taller para que las reproduzcan. Pero ninguna pieza es igual a otra: todas varían en tamaño, color y detalles. En realidad, para nuestro taller sería más difícil hacer las piezas iguales que diferentes. Por lo refinado de las piezas, a menudo alguien pregunta a Bustamante si en verdad podrían ser consideradas como artesanía mexicana. –Por supuesto que sí –responde éste--. Mi sensibilidad no es igual a la del artesano indígena que trabaja en una milpa con paisaje de cerros y magueyes. A los dos nos duelen y nos emocionan cosas distintas, pero aunque mis piezas sean diferentes de la artesanía tradicional, su inspiración es popular y mi obra es mexicana porque está enraizada en Culiacán y Guadalajara, no en China o en Escandinavia.

Precios
En cambio, Bustamante juzga con severidad a sus compañeros artesanos de Jalisco. –El vidrio soplado, la cerámica y las demás artesanías que se hacen actualmente son, casi sin excepciones, pura basura –dice--. Hasta en Tonalá escasean ahora los artesanos enamorados de su trabajo y que se esfuerzan por producir algo diferente y bien hecho. El pueblito mismo ha perdido su encanto y cada día está más sucio y lleno de cantinas. La experiencia de Bustamante demuestra que hay abundancia de compradores para el producto bien hecho. Aunque al principio los comerciantes decían que Bustamante se había vuelto loco por querer vender sus piezas al elevado precio que siempre han alcanzado (hoy día [1983] cuestan de 30,000 a 400,000 pesos), ahora abundan los que materialmente imploran que les entregue más producción.

Y, por supuesto, hace mucho dejó de escucharse otra queja: que Bustamante, siendo un artesano, exigía ser tratado como artista. Aunque Bustamante pasa la mayor parte del tiempo en su tienda y en su taller de Tlaquepaque, a menudo viaja al extranjero para mostrar sus trabajos. En Los Angeles se encontró hace poco a una señora que posee una colección de 50 piezas de él, y todavía sigue comprando más. Para atender a este tipo de clientes, Bustamante abrió en California un "taller veterinario" en el que se reparan los daños que suelen sufrir las piezas.

Este artículo se publicó en la revista Contenido, en marzo de 1983. Notas adicionales de 1997. Hasta donde sabemos, Bustamante sigue activo y sus piezas han evolucionado en forma constante. Cuestan por encima de los 500 dólares, y a veces mucho más. Ya no hace tantos animales como antes, y su producción reciente es muy surrealista, con niños "gordos" al estilo de Botero pero montados en bicicletas, grandes esculturas en bronce y muchas "arcas de Noé" y huevos de cerámica llenos de animales de fantasía, sapos, lagartijas, etc. También tiene una línea de joyería, pinta por placer y se dejó el bigote (lo hemos visto así en una foto reciente). Ha sido copiado y fusilado sin piedad, y toda Guadalajara está llena de versiones baratas de sus trabajos. Su espacio entre los artesanos y creadores de México es bastante particular. En general los medios y los colegas no lo consideran mucho, y pocas veces se lo menciona o hace exposiciones o muestras. El Fondo para las artesanías, hasta donde sabemos, nunca ha vendido sus piezas, seguramente porque no lo considera un "artesano típico"; también es probable que él no quisiera hacerlo porque vende todo a través de sus propias tiendas. En la época que lo conocimos, los compradores estaban muy entusiasmados, sobre todo los norteamericanos. Hubo gente que, por no esperar dos o tres semanas en que les llegaran sus compras por transporte de carga, compraban un asiento adicional en el avión para llevar las piezas consigo. Nos contó que la peor época de su vida fue cuando estuvo sin habla. Lo operaron por un supuesto tumor en la garganta, que resultó ser un problema de la tiroides. Al quitarla, el cirujano lastimó una cuerda vocal y estuvo sin hablar durante meses. Le inyectaron teflón y al cabo de un mes pudo hablar. "Lo primero que me salió fue un grito terrible, una cosa muy angustiosa que nunca olvidaré. Ahora hablo más o menos bien, pero a veces como que quiero decir algo y los sonidos no salen. No hay nada tan espantoso como no poder expresarse". Si quiere ver algunas de sus obras recientes, de un search en Yahoo; encontrará una página radicada en España y también algunos reportajes publicados por la revista México Desconocido.
Para quienes no están en el secreto, Tlaquepaque es un barrio cercano a la ciudad de Guadalajara, en el occidente de México; ahí se concentran muchos artesanos, ceramistas, sopladores de vidrio y fabricantes de papel maché. En la calle peatonal, donde se alínean negocios de curiosidades y antigüedades, está la tienda principal de Bustamante. Tonalá es otro pueblo de Jalisco, a unas dos horas de distancia, donde tradicionalmente han trabajado grandes ceramistas como Ken Edwards y Jorge Wilmot.

En 2008 visitamos su sito web, que se liga más abajo, y encontramos que todo ha cambiado para Sergio Bustamante. Ahora tiene una colección de joyería y de bolsas para dama. De sus esculturas, hay una serie en bronce y otra en resina. Hay muchos soles y lunas en bronce, y algunas figuras que recuerdan su estilo surrealista. En resina hay animales y seres extraños, y más color (aunque no como en los primeros tiempos). Se ve que el negocio sigue muy próspero, y tiene varias tiendas en México y distribuidores en el extranjero.
Sitio web: sergiobustamante.com.mx

Pequeña historia de la porcelana

2008-09-13T16:42:00.000-07:00

Una pequeña historia sobre las porcelanas

Con más de1,000 años de historia, la porcelana se ha sostenido en el lugar más apreciado por nobles y plebeyos. Su textura, resistencia y delicadeza le confieren un sitio de privilegio entre las bellas cosas con las que los seres humanos gustan rodearse.

La porcelana, tal como se conoce en la actualidad, nació en China en el siglo XIII, producto de la experimentación de anónimos artesanos orientales. Por sus características únicas, es la técnica más cotizada de las cerámicas decorativas y la que más fama ha conquistado para sus célebres fabricantes. Básicamente, la porcelana es una pasta de caolín y feldespato horneada a 1,400 grados Celsius, la temperatura más alta que se usa en la industria cerámica. Cuando está húmeda se puede modelar a mano, en torno o bien con moldes de yeso, y luego se le da la primera cocción o sancocho.

En esta horneada, que dura por lo general entre 12 y 15 horas, el barro pierde toda la humedad y se compacta hasta alcanzar la dureza de la piedra. Luego, las piezas reciben el esmalte que consiste en pinturas preparadas con materiales fundentes y colorantes (el cobalto produce el azul, el cobre el verde, el manganeso los cafés). Las piezas regresan al horno para la quema, que es una horneada más lenta y delicada, en cuyo transcurso los esmaltes se funden, se adhieren firmemente al barro y toman su color y textura definitivos. Las obras que reciben calcomanías, como las vajillas con figuras de flores o animales, por ejemplo, requieren una tercera horneada a menor temperatura, en la que las imágenes se fijan al esmalte.

Esta técnica, que requiere un cuidadoso control de las materias primas para obtener texturas limpias, suaves y sin manchas o deformaciones, alcanzó su máximo esplendor durante las dinastías Tang (618-906), Sung (960-1279) y Ming (1380-1644), en China, durante las cuales se produjeron obras inigualables como botellas, jarras, tazas para la ceremonia del té y los famosos guardianes y caballos rituales, que hoy pueden verse en los principales museos de Europa y América. Los esmaltes craquelados, las flores de loto y los motivos con dragones o paisajes campestres son típicos de estas épocas.

Fue a raíz de los viajes de descubrimiento que los europeos conocieron la porcelana y se fascinaron con los abigarrados dibujos en azules de cobalto sobre porcelana blanca, característicos de la dinastía Ming y que todavía hoy influencian la cerámica europea. Pero trasladar grandes volúmenes de adornos y vajillas desde China y otros países del Oriente resultaba lento y costoso; además, los artesanos chinos, japoneses y coreanos no parecían interesados en modificar sus antiguos motivos para halagar los gustos afrancesados de los nobles venecianos o florentinos. Así que no quedó otra solución que tratar de producir imitaciones adaptadas a las nuevas modas.

La gloria de descubrir los secretos celosamente guardados por los ceramistas orientales le correspondió a Johann Bötgger, un alfarero de Meissen que trabajaba para el príncipe elector de Sajonia. Esto ocurrió en 1703 y en los siguientes 50 años la técnica ya se había difundido por Austria, Francia e Inglaterra. En 1756, por ejemplo, se instaló en Sèvres, Francia, una factoría destinada a alcanzar sólido prestigio, vigente todavía en la actualidad debido a la consistencia de su producción, industrial pero intachable. Limoges, una planta más reciente, es igualmente respetada.

Otro famoso investigador fue Bernardo de Palissy, de quien cuenta la leyenda que llegó a quemar las maderas del piso de su casa para alimentar su horno y alcanzar la elevada temperatura requerida para obtener los bellos colores de la porcelana. Inglaterra fue un sitio donde la porcelana se difundió en gran escala y donde se produjeron, y todavía producen, variantes de la más alta calidad. Las más antiguas, de 1740, son las de Chelsea y Bristol, seguidas por las de Liverpool (1756) y Caughley (1772). En 1880, el artista Josiah Spode descubrió, en Staffordshire, la posibilidad de mezclar la porcelana con cenizas de huesos de animales, con lo que consiguió texturas más finas y una mayor resistencia. Así nació la porcelana bone china, que en la actualidad es la más conocida de todas las producidas en Inglaterra.

También de gran mérito son las figuras (soldados, campesinos, cortesanos) que todavía se fabrican en Meissen, la centenaria casa alemana. De allí salieron para las meses de reyes y papas suntuosas vajillas conocidas por sus motivos florales, tanto de figuración oriental (indianische Blumen) como europea (deutsche Blumen). De Italia son conocidas las vajillas y figuras del taller que la familia Ginori instaló en Doccia en 1735, y que subsiste hoy día. Más renombrada es la producción de Capodimonte, nacida en 1743 por inspiración del rey de Nápoles. Aunque por azares de la historia la fábrica fue más tarde trasladada a Buen Retiro, en España, todavía llevan el nombre anterior las piezas decorativas producidas en la actualidad. Las que representan grupos de aldeanos o campesinos, muy características, son de una delicadeza y realismo que pocas veces ha sido superado por otros talleres.

Tampoco puede desdeñarse, aunque en un segundo plano, la buena porcelana que se ha venido produciendo desde antaño en Holanda, Austria, Suecia (especialmente la de Estocolmo y Marieberg), y Estados Unidos. En este último país, la porcelana fina guarda gran cercanía con la inglesa. C.W. Fenton produjo buenas figuras a mediados del siglo pasado en Benington, Vermont, lo mismo que su sucesora, la United States Pottery. Aunque es muy fácil dejarse seducir por las vajillas de porcelana muy suave, delgada y translúcida, como la conocida "cáscara de huevo", las buenas porcelanas pueden tener cuerpo y hasta ser gruesas, como los tradicionales servicios para la ceremonia del té usuales en Japón, y que tienen siempre un acabado rústico y asimétrico, y cuyos esmaltes no cubren la pieza por completa, sino que dejan parte de la pasta a la vista.

En México, la porcelana fue conocida y utilizada desde los primeros tiempos de la Colonia, gracias a los frecuentes viajes de la Nao de la China. Justamente, la porcelana de la Compañía de las Indias, cuyas vajillas con dibujos azules conocieron las mesas de nobles y virreyes, fue realizada en china con fines casi exclusivos de exportación a México y España. Hoy, uno de esos bellos platos puede cotizarse, con los anticuarios de Puebla, San Miguel de Allende o la Zona Rosa, en varios miles de pesos. Ahogada por la rica variedad de cerámicas de baja temperatura, --entre las que destaca la Talavera de Puebla--, o bien por el recio stoneware de matices contemporáneos, la porcelana ha hecho poca carrera en México.

Los trabajos más llamativos son recientes: la escultora austríaca Gerda Gruber, radicada desde hace una década en México, ha presentado varias exposiciones con piezas de notable belleza. Cerámica de Cuernavaca, por su parte, está colocando en el comercio algunas vajillas de muy aceptable fabricación a precios realmente accesibles. En materia de porcelanas importadas, en almacenes departamentales y tiendas de decoración se pueden conseguir, casi siempre aprecios inflados, piezas de Lladró, en general cursis pero que tiene el misterio de encantar a las personas, y también buenas vajillas inglesas y alemanas.

Finalmente, para los que se contentan con la simple admiración de la belleza, pero sin sentir la necesidad de aumentar el adeudo de sus tarjetas de crédito, el museo Franz Mayer exhibe varias verdaderas joyas de porcelana china, como un gran platón con el escudo de armas del virrey conde de Gálvez, unas palomas chinas de mediados del siglo XVIII, y un par de figuras que representan a los gemelos Ho y Hua, dioses de la buena suerte, también de la dinastía Ching. En el Museo Nacional del Virreinato, en Tepotzotlán, también pueden admirarse tibores y porcelanas chinas, japonesas y europeas.

Este texto fue publicado en noviembre de 1987 en la revista Expansión de la ciudad de México.

La famosa vajilla azul de Sanborns

2008-09-13T16:37:00.000-07:00

Cuando los ya legendarios hermanos Sanborn fundaron su botica y fuente de sodas en un pequeño local de la actual calle Madero, en los bajos de la antigua Casa de los Azulejos, nadie pudo imaginar el desarrollo que ese negocio alcanzaría con los años. Corría 1903 y en poco tiempo, la pequeña fuente de sodas anexa a la farmacia cobró más importancia y se hizo popular entre los empleados de las cercanías. Pronto fue necesario ofrecer algunas comidas y así se convirtió en un restaurante. Y como tal, necesitaba una vajilla adecuada para el servicio. Aquellos eran tiempos turbulentos, y no resultaba fácil encontrar en la ciudad un proveedor confiable. De modo que los Sanborn decidieron seguir la costumbre de otros hoteles y restaurantes, y escogieron para el comedor una vajilla inglesa con un motivo chino, muy elaborado y pintado en azul cobalto.

Ochenta años más tarde, en las mesas del Sanborns de Madero (y las otras 44 unidades en todo el país) se siguen sirviendo las enchiladas, las hamburguesas y el café‚ en la misma vajilla azul, con los dos pájaros que unen sus piquitos en el centro del dibujo, sobre un paisaje típicamente chinesco, con sus pagodas, sus montañas, sus bosques y la barca que navega frente al puente de piedra, sobre el cual se ve la figura de tres pescadores con sus implementos de pesca.

Esta famosa vajilla fue hecha originalmente en Burslem, Inglaterra, y es copia de un motivo que aparece en las porcelanas "azul-blanco" que se fabricaron en China a fines del siglo XVI y principios del XVII (periodos Ming y Ching), también conocidas como "Porcelana de la Compañía de Indias", por la empresa que las llevaba a Europa y más tarde a Estados Unidos. Esas mismas vajillas, con motivos chinescos, afrancesados y también heráldicos, llegaron a México con la "nao de la China", y ejercieron una gran influencia sobre los artesanos poblanos que manufacturaban la cerámica conocida como Talavera, y que hoy es muy cotizada.

En su versión original, cada pieza de la vajilla tiene un formato distinto, y quienes la han visto completa explican que el conjunto es la narración de una sencilla historia de amor: un noble que vive en el lujoso palacio de la derecha, con su jardín y su cerca, se enamora de la humilde campesina que habita en la choza que se ve abajo a la izquierda, al otro lado del río. Los padres del príncipe, como ocurre hasta en las telenovelas actuales, se oponen al romance y los jóvenes no tienen otra salida que buscar el elixir de un mago, que los transforma en un par de tórtolas, unidas para siempre por encima de la incomprensión.

La vajilla se importó desde Inglaterra durante muchos años, y a fines de los años 30 todavía podían comprarse, en la planta alta de la Casa de los Azulejos, piezas sueltas de la misma losa, como tazas, teteras y cafeteras. Durante la Segunda Guerra Mundial Sanborns comenzó a comprar su vajilla en Estados Unidos, aunque con una calidad menor que se observa tanto en la precisión de la impresión como en el grosor, bastante mayor, de las piezas. Además, con el objeto de abaratar la producción se suprimió la secuencia de la historia de amor y se escogió un solo dibujo, el ultimo, para todas las piezas.

Con relativa frecuencia aparecen en las tiendas de antigüedades de la ciudad de México, e incluso en el mercado dominical de La Lagunilla, piezas sueltas de esta vajilla clásica, que se cotizan a precios bastante altos por lo atractivo del motivo.

Después de la Guerra, a medida que Sanborns se iba extendiendo por toda la ciudad primero y luego en varias capitales de provincia, la importación resultó complicada y costosa, de modo que hubo que confiar la producción de la vajilla a un proveedor local. Desde hace unos 30 a¤os se produce en la fábrica La Anfora, que le dedica un departamento especial.

"Producir esta vajilla requiere un trabajo lento y cuidadoso, y por lo tanto muy costoso --explica el licenciado Rodolfo Mondragón, del departamento de compras internas de Sanborns--. De hecho, La Anfora surte nuestros pedidos en cuatro meses, o sea que siempre mantenemos una reserva de por lo menos seis meses. En materia de tazas para café, por ejemplo, esto equivale a tener en el almacén unas 15.000 piezas".

Para los restaurantes Sanborns sería mucho más f fácil y económico disponer de una vajilla más sencilla, como las que La Anfora produce para otros cadenas de restaurantes, pero el motivo chino es tan típico y familiar que la clientela se sentiría traicionada. Y consentir a sus asiduos tiene sus bemoles: cada mes, Mondragón hace un estimado de las piezas rotas, despostilladas y "desaparecidas", y formula sus pedidos.

"A pesar de que la vajilla es más gruesa y resistente que las antiguas --explica Mondragón--, de todos modos se rompen con cierta frecuencia, tanto en las máquinas automáticas que las lavan como cuando los empleados recogen los "muertos" de las mesas y los apilan en las canastas. Es algo inevitable, lo mismo que las piezas que algunos clientes, sobre todo turistas, se llevan de recuerdo". De las 15 piezas que integran actualmente la vajilla (platos de 7 tamaños, 2 platones ovalados, 3 tazas, tarro cervecero, tazón para cereales y salsera), la que sufre más daños es, previsiblemente, la taza de café: cada mes se rompen entre 2.500 y 3.000 piezas; le sigue en la lista negra el plato de café, con unas 1,500 pérdidas mensuales.

¿Seguirá Sanborns ofreciendo la curiosidad de esta exótica y romántica vajilla? Mondragón es categórico: "La vajilla azul es tan típica de nuestros restaurantes que sería un verdadero pecado cambiarla".

Este texto se publicó en la revista Expansión de la ciudad de México, septiembre de 1990. Para quienes no conocen este país, Sanborns es una cadena de restaurantes y cafeterías muy tradicional. La vajilla azul se sigue usando sin cambios hasta la fecha.
Sitio web de la tienda: www.sanborns.com.mx
Nota en 2002: Con los años hemos aprendido muchas nuevas cosas respecto del tema que se ilustra en las vajillas de Sanborns, y que es muy notorio en los platones y fuentes, donde se despliega por completo. En realidad se trata del llamado tema willow (o motivo del sauce), es decir una escena de pescadores, lagos, barcas y árboles, muy típica, específica, que ha sido copiada y adaptada de mil maneras.

Para la exposición de cerámica inglesa del Museo Franz Mayer, se pudo observar un plato excelente, de 1815, con este tema, en la colección de Benjamín Dominguez. Está fotografiado en el catálogo que publicó Artes de México. Cotejamos esta foto con los platones de Sanborns de nuestra colección, y los motivos resultan maravillosamente parecidos. Definitivamente es otra copia.

Según Fleming y Honour (Diccionario de las artes decorativas, Alianza Editorial, España), el motivo del sauce es un dibujo de chinería usado con calcomanías en la cerámica azul bajo cubierta, que se le atribuye, no a los chinos sino al inglés Thomas Minton (hacia 1780). Este diseñador habría trabajado en la locería de Caughley, en Shropshire, y su paisaje oriental fue copiado muy rápido en varias fábricas inglesas de Staffordshire, e incluso, con los sucesivos intercambios coloniales, también en China. Una divertida paradoja, como se ve, para que no creamos todo lo que nos dicen o aparenta ser. Sus componentes principales son el sauce estilizado, un templo chino, un puente con figuras encima, una barca y una lejana isla.

Dicen los autores que "se han inventado diversas historias para explicar su significado", y quizá las noticias que nosotros recibimos, y que asentamos en el artículo, pudieran ser de ayuda.

Gustavo Pérez: la entrevista

2008-09-13T16:27:00.000-07:00

Gustavo Pérez: encuentro con la cerámica

Teresa Arduino y Dino Rozenberg

En 1990, con motivo de una exposición suya en la galería López Quiroga, en la ciudad de México, entrevistamos al ceramista mexicano Gustavo Pérez, en aquel tiempo, y aun ahora, uno de los más reconocidos artistas de la nueva generación. La entrevista nunca se publicó, pero conservamos la grabación todo este tiempo porque le tenemos mucho cariño, y por algunos mensajes muy reveladores para los artistas y los admiradores al stoneware. Ahora, aprovechando los beneficios de la electrónica, publicamos una versión editada, como un postergado homenaje a su amistad, talento y dedicación.

Pregunta. Es un hecho que los ceramistas llegan a esta técnica desde distintos orígenes. Algunos vienen atraídos por las influencias orientales, otros por el lado de la artesanía, otros de las artes plásticas, como los pintores que hacen cerámica. Probablemente no se podría decir que Picasso o Francisco Toledo sean ceramistas, aunque hayan pasado por ella. ¿Por qué caminos llegaste tú a la cerámica y al barro?

Gustavo Pérez. Empecé en 71, y para mí el encuentro con el barro fue algo fundamental, un encuentro con el barro en el torno. No fue solamente descubrir las posibilidades expresivas y plásticas de la arcilla, sino manejarlas en ese instrumento maravilloso que es el torno de alfarero. A partir de ese encuentro se dio una pasión que no se ha agotado. Es la investigación de las posibilidades plásticas, estéticas, expresivas que el barro tiene a partir de lo que el torno puede dar.Veo la cerámica como oficio y como fundamento de lo que voy consiguiendo. Es el oficio de alfarero, como una técnica que permite producir cosas funcionales o estrictamente expresivas, formas plásticas no funcionales. O esta combinación ambigua en lo que ha resultado todo mi trabajo hasta el momento. Sí son formas tradicionales, en el sentido de que 99% de lo que produzco es vasija y tiene un fondo. En esa ambigüedad nos movemos muchos de los ceramistas que tuvimos la fortuna de entrar a la cerámica a través del torno. Es algo muy definitorio y difícil de abandonar, y que no se trata de abandonar, porque sus posibilidades son inagotables.

¿Habías tenido en la familia o el medio cercano gente que se dedicara a esto, o habías visto trabajar el torno?
GP. De niño nunca lo vi trabajar. Tengo la impresión de haberlo visto por primera vez en la escuela de La Ciudadela, en las manos del maestro Felipe Bárcenas, que son unas manos que hay que ver tornear. Después de tantos años, a mi todavía me hacen pensar en cómo es posible que, después de ver tornear a Felipe Bárcenas, no suceda que todo el mundo quiera ser ceramista. Sucede que no es así. Hay algunos que caemos en esa trampa, y muchos otros que sólo lo ven como fascinante. Aunque creo que nadie escapa a la fascinación de ver manejar el barro de esa manera, con esa sofisticación y delicadeza, hay obviamente muchos que no necesitan comprometerse de esa manera con el oficio.

Estuviste estudiando en México y luego te fuiste a Holanda…
GP. Eso fue después. Yo tuve dos años de aprendizaje en la EDA, después un intento de taller en la ciudad de México, que duró seis meses, otro taller en Jalapa, de cinco o seis meses, y un taller por cinco años en Querétaro, que se volvió fábrica y del cual me fui.

Es algo que le ha pasado a muchos ceramistas.
GP. Es un proceso que se ha dado en varios casos. El que empieza con la cerámica como oficio expresivo, que quién sabe adónde lo va a llevar a uno, porque nadie sabe, y que en el camino se topa con la realidad mercantil y comercial, que es fuerte. En muchos casos se da este cambio de ruta, que no necesito llamar caer en trampas; es una decisión muy conciente de derivar hacia lo más integrado, a como funciona un sistema. Es el problema de la producción masiva, como en una fábrica, con empleados, con el grandísimo riesgo de volverse administrador en vez de ser ceramista. Ese es el gran riesgo, y en muchos casos se ha visto cómo la dedicación personal al barro se vuelve cada vez más difícil y llega a ser tan lejana como la de un contador que está administrando un negocio. Este es un fenómeno que se ha visto muchas veces, determinado por las circunstancias sociales y económicas que vivimos, y las circunstancias individuales de cada quien, que lo hacen escoger por uno u otro caminos. En el caso de muchos ceramistas que se prepararon en nuestro tiempo en la EDA, ha habido esta derivación hacia trabajos técnicos en instituciones dedicadas a promover la producción de la cerámica en el estado de México, en Puebla, y en otros de la república. Y que han llegado a ser técnicos importantes, capaces de producir en un día las piezas que yo hago en tres años. Tengo mucho respeto por el trabajo de esta gente, solamente es cuestión de opciones y alternativas diferentes.

De dónde salen tus búsquedas, la inspiración, los temas, los colores. ¿Es una búsqueda, hay que leer, hay que probar mucho, es como un laboratorio, o hay ciertas cosas que son arquetípicas y uno va detrás de ellas? ¿Cómo es que trabajas?
GP. Hay algo de todo eso. El taller es un laboratorio, hay muchas pruebas en proceso, muchos accidentes que suceden, y que es una de las fortunas que se pueden dar en el trabajo, que se equivoca uno con harta frecuencia. Llevo diez o doce años aprendiendo concientemente de cada pata que meto. Antes de reaccionar con enojo y botar lo que golpeé al pasar o porque se me cayó una herramienta encima de una pieza, observo con atención porque muchas veces ahí hay temas o soluciones técnicas. Son ideas concebidas muy poco "arcillosamente", pero que encuentran su materialización a partir del pincel que se me cayó sobre la pieza fresquecita y la echó a perder. Así hace falta aprender, son lecciones y posibilidades que aparecen, independientemente de lo racional, de lo técnico, de lo que mandan los cánones del oficio. Esa es una fuente importante para la creatividad.Hay que leer, pero no nada más sobre cerámica. Hay muchas búsquedas que son producto de la lectura de los novelistas y los poetas que a uno le importan, y para mí, hay muchísimo que tiene que ver con música.Porque el trabajo fue realizado con cierta música que me da un ritmo, o porque corresponde a algunas imágenes producidas por Bach o Mahler, o quién sabe. Hay muchas influencias como la obra de otros; es algo que en muchas ocasiones funciona como un espejo, como una referencia importante a la cual hay que acudir. Naturalmente no se trata de copiar a nadie, pero es importantísimo referirse a lo que ha conseguido tal o cual ceramista o pintor o músico. Claro que en este caso las referencias más fuertes son de la cerámica, las más inmediatas. Entonces hay que ir a buscar la cerámica maya y zapoteca, y hay que ver Jaina, y la de Occidente, lo chino y lo coreano, y toda la cerámica que se ha hecho en la historia, y que es referencia importante. Y con todo esto, quizá lo central, lo fundamental, es el trabajo cotidiano, que va a ser la fuente generadora de las siguientes necesidades de búsqueda de los encuentros fértiles.
En muchas ocasiones voy al taller a ver qué hay, y a veces hay una secuela, un desarrollo, que pide ir al taller a continuar en ese punto. Muchas veces este punto en el cual hay que continuar es puesto a un lado para ir por otro sitio, y hay ocasiones que de lo que se trata es de llegar al taller a ver qué quiere el barro hoy. En realidad, puede pasar que no sepa qué voy a hacer con él, sabiendo que hay opciones múltiples. Quizá hay en un momento tres o cuatro temas, temas que podrían ser motivo de trabajo sistemático durante años.La posibilidad de concentrarse en uno de ellos es algo que sucede por lapsos más o menos largos, pero no definidos con total claridad.

¿Dibujas antes o trabajas directamente sobre el barro? ¿Pintas, haces notas?
GP: Dibujo y llevo un diario, y al estarlo haciendo pienso que mañana voy a llegar al taller a hacer eso que dibujé, pero creo que nunca jamás ha sucedido que haya concretado cosas dibujadas en los cuadernos. Son referencias, un contrapunto. Una pieza escrita o descrita no es de barro. Entonces, al llegar al barro aquello es otra cosa. Es un material distinto, reacciona diferente, y a pesar de que al dibujar una pieza me refiero a todo lo que sé sobre la plasticidad y el comportamiento de la arcilla, naturalmente nunca puedo dibujarla como barro. Es solamente una referencia, otra vía expresiva, y es por ello que mi trabajo ha llegado en los últimos años a desarrollarse también sobre papel, pero sabiendo que es otra cosa, otro camino.

Te importa mucho el material, el barro, el esmalte… lo cambias, le subes o bajas las temperaturas, le adicionas materiales, le entras a la química de los materiales, o los tomas como son, en una forma estándar, y sobre esto te sigues.
GP. Creo que la experimentación con los materiales es algo que no ocupa un lugar demasiado importante. Van suficientes años como para haber desarrollado el cuerpo, así se llama la arcilla con la que se trabaja, que yo necesito. Y teniéndolo no necesito otro. En ocasiones hay piezas que me piden un cuerpo más abierto, un cuerpo más fuerte, que permita hacer cosas más grandes, más gruesas. Eso es muy sencillo. No requiere una gran investigación química; hay que añadirle más de esta arena gruesa, que permite que se escape el agua y el aire con mayor facilidad. No es mucha química.Mis esmaltes son el resultado de 19 años de pruebas que, esas sí, siguen dándose. La investigación en materia de esmaltes sigue, pero de las 300 o 500 pruebas de esmaltes del año, quizá uno se integra a prueba al uso. Y de repente, alguno de los esmaltes favoritos de 10 o 15 años se cae, y ya no se vuelve a preparar. Cada vez entiendo mejor que un ceramista maduro tiene dos esmaltes y se acabó. Uno oscuro y uno claro, y con esos hace todo lo que le hace falta, porque su investigación está mucho más concentrada en la forma.

La cerámica de alta temperatura es pobre de color. ¿Es una ventaja para el artista no tener que trabajar con una paleta grande y brillante, o es una limitación con la que se convive?
GP: Yo no estoy totalmente de acuerdo en llamarlo pobre. Diría que es limitada, y son dos cosas diferentes. Las limitaciones son con las que uno aprende a trabajar, la pobreza es carencia de algo. Es cierto que la gama de color en la alta temperatura es limitada, y comparándola con la de la cerámica de baja temperatura es mucho menor, pero la calidad posible de estas cubiertas, de estos acabados de las vasijas es de una calidad tal que puede ser muy rica en su aparente discreción, en sutileza y carencia de tonos brillantes, de contrastes. Con esto se puede jugar mucho, y dentro de esta gama limitada de colores y texturas, yo todavía elimino muchas de ellas para quedarme con unos cuantos esmaltes que bastan. Son suficientes.

Hay una lucha entre las cosas expresivas y las utilitarias, y muchas veces la apreciación tiene en cuenta si las piezas sirven para algo, y están más cerca de la artesanía, o si son formas expresivas, y entonces están más cerca del arte. Parece haber una decisión de fondo sobre si las piezas son de una u otra característica…
GP. Creo que esto está resuelto en una forma práctica a partir de si las piezas son estrictamente funcionales, como vajillas y juegos de café o te, floreros, hechos en serie, donde la serie es justamente la que determina esto. La otra posibilidad, que yo he tomado hace algunos años, es la de no hacer vajillas y no tomar pedidos de ninguna especie, sino hacer lo que yo quiero hacer. En ese momento, aunque algunos trabajos sean platos, aunque algunos sean floreros, son otra cosa para mí porque tienen que ser lo que quieran ser en ese momento, en ese día, en ese momento del desarrollo del tema tal. No tienen que satisfacer ningún requerimiento o especificación del cliente que va a usarlos, no sé para qué.

Lo que ocurre con algunas piezas es que son hechas para usarse, pero de repente cierta gente les ve cierta característica que las inhabilita para ponerle cosas dentro, por ejemplo. Como si alguien dijera, esto está tan bello, tiene una textura o incluso un valor económico tal, que le daría temor o una sensación reverencial de ponerle flores, una vela, fruta, o cualquier otra cosa. Hay gente que evita manipularlas como si fueran objetos cotidianos. Corren el riesgo de convertirse en decorativas por razones que tú no has tenido en cuenta al hacerlas.
GP. Creo que he dejado de preocuparme de esto. Mis piezas están concebidas como formas en barro, que pueden o no ser utilizadas para otra cosa. No hay ofensa si son usadas. Yo no tengo el sentimiento de que mis cosas sean para una vitrina y para no ser no tocadas, pero tampoco estoy preocupado de que sean verdaderamente funcionales. Es el diseño industrial de las cerámica el que tiene una serie de exigencias que yo ya no tomo en cuenta al producirlas. La fragilidad de los bordes de algunas de mis piezas, el peso que puede ser mínimo o excesivo, la inestabilidad en algunos casos, son más bien temas plásticos, formales, que requerimientos funcionales. La investigación va por otro lado, y la consideración de la función está quizá en un nivel muy primordial, muy característico de la cerámica cuando es o parece vasija. Es una ambigüedad.

¿Hay muchas piezas que cuando salen del horno o en el proceso de fabricarlas pierden el atractivo y se destruyen?
GP. Sí. Hay muchas piezas que en el proceso son destruidas, de preferencia cuando están recién hechas, porque el barro se recupera, se reprocesa y se acabó. Pero hay muchas piezas que salen del horno y no satisfacen, cuando el fuego no hizo lo que uno quería, o cuando lo que hizo el fuego resulta desastroso. La posibilidad de planear una exposición, por ejemplo, o una colección de piezas, exige un trabajo de meses y años. Cada horneada (y hacemos una o dos al mes), puede dar optimístamente cinco piezas para una colección, siendo que se queman cien o más, entre mi trabajo y los de los aprendices y ceramistas del taller. De esas cien piezas quizá haya 60 mías, yo escojo tres para una exposición, y lo demás entra en una categoría no de segundas o fallidas, pero que no cumplen con un nivel de exigencia. Eso es producción y se puede vender, no es fallas. Quemo con leña y gas, pero no uso horno eléctrico. El horno de leña lo tengo desde hace dos años y estoy investigando con él. No es el horno en que haga lo básico, pero tiende a volverse más y más importante.

A pesar de la técnica y la experiencia y el control que uno pueda ejercer sobre estos materiales y sobre la herramientas, el horno sigue siendo algo llamemos mágico en cuanto a sus resultados.
GP. Si no es mágico, al menos es altamente imprevisible. Siempre hay riesgo. Este es un momento fundamental de la transformación de la arcilla en cerámica, y es un momento sobre el cual tiene uno un control relativo. Uno puede hacerlo llegar a la temperatura deseada, y llegar a esa temperatura no es garantía de conseguir los efectos buscados. Hay que controlar la atmósfera y la entrada de oxígeno para que se dé la transformación del verde al rojo, o del amarillo al verde, el celadón. Hay muchos efectos que hacen que un solo esmalte pueda tener siete caras o aspectos diferentes, de los cuales cuatro pueden ser valiosos y tres desastrosos. Entonces uno juega a poner la pieza en el espacio del horno donde suele darse el efecto favorable. Pero puede ser que esa vez, el efecto desastroso se da justamente en ese sitio, y la pieza se echa a perder, o puede ser cualquier cosa. Incluso que uno descubra que, después de todo, el efecto desastroso no es desastroso sino extraordinario, y lo que pasaba es que uno no había podido entender cuáles eran sus sutilezas o capacidades expresivas.

Digamos que abrir un horno sigue siendo como una misteriosa aventura.
GP. Es como el seis de enero para los niños. Es saber qué te regaló el horno. Abrir un horno es siempre el día de culminación de algún ciclo de trabajo, y está lleno de sorpresas y decepciones, y de vez en cuando de cosas sorprendentes, extraordinarias, todo junto.

Hablemos un poco de la alta temperatura, como medio, como material en México. Reconoces que hay poco interés en el público, en las galerías de arte y en los coleccionistas respecto de la cerámica que podemos llamar contemporánea, para separarla de la popular o de otro tipo. ¿Hay un mercado para esta técnica?
GP: Yo creo que la presencia de la cerámica como medio contemporáneo de expresión es muy pequeña en el país. Comparados con el número de pintores que hay en la ciudad de México, los ceramistas de todo el país somos una familia chiquita, ni siquiera a familia llega porque no nos conocemos. Hay cerámica en la ciudad de México, en Jalapa desde luego, en Monterrey, Guadalajara y seguramente hay talleres en otras partes, pero no nos conocemos. Aparte de la bienal de cerámica, que ha sido programada y pospuesta, mi experiencia personal es tener que convencer al público de que la búsqueda que se está llevando a cabo en un taller de cerámica es, en muchos casos, del mismo nivel de compromiso que la que llevan a cabo los pintores y los escultores, por mencionar las ramas de la plástica que sí son comprendidas, valoradas y apreciadas con relativa facilidad. Hay muchísima gente que todavía tiene una mirada de incomprensión respecto de la cerámica. Es un medio que puede ser observado con una cierta atención, pero como una curiosidad, como algo que dada esta ambigüedad entre oficio y arte, esta diferencia dificilísima de trazar entre arte y artesanía. Muchos prefieren quedarse con la duda. Es a los ceramistas a los que nos corresponde, no la labor de promoción o publicidad o manejo del mercado que los haga entender que esto es arte, sino hacer un tipo de trabajo que haga patente el valor real expresivo de lo que estamos haciendo. No se trata de quejarnos y lamentar que somos incomprendidos y estamos al margen del mundo del arte o del mercado del arte, lo que es real, sino de ganarse un lugar ahí adentro. Y esto se logra con el trabajo en una forma sólida. Cualquier otra cosa que sea producto de una campaña publicitaria puede caerse si el trabajo no lo soporta. Pero es cierto que hay una situación especial y diferente respecto de la cerámica. Para mucha gente es barro y se puede romper, pero sabemos que hay piezas de cerámica de 27,000 años de edad. No hay un solo cuadro en tela, que yo sepa, que llegue a los 1000 años. Si llevan 500 o 600, como los de la Edad Media o el Renacimiento, han sido restaurados y repintados muchas veces, y se ha sustituido o reforzado el lienzo. Las piezas de cerámica sobreviven 10,000 o 15,000 años, con el único detalle de que no hayan sido golpeadas o se hayan caído. Fuera de ahí no requieren ninguna restauración mayor ni cuidados especiales, ni atmósfera de humedad o temperatura controladas, porque se cuidan solas. La fragilidad es un argumento que tampoco les va. Es una forma expresiva muy resistente, en cercanía con la piedra y el bronce. Sabemos que existe cerámica buena, antigua y atesorada. ¿Qué valor puede tener una pieza de Jaina, una esculturita o un vaso maya, una forma antropomorfa de las culturas de Occidente? Debe ser incalculable, y de esto no hay ninguna duda. Y si hablamos de piezas coreanas o chinas antiguas, valen desde luego lo mismo que la pintura más importante.Llegando a nuestros tiempos ocurre que la cerámica está en un campo un tanto vago, con dificultades de aceptación, y esto quizá es porque no tiene esa calidad de absolutamente convincente. Este carácter de fuerza y calidad expresiva que no deja lugar a dudas en el sentido de quererse atesorar, que es lo que hace a un coleccionista, por ejemplo.

¿Cómo es tu rutina de trabajo? ¿Trabajas solo, con asistentes, te preparas tus propios materiales?
GP. Trabajo en un taller con cuatro ceramistas y aprendices, y hay un empleado que me ayuda con la preparación de los materiales, algo muy reciente. Siempre había sido preparado en equipo. Algunas de las tareas estoy tratando de delegarlas en un empleado que también es un aprendiz y al que pretendo enseñarle el oficio. El trabajo es individual. Cada quien hace lo que quiere y puede, pero se comparte el espacio en las quemas. Respecto de los materiales procuro cierta distinción de desarrollo individual, aun en el caso de los esmaltes, con la pretensión de que cada quien desarrolle su propia paleta, que es fundamental. Es algo sospechoso que los esmaltes que yo creo que le van bien a mi trabajo, sean los que usen los demás ceramistas del taller. Esto indicaría que quizá no se ha dado un desarrollo creativo, y una preocupación más profunda por desarrollar eso que ellos necesitan, que cada quien necesita para sus piezas.

Notas aclaratorias.
La EDA es el antiguo nombre de la Escuela de Diseño y Artesanías, que funcionó durante muchos años en un edificio colonial conocido como La Ciudadela, en la avenida Balderas, en el centro de la ciudad de México. Depende del Instituto Nacional de Bellas Artes, y hace unos años fue trasladada a otro sitio. La conocimos en 1976, cuando el director del taller de cerámica era el maestro Enrique Rangel, y le acompañaban el tornero Felipe Bárcenas y el moldero Enrique Tavares. Teresa pasó un año ahí, junto con un puñado de curiosos personajes. Había uruguayos, belgas, brasileños, argentinos y naturalmente mexicanos, la mayoría de ellos interesados en una cerámica de expresión contemporánea. Sobra decir que nadie iba la EDA a aprender "artesanías" en el sentido popular de la palabra, y que el origen de sus alumnos era típicamente clasemediero, dicho con el mejor sentido. Quizá un caso diferente fue el de un arqueólogo mexicano, que estudiaba para mejor entender la cerámica prehispánica y colonial, a la que dedicó varias publicaciones los años siguientes.
Jaina y las culturas de Occidente, que Gustavo Pérez menciona, son dos orígenes de cerámica fina prehispánica de México.
Algo sobre Gustavo Pérez.
Nació en el D.F. en febrero de 1950 y empezó a trabajar la cerámica en 1971. Estudió algo de ingeniería, matemáticas y filosofía. En la EDA tuvo como maestros a Rangel, Bárcenas y Martín Lima. Después de crear un taller en Querétaro, que manejó durante cinco años, obtuvo una beca y viajó dos años a Holanda, para estudiar con Johan van Loon. En 1984 instaló su taller "El Tomate", en el rancho 2y2, cerca de Jalapa; en 1992 se trasladó a otro en Zoncuantla, también en Veracruz. A partir de 1975 participó en una decena de exposiciones colectivas, y realizó una cantidad similar de muestras individuales en México y Holanda.
En noviembre de 1992, en la Galería Metropolitana de la ciudad de México, Gustavo Pérez presentó su muestra "Mudanzas, el dibujo de la cerámica", y con este motivo se publicó un catálago-objeto, con una monografía escrita por Fernando Solana Olivares y veinte tarjetas de cartulina, con fotografías a color de otras tantas piezas de cerámica. En 97, se podía comprar todavía este catálogo en la librería de Casa Lamm, en la calle Alvaro Obregón. Aquí se señala que las obras fueron quemadas en horno de gas con atmósfera reductora, a 1260ºC (cono 9). Hay muchas vasijas hechas en torno y luego retrabajadas, y la decoración es sobre todo rítmica, es decir incisiones o rayas paralelas, imitación de canastas tejidas de mimbre, impresiones con troqueles y cosas por el estilo.
En diciembre de 97, Cristina Pacheco entrevistó a Gustavo por el canal 11 de televisión. Entre otras cosas anunció que lanzaría una serie de tazas y piezas pequeñas de precio accesible, hechas en series de 30 o 50 unidades, y terminadas por sus asistentes. La idea, explicó, es que más gente pueda comprar alguna de sus obras, y estar en contacto con más personas. Mostró su horno de gas, con seis quemadores, que carece de una verdadera puerta: la gran abertura se cierra con dos paredes de tabiques sueltos, que normalmente están apilados a un costado. También mostró algunas de sus herramientas caseras, y nos llamaron la atención los "haces" de tres y hasta cinco navajas de cutter o exactos, como se conocen, amarradas con masking tape para formar una especie de cuchillo de varios filos; de esta manera, con un sólo trazo puede obtener varios cortes paralelos y equidistantes, suficientes para hacer una decoración. Aparte de esto, nos divirtió ver que, como todos los ceramistas que se precian de tales, también tiene cacharros llenos de palitos, ramas, viejos cepillos de dientes, cuchillos, chacharitas que se van acumulando y que a veces sirven y otras nunca se usan para nada. Su taller, eso sí, se ve construido para ese uso específico, con un entrepiso de madera, y muy limpio y ordenado (no sabemos si fue porque llegó la televisión).
Nos llamó la atención que tuviera muchas y grandes ventanas, porque Veracruz es un lugar muy caliente, donde el sol quema inclemente. Uno casi siempre piensa en un taller cerámico como algo más bien oscuro y fresco, donde las piezas se secan en paz, y no tanto un sitio en el que puedan deshidratarse bajo la luz de una ventana a la que se olvidó cerrar la cortina.

Otra nota, en 2001: A raíz del comentario último, un antiguo colaborador de Gustavo Pérez nos escribió para contarnos que el taller de Zoncuantla no está precisamente en un lugar caliente y soleado, sino todo lo contrario, nublado, húmedo y frío. Recordó con alguna nostalgia que los días soleados eran raros, y que les encantaba asomarse para poner sus piezas a secar.

Metepec: donde la vida se ha detenido

2008-09-13T16:24:00.000-07:00

Metepec: un mundo de artesanías

Desde hace muchos años, Metepec tiene una bien ganada fama de centro productor y comercializador de cerámicas y artesanías, y es cuna de un motivo que le da significación y personalidad únicas: los árboles de la vida. Aquí les presentamos una panorama de lo que van a encontrar, y de alguna pequeña frustración que nos llevamos.

Los árboles de la vida, de barro rojo de baja temperatura, son bien conocidas: tienen el aspecto de un candelabro de brazos (aunque no siempre tienen soporte para velas) y sólo poseen un frente, que es donde se construye la arboladura y se trabajan los relieves y la ornamentación. Por la parte posterior son planos y casi siempre ásperos. Básicamente hemos distinguido dos tipos de árboles. Unos relativamente sencillos, de no más de 25-30 centímetros de alto y otros tantos de ancho, con adornos de hojas del mismo barro insertadas o sujetas al cuerpo con pequeños trozos de alambre. Pueden estar pintados con engobes o acrílicos, o bien con algún barniz brillante, verdoso o café, de baja temperatura. Estos árboles "sencillos" son los que habitualmente tienen bases para dos o más velas, y se suelen usar para este fin. Los árboles de la vida que más llaman la atención son los que están adornados muy profusamente con figuras humanas, como una especie de "árbol genealógico" que en realidad es una alegoría del Edén o el Paraíso.

En el centro del "tronco" y a los lados, en lo que serían las ramas, los artesanos incorporan muchas figuras, animales y naturalmente decenas de aquellas hojas ya mencionadas, pegadas al sustrato con alambres. Como las piezas se queman a baja temperatura, esta inserción no tiene problemas ya que el barro resiste el objeto extraño sin romperse (como el alambre sigue siendo flexible, se pueden mover ligeramente las hojas y acomodarlas al gusto de cada quien). Algunos artesanos, en lugar de colocar a Adán, Eva, la Serpiente y los personajes asociados, han dedicado árboles a los muertos, y entonces todas las figuras son esqueletos, o calacas como se conocen en México.

Estos árboles de la vida, que pueden medir más de un metro de altura y quizá lo mismo de ancho, se venden pintados o sin pintar. Los primeros llegan a ser simpáticos y coloridos (siempre al borde de la cursilería o lo naïve), y los otros, con su discreto rojo a la vista, austeros pero impactantes. Pueden costar entre 200 y más de 1,000 pesos (a principios de 1999, esto es entre 20 dólares y más de 100).

Sabemos que en Metepec se han hecho concursos de árboles de la vida, y nos explicaron que un conocido artesano, famoso por su talento y creatividad, se llama Adrián Gutiérrez y se puede encontrar en su taller de la calle tal, pero no tuvimos oportunidad de visitarlo. Es una deuda.

Metepec es más que árboles de la vida
Nuestra reciente visita a Metepec son dejó una visión algo confusa, diríamos frustrante. La calle Comonfort es sin duda la más indicada para la visita y las compras, porque a lo largo de cuatro o cinco cuadras se alinean, una tras otra, decenas de tiendas de artesanías, básicamente cerámicas. Curiosamente no hay muchos árboles de la vida, y en nuestro recorrido más o menos minucioso encontramos sólo dos dedicadas exclusivamente a este motivo, y con piezas que valieran la pena.

En otras tiendas puede ser que haya algunos árboles pequeños pintados con acrílicos, pero nada de mucho interés. El visitante no debe pensar que se encontrará aquí con un rosario de coquetas boutiques para turistas. Muchos de los negocios no son más que grandes almacenes dirigidos al medio mayoreo, desordenadas, mal presentadas y oscuras, donde van a surtirse pequeños comerciantes y minoristas de los mercados, y las tiendas de la ciudad de México y los alrededores. Sin ir muy lejos, delante nuestro alguien llenó la cajuela de su automóvil, hasta el tope, con platos, soperos y otras piezas de vajilla, lo que obviamente no iba dirigido a su casa sino a un comercio o revendedor. Claro, no todo es igual, y entre estos feos negocios hay otros mejor presentados y con una selección de productos más interesante.

Si no hay árboles, entonces veamos otras cerámicas
Aquí, nueva frustración. ¿Si no hay tantos árboles como uno esperaría, entonces qué venden? Venden de todo, pero verdaderamente de todo, incluso manufacturas que obviamente no son de la región sino que vienen de Guanajuato, de Morelos, y de otras áreas del estado de México. Quizá el tema recurrente son las vajillas de barro rojo, bastante rústico pero muy popular, que antiguamente venían de Michoacán y que ahora, nos dijeron, se hacen ahí mismo. Su decoración es muy típica y se basa en pequeñas guardas de flores hechas a base de gruesos puntos de pincel, con un esmalte verde o blanco, alrededor de un centro negro: como si fuera una margarita de pétalos redondos. La guarda está pintada como un cintillo por todo el interior, en el caso del tazón para sopa o pozole, y en el ala o borde del plato, las fuentes y demás accesorios. Nunca se pintan las partes exteriores de las piezas, salvo en el caso de las ollas o cacerolas altas y cilíndricas, para el arroz por ejemplo, que no tiene caso pintar por dentro. Para poner una idea de su costo: el platón sopero cuesta entre 5 y 6 pesos la pieza, 30 pesos (3 dólares) la media docena. Esta cerámica es muy vistosa y en los últimos años ha tenido una enorme difusión en el Valle de México. Se vende prácticamente en todos los mercados callejeros.

Si uno busca con cuidado o tiene suerte de encontrar un proveedor serio, tendrá piezas primorosas en su sencillez. Por desgracia, y como ocurre con otras artesanías mexicanas, la producción masiva en decenas de talleres anónimos produce una especie de corrupción que destruye todo el valor. Las piezas salen chuecas, rotas, manchadas o mal esmaltadas, sin el encanto por el que la gente y los turistas estarían dispuestos a pagar un peso más. No es que uno busque cosas perfectas, faltaba más, pero definitivamente una cosa es una artesanía y otra una chapucería.

Más allá de las vajillas de florecitas
Aparte de esta vajilla, en Metepec se pueden comprar muchos otros tipos de cerámica, pero en nuestra opinión, ninguna vale gran cosa. Había diseños francamente grotescos, mal hechos, ridículos, pintados con pinturas fosforescentes, como si alguien se dedicara a probar y probar, y todos sus fracasos y fallas las pusiera a la venta en lugar de destruirlas. También aparecen esos engendros supuestamente graciosos o humorísticos, como los tarros cerveceros que simulan un pecho de mujer, digamos una teta, y que despiertan más pena que simpatía.

Y vuelvo a la carga: no es que tengamos una actitud elitista o conservadora. Creo que sabemos reconocer cuándo hay un producto de valor, que merece seguirse haciendo, y que se compra y se usa con gusto, y cuándo estamos frente a productos comerciales, hechos al vapor y sin ningún cuidado.

Resumen: Metepec es sin dudas un lugar muy interesante para los aficionados a las artesanías y las cerámicas populares de México, porque dentro de su bullicio y diversidad es posible distinguir las grandes tendencias, los mitos y los avatares de estas artes. Una opción que recomendamos, sobre todo durante la semana, es tomarse tiempo para visitar algunos talleres de las inmediaciones (hay decenas). Es muy interesante visitar a quienes fabrican la vajilla roja o los árboles, y casi siempre reciben gustosos a quienes los visitan, mejor todavía si muestran algún interés de compra. Nosotros no lo hicimos ahora y no tenemos nada que recomendar, pero lo haremos en cuanto podamos regresar con algo de tiempo.

Para el almuerzo y de regreso a casa
Basta de cerámicas por hoy, que ya dijimos mucho. Con nuestras vajillas, y platos, y un bonito árbol de 200 pesos, comimos en el centro de Metepec, a unas tres cuadras de Comonfort y cerca del zócalo y la iglesia construida en la falda del cerro. Hay varios restaurantes y cafeterías, sencillos y de precios razonables. Si se desea otro menú, en la carretera de regreso a México, por la lateral derecha, hay un par de restaurantes lujosos, y hoteles como el Holiday Inn, que tienen comedores y bares. Más adelante, en la zona boscosa y alrededor del parque La Marquesa, hay un área de restaurantes mexicanos típicos, con carnes, truchas frescas y antojitos.

Cómo llegar a Metepec
Para llegar a Metepec desde la ciudad de México se toma la autopista de cuota a la ciudad de Toluca (por la continuación del Paseo de la Reforma); al concluir esta carretera y a partir de la glorieta con la estatua ecuestre de Emiliano Zapata, comienza el llamado Paseo Tollocan, que tiene vías centrales y laterales. Se avanza por el centro hasta la salida "Pilares" (hay un letrero y una flecha a la derecha), se abandona el carril central para tomar la lateral, y en el primer semáforo se dobla con cuidado a la izquierda. Pasamos por debajo de Tollocan y seguimos de frente por esta calle Pilares, que después de unos 15 minutos, con algunas curvas y topes, termina en la mismísima Comonfort y su centro de artesanías. Son unos 65 kilómetros de distancia, y se recorren en no más de una hora. El regreso es por la misma vía.

Por el paseo y la frustración: Dino Rozenberg

Cerámica de Mata Ortiz, México

2008-09-13T16:19:00.000-07:00

La cerámica de Mata Ortiz, en Chihuahua

Juan Quezada

por Elaine Levin

Los coleccionistas de cerámica entenderían la excitación de Spencer McCallum, en 1976, cuando encontró algunas piezas que semejaban las de la cultura de la vieja Casas Grandes, mientras estaba en viaje de negocios por el sur de Nuevo México. Empujado por su entrenamiento como antropólogo, entró a explorar en un negocio local de cosas usadas, y su curiosidad creció cuando el propietario insistió en que los vasijas no eran antiguos, sino que habían sido intercambiadas por gente humilde mexicana, por ropas usadas. El complejo diseño de los cacharros y las líneas laberínticas lo llevaron a buscar en el norte de México, tratando de encontrar el alfarero.

Llevando sólo algunas fotos de las piezas (para evitar problemas con la aduana), Spencer preguntaba a todos los que encontraba. Finalmente fue dirigido a un pequeño pueblo al sur de la antigua Casas Grandes, capital de Paquimé [en el estado de Chihuahua, México]. Teniendo en cuenta que los alfareros de los indios Pueblo eran generalmente mujeres, Spencer se mostró escéptico cuando Juan Quezada, un ex-leñador y trabajador del ferrocarril, reclamó como suya la hechura de las piezas. Juan estaba asombrado de que alguien estuviera interesado por su cerámica, y le aseguró que lo que había en ese negocio de segundas, no representaba lo mejor de su producción.

Esta preocupación por la calidad, como Spencer aprendió más tarde, era una característica de Juan, quien, con sus 39 años, continuaba investigando los modos de mejorar sus formas, colores y diseños. Enteramente autodidacta, Juan fue atraído hacia el barro por los fragmentos de cerámica antigua que encontró cuando trabajaba como leñador, a la edad de 13 años, en las montañas cercanas a su pueblo.

Estos restos de la cultura Casas Grandes excitaban su imaginación, de la misma forma que los tepalcates encontrados en las excavaciones de las ruinas cercanas a sus casas, lo hicieron con alfareros como Nampezyo y María y Julián Martines, de San Ildefonso. Contrariamente a estos famosos alfareros, Juan no tuvo una tradición familiar para adquirir su destreza. Cuando joven, dibujaba en cualquier superficie disponible, experimentando hacer pinturas de cualquier material natural que encontrara, incluso insectos (langostas o grillos). Más tarde recogió materiales para hacer colorantes y engobes mientras trabajaba en las montañas, donde en temporada recolectaba miel silvestre, frutos del roble y pencas de maguey, para complementar lo que ganaba cortando madera. Juan guardaba los "tepalcates" (pedazos de cerámica) que encontraba, rompiéndolos y examinándolos una y otra vez, y razonando, a la edad de 15 años, que él podría hacer cerámica también, porque los materiales para producirla debían estar cerca.

Al principio la técnica se le escapaba. Desistía, y luego regresaba nuevamente a luchar con el barro. Las primeras piezas exitosas se las dio a sus amigos, y pronto llegaron a comprarle algunos comerciantes de Palomas y Casas Grandes. La idea de hacer algo que disfrutaba mientras se ganaba la vida, no se le ocurrió hasta estas primeras ventas. Spencer y Juan se conocieron seis años más tarde y, para ese entonces, el artista había desarrollado sus propios métodos con la cerámica. No lejos de su pueblo encontró varias diferentes clases de barro, algunas que contenían una arena fina natural. Mezclándola, desarrolló una formula que tiene buena plasticidad, fuerza al someterla al calor de la quema y un cálido color. Después de dejarla envejecer durante dos o tres semanas, tomaba un pedazo de pasta, formaba una "tortilla", y la emparejaba con un palote de cocina. Esto lo extendía sobre un molde cóncavo, cortando lo que excedía y suavizándolo con los dedos. La forma de yeso le da a la pieza una base redondeada que se asemeja a las usadas por los alfareros prehistóricos, algo que Juan ignoraba hasta que más adelante, él y su hermano Nicolás se toparon con algunas de ellas en una cueva de la montaña.

Un simple, grueso rollo de barro se agrega alrededor del borde de la pieza, su grosor es determinado por el tamaño en que se la planea. Con los bordes firmemente controlados, la vasija es rotada lentamente, sus paredes adelgazadas y levantadas mientras los dedos de Juan la van apretando en forma uniforme, hasta llegar a tener un grosor de 1/8 de pulgada. Con movimientos regulares de un cuchillo de bordes dentados sobre el exterior contra la presión de los dedos en el interior, obtiene una pared uniforme; luego usan un cuchillo de hoja regular para preparar la superficie para el engobe y la pintura. Antes que la pieza se seque, se le aplica un engobe color crema o beige muy claro. Cuando ya está firme, Juan empieza un diseño; trabaja intuitivamente, sin boceto anterior, haciendo que la decoración de cada vasija sea diferente, aunque ciertos elementos -partes de animales, líneas con formas de hacha, escalones y tableros de damas- aparecen en distintas combinaciones sobre muchas de ellas. Aplicando primero las líneas negras, gira la pieza 180º cada vez que termina un motivo, de forma tal que la repetición simétrica de las unidades sea tan exactas como sea posible.

Aunque la repetición es también una característica de la cerámica polícroma de Casa Grandes Ramos, las vasijas de Juan despliegan una conexión más compleja y entrelazada. Al principio se rellenan las áreas que van en negro sólido, luego las rojas y finalmente se retoma el pigmento negro para delinear las zonas rojas y hacer los límites más precisos. Se rocía aceite vegetal sobre la superficie de las piezas para impedir un secado demasiado rápido, que podría causar rajaduras en el barro. El único toque de tecnología occidental es un pedazo de plástico colocado sobre la pieza mientras el artesano la frota suave y rápidamente con una piedra para fijar los colores. Juan conjetura que sus predecesores de Casas Grandes usaban la fina piel del maguey para el mismo propósito, como él lo ha hecho experimentalmente. La vasija se deja secar lo suficiente para hacer un bruñido definitivo; la calcedonia es una de las mejores piedras para este propósito, y es modelada por abrasión bajo el agua y luego pulida con cuero. Después del bruñido la pieza se deja secar durante varios días antes de quemarla.

Algún tiempo después que Juan comenzara a trabajar activamente con el barro, su madre le mencionó que su madre, es decir la abuela de Juan, había sido alfarera, aprendiendo el oficio de la tatarabuela de él. La tradición se rompió durante la infancia de la madre de Juan, cuando las vajillas esmaltadas se hicieron populares y el mercado para lo que ellas producían disminuyó; de esta forma, ella no podía ofrecer ningún consejo técnico. Juan aprendió a quemar por prueba y error, primero con leña, luego carbón y finalmente con estiércol seco de vaca. Con esta última, sus procedimientos se asemejan a los de los indios del sudoeste: él también protege sus piezas del fuego directo colocando cada una de ellas bajo un bote o cubeta invertidos, montado ligeramente sobre piedras de manera que el aire caliente pueda circular. El estiércol es apilado alrededor del bote y sostenido en su lugar con alambres; luego se rocía con petróleo diáfano (kerosene) y se enciende. Usualmente, 15 o 20 minutos de combustión son suficientes, y la vasija se retira a que se enfríe en el horno de la casa.

En 1976, aunque Juan había perfeccionado sus habilidades básicas en cerámica, no estaba satisfecho con su trabajo. Con siete hijos y su esposa que mantener, no disponía de tiempo suficiente para seguir desarrollándose. Spencer sintió que la mejor ayuda que le podía ofrecer a Juan para mejorar sus logros artísticos, era ofreciéndole una cantidad fija cada mes a cambio de su producción, sin ninguna estipulación de cantidad o tipo de trabajo. El arreglo (acordado después de varios viajes de Spencer a Mata Ortiz) permitió a Juan experimentar con nuevos materiales y técnicas de quemado. Un nuevo cambio en su cerámica sucedió después de la visita de unos parientes que vivían a alguna distancia de su pueblo. Uno de los más ancianos identificó una gran olla -usada para hacer "tesgüino", un licor fermentado del maíz-, como uno de los producidos por la tatarabuela de Juan. El tamaño de la vasija y su relación con la que lo había hecho inspiraron a Juan a trabajar más allá de sus piezas de 15 a 20 centímetros de altura. Ya había elaborado piezas de 40 a 50 centímetros, cambiando sus diseños para concordar con las superficies más grandes. Sin que el pasado lo limitara, Juan había empezado a pintar las bases de sus piezas, eliminando gradualmente el "ecuador", justo abajo de la panza de la vasija. En tiempos prehistóricos, esta línea se dibujaba sobre el molde que contenía la base, y la pieza no se pintaba por abajo de ella. Sin este límite, la superficie se abre a un motivo más grande, y permite que las líneas curvas recorran el fondo redondeado.

Las líneas diagonales, uno de los motivos dominantes en los diseños de Juan, definen paneles sobre la superficie de las piezas, como si crearan caminos "negativos" que pueden ser trazados alrededor de las vasijas. Esta estructura laberíntica está de manera simplificada sobre la cerámica prehistórica, y parece ser una parte de la arquitectura de la antigua Paquimé. En los últimos años, Mata Ortiz se ha convertido en un centro de cerámica. Cuando Juan comenzó vendiendo sus piezas, animó a los miembros de su familia y vecinos, especialmente a los desempleados, a aprender la alfarería. Dos de sus hermanos y tres hermanas, así como varios vecinos, fueron sus alumnos. Artesano de alma, Juan ha sido capaz de ejercer un control de calidad y comparte colores (los ingredientes y proporciones son su secreto) solamente con aquellos que producen buena cerámica.

Siete padres de familia se mantienen ahora con cerámica que muestra estilos diferentes al de su maestro. El gobierno mexicano ha ayudado a los pobladores a formar una sociedad cooperativa de alfareros, y a encontrar mercados externos. Spencer MacCallum, gradualmente, ha introducido la cerámica de Mata Ortiz en el sudoeste de Estados Unidos. De acuerdo con J.R. Pahl, director del museo Rex E. Wignal, del Chaffey College en Alta Loma, California, Juan Quezada y los otros ceramistas de Mata Ortiz han producido "el renacimiento espontáneo de una de las más hermosas tradiciones de la historia del arte de la cerámica". Pahl consideró los logros de un artista original como especialmente importantes en un área con una gran población descendiente de mexicanos, e inició un tour por cinco museos con la obra de Juan y de otros destacados alfareros de Mata Ortiz. Como Spencer Mac Callum escribió en un catálogo, "el redescubrimiento de las técnicas cerámicas enteramente por experimentación, por parte de Juan Quezada … muestra un alto logro intelectual". Como innovador tecnológico, como artista y como maestro, Juan ha contribuido a la vida de su pueblo y a la belleza del mundo.

Mata Ortiz
A raíz de la publicación de un número de la revista Artes de México dedicado a la cerámica del pueblo de Mata Ortiz, en el norteño estado de Chihuahua, en México, decidimos incluir este artículo pionero publicado hace casi 20 años. La edición 45 de Artes de México, de 1999, incluye artículos de Alberto Ruy Sánchez Lacy, su director, y de Beatriz Braniff, Walter P. Parks y Spencer H. MacCallum, de Bill Gilbert, Marta Turek y Jim Hills. Está profusamente ilustrada. Paralelamente a esta publicación, de mediados de 1999, se presenta una exposición con piezas de Mata Ortiz en el museo Franz Mayer de la ciudad de México (agosto-septiembre 1999).

Este artículo se publicó en la revista Ceramics Monthly, en el número de septiembre de 1980, página 50. Su autora, Elaine Levin, es escritora de arte y en ese tiempo vivía en Northridge, California. No fue posible contactarla para esta ocasión. La traducción del artículo es de Teresa Arduino.
Derechos reservados 1999, del original y de la traducción. Prohibida la reproducción total o parcial por cualquier medio impreso o electrónico.

Más información sobre Mata Ortiz, así como piezas para comprar:
www.mataortiz.com
www.millerburg.com/mataortiz.html
www.southwestpottery.com
www.mataortizpottery.com
www.tannerchaneygallery.com/ortiz.htm

Barro negro de Oaxaca: ni tan negro

2008-09-13T16:14:00.000-07:00

El barro negro de Oaxaca

Dino Rozenberg

Una visita al famoso pueblo de San Bartolo Coyotepec, cuna del famoso barro negro de Oaxaca, en México. Y también la narración de algunas cuestiones técnicas, y de "curiosos" misterios y leyendas.

Estuvimos en la ciudad de Oaxaca después de muchos años de ausencia, y la espera valió la pena. Ya saben cómo es una experiencia agradable: llegar de buen humor, con muchos deseos de pasarla bien y pocas expectativas sobre la forma en que esto se desarrollará. Fuimos manejando desde la ciudad de México, por la autopista que va a Puebla. El motivo principal era ver el estado actual de la cerámica oaxaqueña, y en especial la de San Bartolo Coyotepec, así que no vamos a entrar en detalles sobre la ciudad, el mercado, las comidas y las costumbres. Si alguien alguna vez necesita una orientación, puede escribirnos un correo electrónico.

San Bartolo Coyotepec
Este pueblo tiene una bien ganada fama en el mundo de las artesanías mexicanas, y ocupa un lugar importante entre las cerámicas populares más apreciadas y buscadas del país, como la talavera o las de Michoacán. Es muy fácil reconocerla por su bruñido a punto de brillo y su intenso color negro. De hecho, se conoce como “barro negro de Oaxaca”. Los artesanos locales y las autoridades de turismo locales, y hasta algunas de niveles muy superiores han venido jugando con la idea de que este acabado negro lustroso es realizado “con una fórmula secreta”.

En general, la gente de la zona trata de ocultar la técnica, en parte para cubrir el asunto con una especie de misterio, en parte para evitar que otros pueblos e incluso gente de la misma localidad, que no pertenece a las familias conocidas, se pongan a hacer el mismo trabajo y aumente la competencia. En nuestra experiencia de acercamiento a las artesanías populares, esto no es nuevo: muchas veces hemos encontrado la idea de la “fórmula secreta” y de una supuesta técnica pasada secretamente de generación en generación. La verdad es que casi nunca hay algo así, y la mayor parte de las veces, a un ceramista con cierta experiencia le resultan más o menos claras las formas de hacer las cosas.

Ni es tan negro
La idea del “barro negro” no debe confundir a la gente, porque en realidad el barro nativo y crudo –antes de ir al horno-- es rojo como la mayoría de las arcillas de baja temperatura. Quema rojo amarillento, y si se rompe una pieza ya cocida se ve que el barro es rojo y sólo las superficies están negras. Según los mejores criterios conocidos, el “barro negro” se quema a baja temperatura en atmósfera reductora, con las aberturas del horno completamente cerradas; estamos hablando de hornos caseros-rudimentarios, hechos con apilados de ladrillos y montados cada vez que se hacen quemas.

Hay que saber que Oaxaca no es el único lugar en el mundo donde se usa esta técnica. Recuerdo haber comprado, hace muchos años, una pieza de barro rojo de baja, bruñido y quemado negro, en la provincia de Chaco, en el norte de Argentina. Pero el caso es que aquí se le atribuye a Doña Rosa haber inventado el barro negro brillante. Y ahora narraremos algo sobre esta famosa artesana oaxaqueña.

Para llegar a San Bartolo Coyotepec
Este pequeño pueblo está a 20 minutos por carretera pavimentada desde la ciudad de Oaxaca. Es muy fácil llegar. Hay talleres con exhibición y venta de piezas a ambos lados de la carretera, pero nosotros nada más doblamos a la izquierda, que es donde está el taller más conocido y de prestigio, la Alfarería Doña Rosa. Se encuentra en la calle Benito Juárez 24, San Bartolo Coyotepec, Oaxaca, y el teléfono es (955)100-11. Abajo transcribimos un texto copiado del folleto que le entregan a los turistas que van a conocer este negocio. Está abierto de lunes a domingos de 8:30 AM hasta las 7 PM, y conforme se juntan turistas, se realizan exhibiciones de torneado y algo de pastillaje a cargo de Valente Nieto Real, el sucesor, que hasta donde pudimos entender es el hijo de la fundadora, Rosa Real de Nieto, una señora de origen indígena que nació en 1900 y murió en 1980.

Fue de verdad una heroína de las artesanías, y quién sabe por qué razones gozó de la simpatía de presidentes y dignatarios de México. Puedo creer que a algunos de ellos les pareció una especie de símbolo, y la consintieron en diferentes formas. En la casa todavía se pueden ver recortes de periódicos y fotografías tomadas con algunos presidentes y altos funcionarios mexicanos y extranjeros que fueron a visitarla, así como diplomas y reconocimientos por sus méritos artísticos. El lugar es interesante: un gran estacionamiento donde pueden acomodarse media docena de autobuses (microbuses) turísticos y varios automóviles, y luego, en el edificio principal, un patio de unos 30 metros de lado bordeado por los cuatro costados por la construcción.

En uno de los costados del patio, bajo techo, se disponen unas 100 sillas, como auditorio, para que la gente pueda sentarse y ver trabajar a Valente Nieto, que parece bastante aburrido ya de hacer todos los días lo mismo. Pero quienes saben de cerámica reconocen que el trabajo de torno, con las manos, es maravilloso y siempre sorprende a los que no están acostumbrados. Tiene algo de magia que le encanta a la gente y sobre todo a los niños. A los pequeños se les anima para que tomen un poco de barro fresco y hagan alguna pieza junto con Valente. Es una buena forma de hacer atractivo este tema, y que no parezca que la gente sólo viene a comprar. Si en otras ceramiquerías de México se hiciera esto, sería una buena forma de promover la artesanía y de darla a conocer.

Buenas compras
Una vez terminado el espectáculo, la gente puede pasar a las otras tres galerías, donde se exhiben, de una manera agradable pero nada coqueta, las piezas que salen a la venta. Todo es barro negro y según nos dijo Valente, todos los productos son hechos por él y sus hijos. Deben trabajar muchísimo, porque hay cientos de piezas diferentes. Le preguntamos si le compra alguna producción a otros artesanos, pero él dice que no, que toda es hecha por la familia. Se pueden encontrar desde pequeños ceniceros, silbatos y figuras a partir de los 8 y 10 pesos (aproximadamente un dólar, al cambio de 9.50 de inicios de 2000), piezas de unos 20-25 centímetros por 80 o 100 pesos, y otras, las más grandes, recipientes de 80 centímetros de alto, por 900 o 1000 pesos.

La verdad es que las piezas en general son de buena calidad, están bien terminadas y son relativamente baratas en términos de lo que nosotros llamamos “valor decorativo”. El señor Valente debe estar superaburrido de que le llegue gente a proponerle cosas y negocios “en frío”, o simplemente a preguntarle sobre la cerámica. Nosotros le preguntamos algunas cosas y nos contestó de manera muy tibia, incluso evasiva. Sobre la técnica del barro negro no nos quiso decir ni una palabra. Luego le preguntamos sobre el barro, y nos contó una confusa historia sobre que la mina o cantera de barro de donde extraen la materia prima los artesanos locales es como una fortaleza, donde sólo pueden ir a escarbar los artesanos autorizados, y que está prohibido que se le pase barro a los extraños. Esto, creemos, es su forma de alimentar la idea de que el barro tiene algo de especial.

Tere, ya sin pedir permiso, tomó unos pedazos de barro de la pella que Valente usa en sus demostraciones, y luego los quemó en nuestro horno. Aunque no usamos la atmósfera reductora, el barro se comportó como cualquiera de su clase, y resultó rojo amarillento. Como en ocasiones hemos recibido solicitudes de turistas-ceramistas deseosos de trabajar unos días en talleres artesanales, preguntados sobre esto.

El misterio y lo prohibido
Le sugerimos si estaría dispuesto a aceptar a un grupo de aficionados que pudieran trabajar un par de días en sus talleres, y que luego se les quemaran sus piezas y se las pudieran llevan con ellos, y nos dijo que esto no era posible, que estaba prohibido compartir la técnica con gente de fuera de las familias locales, como si nos hablara de un gremio medieval. Fue bastante bonito todo este rollo, que nosotros obviamente nunca creemos, pero que se repite en muchos otros sitios (no sólo en México) donde hemos preguntado y curioseado. Lo curioso es que saliendo del negocio Dona Rosa, a media cuadra de distancia está Alfarería Juanita, en la calle Benito Juárez 29 (teléfono (955)100-66, con Claudia), donde nos dijeron que ellos usan aceite para el pelo o brillantina para el bruñido, y que con gusto aceptarían un grupo de turistas para trabajar un par de días en su taller, para aprender y usar el material en sus propias piezas.

Tere pudo sentarse unos minutos con una de las señoras de la casa, y estuvo viendo como bruñían las piezas, a mano y de manera muy laboriosa, con el reverso de una cuchara. Para esto usan todo tipo de cosas, incluyendo piedras lisas, metales, etc. Yo por mi arte, me fui al fondo del taller donde trabajaba uno de los muchachos en el torno de patada, haciendo floreros: una docena en unos cuantos minutos. Estas personas no parecían tener ninguna reserva ni temor, y si hubiéramos querido saber más, nos lo hubieran dicho. Nada que ver con las evasivas del heredero de Dona Rosa.

Negro de gratito
Otro de los recursos bastante conocidos del barro negro de Oaxaca, que prácticamente se encuentra en todos los talleres, es un acabado negro-metalizado, como una pátina plateada, cuyo origen se atribuye a un señor René Pérez y que supuestamente se logra tallando las piezas, en estado de cuero, con un trozo de grafito tomado de la carcaza de una batería de automóvil. No puedo saber si esto es cierto (si las baterías son de grafito, aunque las más modernas veo que son de plástico), pero el asunto hace sentido en la medida en que el grafito es propiamente una forma de carbón, y en el barro negro de lo que estamos hablando es de una superficie carbonizada y cristalizada. De todos modos hay que tener cuidado con algunos “barros negros“, cuya negrura y brillo se obtienen artificialmente con grasa-pomada para zapatos, pintura y lacas acrílicas comerciales.

La verdad es que disfrutamos este viaje, y los recorridos por San Bartolo Coyotepec, y hasta tomamos con humor y filosofía estas curiosas historias y actitudes de los artesanos, que le dan un toque sabroso a la experiencia. Para comprar, la verdad es que es una maravilla, porque se pueden conseguir piezas muy bien acabadas, incluso finas, por precios cómodos. Hay que ver con cuidado, claro, porque hay también muchas segundas y terceras, sobre todo en las tiendas de la ciudad y alrededor de los mercados. Supongo que las piezas más conocidas son las vasijas y los floreros, y unas muy típicas son las vasijas de forma esférica, con boca ancha arriba, pero con el cuerpo completamente calado de agujeros, como si fuera un gran colador. Y según entendimos, es lo que son, justamente, para quitarle paja y piedras a los frijoles y otros granos. Se echa dentro el alimento, se sacude, y las piedras y basuritas pequeñas caen, quedando dentro el frijol limpio.

En las casas de familia obviamente no sirven para nada, así que el uso más común es ponerlas bocabajo y encender dentro una vela o una lámpara para beneficiarse de una bonita iluminación intimista. Hasta donde vimos no hay vajillas de esta cerámica, por razones obvias (¿le gustaría comerse una sopa en un plato negro-negro) ni nada que propiamente se pueda usar en la cocina; todo es para uso decorativo. De las otras cerámicas de Oaxaca, en particular de la de color verde, prometemos informar más adelante. México, 2000

Doña Rosa y su barro negro (fragmento copiado del folleto que entregan en esta alfarería)
Una de las poblaciones más importantes en el valle de Oaxaca, en la producción de alfarería es San Bartolo Coyotepec, población ubicada a 8 km de la ciudad de Oaxaca, pasando el aeropuerto. Esta población es reconocida por su único barro negro. En Coyotepec, destacó por mucho tiempo la personalidad de Doña Rosa Real de Nieto, que fue reconocida con medallas y diplomas. Sus trabajos fueron apreciados por coleccionistas y su fama sobrepasó las fronteras de México. Ella le dio brillo al barro negro, cuando accidentalmente descubrió que la cerámica se podía pulir con piedras de cuarzo, de esta forma salió lo que hoy conocemos como barro negro brillante. En sus últimos años ella continuó transformando barro en hermosas piezas, con la fuerza y la habilidad de sus mejores años. Ella trabajó en su taller demostrando sus habilidades a aquellos que vinieron a visitarla hasta el día de su muerte, en 1980. En el taller de Doña Rosa se continúa el método tradicional del torno sin rueda, que consiste en dos platos cóncavos de barro, uno hacia abajo soportando el otro. Este método es una herencia prehispánica. Las piezas se moldean sobre este torno. El proceso de elaboración dura de 20 a 30 días, que va desde el moldeado a el decorado, a el secado lento en cuartos cerrados. Los diseños más utilizados son los florales, algunos de ellos intercalados con diseños de aves.

Cristina Riveroll Terrazas: la entrevista

2008-09-13T16:05:00.000-07:00

La entrevista con

Cristina Riveroll:"Si eres soberbio, el barro te gana"

Estudió en la EDA y en otros lugares, y también hizo la carrera de psicología. Tuvo el raro privilegio de conocer a Bernard Leach en Inglaterra, y ha combinado su pasión por la cerámica con la enseñanza de varias generaciones de alumnos. Pero parece que no es lo último, y que la vena creativa sigue bullendo en sus manos.

Por Teresa Arduino

¿Qué significa la cerámica para ti?
Es la vida. Estaba pensando que puedes utilizar la cerámica para hacer una analogía de la vida. Es la frustración, es la entrega, es el control. Es la paciencia, la traición, el goce. La cerámica es mi vida. Cuando reflexionas la contrapones a tu vida y ahí está todo, todas las respuestas. Es un vicio y no lo puedo dejar de hacer; es una especie de adicción.

¿Qué circunstancias o caminos te llevaron a la cerámica?
Muchas cosas. Viajes con mi mamá, la historia de México, el contacto con la cerámica prehispánica, una visita al Bazar del Sábado que me llevó a la EDA. Ya no se paró, pero fue un aprendizaje muy sui generis, muy al estilo mexicano. El verdadero aprendizaje fue con el maestro Enrique Rangel. No nos enseñó mucha cerámica sino a quererla.

¿Cómo le hizo?
No sé, pero creo que los que salimos de ese taller y aún nos dedicamos a la cerámica se lo debemos a él. Rangel contribuyó a que quisiéramos la cerámica y que la respetáramos. Luego influyeron el maestro Felipe Bárcenas, con su manera de enseñarnos a tornear, y también los compañeros, como Pedro, Miguel Angel, Gustavo. De allí me fui a San Carlos, y en el intermedio puse un tallercito sin horno, nada más el torno, y llevaba las piezas a quemar a la EDA.

¿Cómo describirías la sensación de crear una pieza? Hablo de la idea, la inspiración, la ejecución.
Para mí es totalmente inconsciente. No lo tengo muy claro hasta que empieza a salir. El inicio no lo tengo en la cabeza. Conforme va saliendo la voy concientizando, racionalizando. Los siguientes pasos son mucho más racionales, por supuesto, con criterios estéticos. En los intervalos te llevas la pieza adentro; de repente vas en el Periférico y dices, ¡Ya! Te viene la idea de cómo terminarla. Cuando acabas una pieza siempre tienes la sensación de que le falta un poco. Te puedes tardar tres horas en terminarla, tres horas de estarla sobando, de que dices necesitas más, no necesitas más, hasta dónde. Y siempre tengo la sensación de que le faltó, a lo mejor debí crecerla más, a lo mejor debí fracturarla más. Pero finalmente el barro te dice: ya, hasta aquí, hasta aquí está bien. Algo importante es el medio que vas a utilizar para decir lo que quieres decir, aunque no lo sepas conscientemente. Tienes que pensar de qué partir, de la técnica del torno, de formarlo, de engobes, de óxidos, de texturas, de fracturas, de barros de color.

¿Cuál es el recurso, el medio?
Por eso digo que es como una metáfora. Cuando logras integrar y escoger un medio para expresarte, de alguna manera también te integras tú, no te quedas en la parcialidad. Siento que mucha gente, sobre todo los principiantes, se queda en lo parcial. No saben si terminaron su jarrita o cómo la van a terminar, y no tienen ni idea. Es lo parcial. La cerámica es integrar todo el proceso, aunque no se metan a cuestiones del horno. Esa sería otra parte de la integración del todo. Un ceramista tiene que tener claro cuál es el medio que escoge y cómo lo va a integrar. Siempre he pensado que la cerámica es un poco como la medicina: no acaba nunca; te metes por una rama y por otra, y es infinita.Ahorita estoy metiéndome otra vez a los esmaltes, y tengo la sensación de que acabo de empezar. Me volví a meter con mis fórmulas de siempre, pero otra vez se reavivó esa parte traicionera del horno que ya tenía controlada. El resultado siempre te sorprende aunque uno supuestamente sepa lo que va a pasar si mezcla, por ejemplo, titanio y cobre. Es otra vez la sensación de que el horno dice que te falta mucho y se burla de ti. La cerámica se burla de ti y tienes que respetarla mucho. Si la violas se venga de ti, te lo recuerda.

¿Cómo percibes la relación entre los ceramistas?
Han sido pocos, somos pocos en México. Seguí viendo a los de mi generación, pero ¿cuántos somos? No más de cuatro o cinco. Nos seguimos viendo, siento que con avidez... Después de 30 años llego a la conclusión de que sí, cada quien tiene un lenguaje. Por más que le pueda explicar a alguien cómo llegar y los resultados técnicamente hablando, tengo la certeza de que el que está frente a mí tiene su propio lenguaje y en ningún momento va a empezar igual que yo. Finalmente tendrá otro camino que explorar. Nos podríamos ayudar mucho pero no lo hacemos. Por ejemplo, ahora quiero hacer unos murales y encuentro que mi barro no me conviene; necesito otro más rígido, menos deformable, y no es fácil que alguien te ayude a resolver tu problema.La relación con otros ceramistas debiera ser de humildad, porque la cerámica te hace ser humilde. Si eres soberbio el barro te gana. Si llegamos con esa actitud ante el otro y podemos decirle ayúdame, estoy atorada, esa humildad tendría que ser recíproca. Sin embargo no siento que sea así. Quizá es porque trabajamos en forma tan solitaria. Deberíamos vernos más seguido, ser más cercanos; quizá debiera haber eventos para ceramistas cada dos o tres meses. Sería una forma de juntarnos, de estar más cerca, de conocernos y empezarnos a interesar por el trabajo del otro. Para la reciente Bienal del Franz Mayer se presentaron 517 piezas, más o menos 300 ceramistas. Esto quiere decir que hay muchos ceramistas, pero parece que no sabemos dónde están. Oigo de este y de otro, pero no nos juntamos a hablar de nuestro trabajo. Por ejemplo de la dificultad de vender la cerámica. Puedes ser solitaria, pero eso no implica que te vuelvas egoísta. Háblanos de tus primeras etapas como ceramista, aquel primer taller de producción y lo que siguió.Como buena egresada de la EDA, torneabas o moldeabas y yo me fui por el torno. Con esa enseñanza te vuelves artesano de producción, sin ningún otro cuestionamiento. Es la forma en que consigues el oficio. Trabajar en producción te da el oficio, y empecé haciendo vajillas, juegos de café, jarras, objetos utilitarios. Fue una etapa bastante larga en la que tuve un tornero que me ayudaba.

¿Te dio mucho trabajo tratar con las grandes tiendas?
Sí. Sobreviví toda esa complicación de que te pagaran y que no te pagaran, que la gente aprendiera a conocer la cerámica de alta temperatura. Luego vinieron la devaluación y las inflaciones, y era difícil llevarles el ritmo. Recuerdo que la gente decía que estaban bajando de temperatura porque subía el precio del gas y los materiales. Todo era muy caro. Luego empezó a generalizarse la importación de vajillas chinas que costaban 500 pesos cuando la tuya tenías que venderla en 2,000. Entonces fue cuando no pude seguir y paré la producción. Seguí con la enseñanza, que era lo que me mantenía y me permitía seguir con el taller. Fue cuando empecé a estudiar psicología, quizá para entender el proceso de la creatividad. De entender el ser humano.

¿Cómo valoras tu experiencia enseñando cerámica?
Llevo más de veinte años enseñando, sin interrupción. He aprendido mucho de mis alumnos y de sus propios retos. Me ayudó mucho a organizarme, porque me exigía un programa y una progresión. Mi intención es que la gente aprenda a hablar a través de la cerámica. Tuve alumnos que parecían tener miedo de soltarse y siempre estaban pidiendo ayuda. Otros, en cambio, sólo necesitan apoyo técnico para volar por su cuenta. Me gusta mucho enseñar cuando el alumno está dispuesto a aprender.

¿Por qué crees que la gente busca un taller de cerámica?
Hay muchas motivaciones. Están los que quieren hacer un plato o un florero y se dan por satisfechos con esta experiencia. Les gusta trabajar con el barro aunque su trabajo no trascienda. No se sienten animados por una vocación artística. En muchas personas hay una búsqueda de tipo terapéutica. Sin darse cuenta vienen a liberar tensiones y problemas personales. Es paradójico pero en el taller, al calor del trabajo, pueden hablar de temas, sobre todo sexuales, que no se animarían a repetir en una reunión social. Como si la cerámica o la comunidad les diera confianza. El barro es muy regresivo; te desinhibe y te lleva a lo primario.

¿Algún consejo que le quieras dar a los principiantes?
Mi primer consejo es que te tienes que enamorar del barro. A través de este enamoramiento entiendes el mundo de la cerámica y aprendes a afrontar la espera, la incertidumbre, los reveses. Es como una pareja que escoges. Si te entregas y eres leal, ella te recompensa. Hay que escuchar lo que te dice, y a partir de allí establecer el diálogo para poder hablar a través suyo.

¿Qué parte de la cerámica te interesa más?
Tienes que integrarlas todas. No me interesa mucho el trabajo sucio, como preparar la pasta, los esmaltes o los yesos, pero es parte del trabajo. Creo que no podría decir cuál es la parte que me interesa más, y finalmente lo acabas integrando todo. Tienes que tener bien claro qué es lo que vas a utilizar para expresarte. Ahora estoy en las pastas de color, porque lo que quiero hacer es pintar sin pincel. Lograr una pintura, en la forma, pero sin pincel.

Hay una anécdota de tu vida que quisiera rescatar, y es tu visita a Bernard Leach en Inglaterra.
Ocurrió a mediados de los setenta. Estaba en Londres con mi hermana, y después de ir al Victoria and Albert Museum, donde tienen muchas piezas de Leach, se me ocurrió ir a buscarlo. No lo había pensado pero y me lancé y no sé cómo averigüé sus datos. Tomé el tren a St. Ives, que en esa época era un pueblito muy chiquito, pregunté por el taller y como pude llegué. Esperaba un taller muy rústico, como en los libros, pero el que encontré era mucho más industrializado. Por azares del destino le caí bien al joven que me atendió. Le dije que venía desde México a conocer al maestro. Me pidió que esperara y pensé que iba a regresar con Leach. Resultó que había ido a hablarle por teléfono para decirle de mi visita, y Leach mandó decir que me invitaba a cenar esa noche a su casa. Me acuerdo que me fui a tomar el té con el muchacho, porque había que hacer tiempo. Platicamos y me enseñó el taller, ya muy industrializado, donde se hacían muchas piezas en serie. Y llegó la hora de ir a casa de Bernard Leach. Quizá algunos ceramistas hayan visto la pieza coreana que aparece en la portada del libro The Potter’s Challenge. Pues esa pieza blanca estaba encima del piano. Fue una cena muy agradable, porque Leach le tenía mucho cariño a México. Decía que éramos muy libres en la cerámica; siendo un pueblo alfarero por naturaleza, teníamos ese corazón que el tanto buscaba y con el cual se había formado con los japoneses. Siempre criticó mucho a los norteamericanos, que tenían toda la técnica del mundo pero el corazón congelado. Era ya muy anciano y estaba ciego. No sé cómo me percibió o si le hice alguna impresión. Pero para mí fue muy emocionante. Y ya paremos, que esto quizá no le interese a nadie.

México, 2002-2003
En marzo de 2003, unas cuentas semanas después de realizarse esta entrevista, Cristina Riveroll recibió el segundo premio en la Primera Bienal de Cerámica Utilitaria organizada por el Museo Franz Mayer de la ciudad de México. Además, otras tres piezas suyas fueron seleccionadas y formaron parte de la exposición y el catálogo.Cristina Riveroll Terrazas vive en la ciudad de México, donde tiene su estudio-taller, y donde da clases a estudiantes de diferentes niveles. Se ha dedicado sobre todo a la cerámica alta temperatura y ha hecho intensas investigaciones con barros y esmaltes. En la sección de escuelas y proveedores puedes encontrar más datos y la forma de contactarla. En este sitio también hay información sobre otros ceramistas mexicanos contemporáneos.Sobre Bernard Leach Sobre Gustavo Pérez

Jorge Wilmot y Ken Edwards, de Tonalá, Jalisco

2008-09-13T15:55:00.000-07:00

El arte de Jorge Wilmot y Ken Edwards: La resucitación de Tonalá

Igual que ahora, hace 30 años los turistas salían de Tonalá, un pueblecito a 20 kilómetros de Guadalajara, cargados de animalitos y cacharros de cerámica. Pero la tradición de la noble alfarería, que en aquel rincón de Jalisco se remonta a tiempos prehispánicos, parecía definitivamente sepultada bajo el trajinar de los mercachifles: para ver piezas de auténtico valor hechas en Tonalá había que ir a los museos, y en el polvoriento pueblecito, cuyo lujo mayor era un único teléfono, lo que fabricaban y vendían los artesanos apenas superaba la categoría del mexican curios. De lo cual nada sabía Jorge Wilmot, un muchacho oriundo de Sabinas Hidalgo, Coah., y criado en Monterrey, N.L., quien por entonces aprendía cerámica con un maestro germano-brasileño en la Selva Negra, Alemania. Menos aún sospechaba el estudiante mexicano que en pocos años le tocaría a él atizar el rescoldo para darle nueva vida al arte que los de Tonalá ya no lograban recordar.

De China con amor
Durante el virreinato, Tonalá produjo piezas admirables de alfarería suntuaria, como urnas estofadas, pintadas y finalmente trabajadas con oro y plata. Con frecuencia, los complejos motivos de la decoración de estas piezas parecían de origen persa y tal vez lo eran, llegados a Jalisco tras viajar por siglos en las alforjas de griegos, romanos, árabes y españoles. Algunas técnicas, como ciertos métodos de bruñido, parecían más remotas todavía, y quizá provenían -por conducto de los persas- de la antigua China, donde hace ya 2000 años cayeron en el olvido. Claro que estos antecedentes los ignoraba Wilmot hace tres décadas. El joven era un oficinista puntual y respetuoso de las jerarquías que, sin embargo, cultivaba pasiones secretas, como una curiosidad por el arte que no suele darse con facilidad en el clima riguroso de Monterrey. A través de la esposa de un amigo, aficionada a la cerámica, conoció los rudimentos de esa artesanía, y aprendió tan rápidamente que en poco tiempo superó la etapa de hacer objetos de loza esmaltada con óxidos de plomo y cocida a baja temperatura, que es lo que generalmente hacen los aficionados y era lo único posible con los medios disponibles entonces en Monterrey.

Para superar la limitación Wilmot renunció a su escritorio y se metió a trabajar en una fábrica de sanitarios, donde había lo necesario para elaborar semiporcelana. Pero pronto se convenció de que ni aun con lo hornos industriales que había en la fábrica podría nunca poner en práctica lo que aprendía en los libros extranjeros que consumía con voracidad. Entonces decidió irse a Europa, y como los ceramistas son una santa mafia internacional, un amigo de un amigo de un amigo lo conectó con el maestro de la Selva Negra.

Alquimia
Cerca del taller del germano-brasileño había una fábrica de ladrillos refractarios, y allí le permitieron al aprendiz mexicano hacer experimentos con hornos capaces de alcanzar temperaturas de más de 1100 grados. Fue una época de júbilo perpetuo para Wilmot. Leía libros como los del inglés Bernard Leach, algo así como el sumo pontífice de los ceramistas modernos, y de inmediato comprobaba en la práctica que las viejas recetas, como matizar los esmaltes con cenizas de pino o de hiedra (secretos que el tratadista había aprendido en Japón) sí funcionaban y, combinadas con los recursos modernos, producían resultados aún más fascinantes que en versión original.

En total el ceramista mexicano vagó 4 años por Europa, desde Italia hasta Suecia, donde se avino a trabajar como peón en talleres de artesanos para poder espiar secretos que los ancianos maestros guardaban con tanto celo como si fueran joyas de la corona real. Y en 1957 regresó a México para hundirse en un laberinto de frustraciones, igual que suele sucederle a los médicos que estudian alguna rara especialidad en los hospitales más modernos del mundo para luego venir a trabajar en clínicas rurales donde no hay ni agua potable. "Llegué y descubrí que ser ceramista era en cierto sentido secundario, ya que primero había que ser ingeniero, electricista y mecánico para construir con las propias manos todo lo que era imposible comprar ya hecho" -dice el ahora sesentón y dos veces viudo Wilmot. Pero no le importó, porque fue precisamente entonces cuando descubrió Tonalá.

Fuego en los hornos
Primero vio algunas piezas en museos que le hicieron pensar que los del pueblecito jaliciense tenían o habían tenido algún contacto subterráneo con los chinos de hace dos milenios. Después fue a Tonalá y halló que unos pocos artesanos del pueblo, como Amado y Simeón Galván (tío y sobrino) practicaban todavía algunas técnicas de increíble refinamiento en contraste con los burdos usos en que se había hundido la alfarería de la región. Tonalá no era, ni es ahora, el lugar más atractivo del mundo, pero Wilmot decidió quedarse y empezó a trabajar con Simeón Galván, que al principio aceptó el trato solamente para divertirse con las chifladuras del fuereño y que después se convirtió en el principal ejecutor del renacimiento de una tradición tan marchita que ya casi ni respiraba.

Como las coincidencias casi siempre suceden el momento oportuno, Wilmot no trabajó solo en la empresa de resucitar la alfarería de Tonalá. Por alguna razón que los antropólogos deberían estudiar, en la década de los 60 en el pueblecito empezaron a surgir cada vez mejores artesanos, más curiosos e innovadores: y la aldea se convirtió en un foco que atrajo a otros ceramistas nacionales y extranjeros igualmente deseosos de aprovechas el fuego que se reavivaba en los hornos. Uno de los más notables: el norteamericano Ken Edwards, un hippie barbón y corpulento que sufría la propensión a contraer amistad con toreros, que empezó a coleccionar cacharros de barro -cuanto más chuecos, mejor- porque estaba harto de la civilización del plástico y que acabó dirigiendo en Tonalá un taller artesanal que se parece a él: grande, desordenado, anárquico y del cual con frecuencia salen obras de sorprendente belleza.

Edwards y Wilmot trabajaron juntos un par de años pero luego se separaron por sus estilos personales eran poco conciliables: el mexicano parece sajón y el sajón, mexicano, y con cierta distancia de por medio se respetan mejor. Wilmot se construyó en Tonalá una casa mezcla de convento y espacio escultórico, y dirige un taller donde 25 artesanos muy seleccionados y disciplinados realizan piezas exclusivas que, con gran frecuencia, acaban figurando en colecciones norteamericanas o europeas. El ceramista es poco dado a hacerle concesiones al paladar popular y no teme que lo llamen elitista.

Como una especie de sacerdote de un culto que pocos recuerdan, cree que su misión es dedicar los mejores recursos actuales a la tarea de rescatar tradiciones más valiosas que los gustos; y no para adaptarlas a los tiempos modernos sino para darle oportunidad a los modernos de recuperar un equilibrio que los antiguos llamaban sabiduría.

NOTA: Este artículo se publicó en la revista Contenido, en México, D.F., en julio de 1984. Hasta donde sabemos, Ken Edwards sigue haciendo una enorme producción, aunque sus temas no han variado gran cosa con los años. En realidad, ha caído un poco de nuestra gracia. Más: los conocimos a ambos en aquel viaje a Tonalá, y desde el inicio sentimos más respeto por Wilmot que por Edwards; este último tiene una visión bastante comercial, y su contribución siempre caminó por ese rumbo. Es el consentido de los turistas, porque sus obras son muy decorativas. Wilmot, en cambio, hizo muchas búsquedas, algunas muy poco exitosas en términos de ventas, pero mantuvo el apego a su obra creativa. En varias ocasiones se le vieron obras y esmaltes muy poco comerciales, con esmaltes oscuros y nada de flores ni pajaritos. Nos dijo que no había que confiar mucho en los artesanos populares, y que había que llevarlos con las riendas cortas, porque a la menor distracción le hacían ojitos picaros o graciosos a los animales y a las figuras. Es decir, no quería hacer ninguna concesión a la cursilería ni al bajo gusto de los consumidores. En 2005 o 2006 cerró su taller y todo parece indicar que está retirado, y un poco decepcionado. En 1996 hubo una exposición con sus obras en el museo Franz Mayer, en el D.F (de la cual se imprimió un catálogo). En las tiendas Fonart, que antes vendían mucha de su producción, ya no hay nada. En una venta de bodega, hace muchos años, encontramos unos saldos de platos, muy austeros pero impresionantes, con un esmalte gris que oxida rojizo, sin ningún dibujo. Compramos cuatro. Para reconocer las piezas de Wilmot hay que encontrar una pequeña "w" en la base del plato.

CREDITOS: El material de esta página es propiedad de sus respectivos autores, y se utiliza aqui sin fines de lucro; cualquier observación envíe un e-mail. lo demás COPYRIGHT Teresa Arduino, Martín y Dino Rozenberg

José Antonio "Zezere", un original artesano español

2008-09-10T14:47:00.000-07:00

José Antonio "Zézere", es un artesano español que desde hace 20 años trabaja con pastas rojas y otros materiales, en alta y baja, y ahora hace una serie de esculturas de formato pequeño y medio (15 a 30 centímetros de altura). Sus motivos son las personas, las profesiones, las costumbres y los estilos de vida. Es un poco medieval, si se quiere mirar en su estilo y sus influencias, pero a la vez algo cómico o humorístico, cercano a las caricaturas. Lo presentamos, como siempre, con la mejor intención y la voluntad de acercar a los artesanos y ceramistas.

Pueden leer algunos detalles de su trayectoria y ver varias de sus obras en http://www.zezerefigurasdeceramica.blogspot.com/

Cono 7, taller de cerámica en Xalapa, Veracruz

2008-09-10T14:35:00.000-07:00

Aunque ya tarde, les presentamos los datos de una conferencia y exposición de cerámica raku de la artista española María Gelabert. Tuvo lugar esta semana y lo organiza el Taller Cono 7, de Xalapa, o Jalapa, pero siempre en Veracruz. Lo hacemos de este modo para que puedan ver de qué se trató el esfuerzo, y también para que los colegas ceramistas tomen contacto con estos colegas a quienes recibimos por primera vez en el foro. Tienen un sitio web en http://www.tallercono7.com/ .Ahí pueden encontrar más datos. Si no alcanzan a ver el texto, pueden dar clic encima para que se abra una pantalla más grande. Sobre María Gelabert: http://www.mariagelabert.com/

Curso de vidriados de Aurora Suárez, en Cuernavaca

2008-09-10T14:25:00.000-07:00

Aquí les presentamos los datos del curso de formulación de vidriados (esmaltes) que dictará en Cuernavaca la maestra Aurora Suárez. Comienzan el 1° de octubre 2008 (son 9 sesiones de 3 horas cada una, teóricas y prácticas). Soliciten más información en http://www.explorartes.com/ (Mesalilnas 28, Delicias, Cuerenavaca, Morelos) o al teléfono (01777) 316-5851.

Si no alcanzan a leer el texto del volante, hagan clic encima y se abrirá una pantalla de tamaño mayor (bueno, todo depende del navegador que usen, y un poco de suerte).

Más de 20,000 visitantes en este blog

2008-07-22T12:24:00.000-07:00

Estos días nuestro contador de visitantes mostró que la cifra ya pasó de 20,000 desde que inició el conteo (en marzo del 2007). Claro que hay sitios que reciben millones, pero el hecho es que este blog es un trabajo personal que realizamos Tere y Dino, no lucrativo, y que no utiliza ningún recurso comercial o tecnológico para atraer visitantes. Sólo llegan porque les interesa el contenido. Esto nos resulta muy interesante y alentador. Quienes quieran ver el detalle de estas estadísticas, que son públicas, pueden darle clic al pequeño botón azul que está en la carátula. Ahí verán el número, día a día, y mes por mes; si quieren ver más detalles, como las palabras por las que llegan nuestros visitantes, vean el cuadro a la izquierda. Gracias a todos por su lealtad e interés.
Los editores.

Sitios de cerámica en internet, las ligas

2008-07-22T12:06:00.000-07:00

En internet hay ahora decenas de sitios muy interesantes, y otro no tanto, para visitar. Uno de los peligros es que cualquiera se siente tentado de poner una enorme lista de ligas, que a su vez lo remiten de regreso y a otros sitios diferentes. Es una verdadera red, pero en ocasiones ociosa o exagerada. Aquí vamos a incluir unos pocos sitios, en español e inglés, que tengan interés o actualidad para ceramistas y artesanos.
Privilegiamos páginas en México, las de artes orientales y stoneware, las que tienen buenas fotografías y aquellas con información técnica o práctica. Incluimos varios sitios en Estados Unidos, que tienen abundante información técnica, sobre exposiciones y cursos de todos los niveles para aficionados y artistas.
Si quieren una búsqueda especializada o más cerrada, busquen en http://www.google.com/ o http://www.yahoo.com/ y en el campo coloquen las palabras clave del tema que quieren investigar, separadas con el signo de +. Cuantas más palabras pongan, más fino será este filtro y más específicos los resultados: ceramica+esmaltes+alta temperatura+Mexico, por ejemplo, o pottery+wood+kilns+california. Si tienen una frase completa, entonces es mejor ponerla entre comillas: "Gustavo Perez"+ceramica, o "ceramica española contemporanea". Son guias básicas para no perder demasiado tiempo.

Revisamos estas ligas en forma periódica, pero en ocasiones algunas desaparecen. Si es el caso, por favor avisen con un email. Lo mismo si quieren sugerir un nuevo sitio interesante. Suerte.

Cerámica y ceramistas mexicanos (en español)

Alfarería mexicana
http://www.mexicodesconocido.com.mx/

Sobre el barro negro de Oaxaca
http://www.mexonline.com/bclay.htm

Sitios de referencia en inglés

Southwestern Native American Pottery
http://www.umass.edu/arthist
Es la home page de The Hollister Collection of Southwestern Native American Pottery, de la Universidad de Massachusetts en Amherst. Paul Langdon maintiene este proyecto, integrado al Programa de Historia del Arte. Información sobre The Indian Pueblo Cultural Center y el Index of Native American Resources en Internet.

Virtual Ceramics Exhibit
www.ilpi.com/artsource/vce/welcome.html

Ceramics education y el New York State College of Ceramics
http://nyscc.alfred.edu/

Ceramics Web
Este es un sitio muy bueno, excelente, con muchísima información, galerías de artistas nuevos y renombrados, grupos de discusión, departamentos técnicos y más ligas. Un buen lugar para empezar http://ceramics.sdsu.edu/

Frog Pond Pottery
John Hesselberth es un ceramista (Frog Pond Pottery, algo así como cerámica del Estanque de los Sapos) en las cercanías de Philadelphia y su página en internet es bastante interesante, con algunas semejanzas a la nuestra. Por eso la recomendamos. Tiene una sección Pottery Talk con una especie de glosario, artículos técnicos, ligas a páginas de artistas ceramistas y otras cosas interesantes, aparte de su propia producción. Está en http://www.frogpondpottery.com/

Sobre la cerámica raku
Raku, como muchos ya saben, es una técnica cerámica que, básicamente, consiste en una quema en un horno especial (casi siempre pequeño); cuando las piezas se han calentado al rojo vivo-amarillo, se sacan con pinzas largas y se dejan enfriar al aire, o bien se meten en cubetas con agua, aceite, papel, ramas de pino, cenizas y otros materiales. Los resultados son muy dramáticos, con grandes manchas oscuras o tornasoles. En ocasiones, debido al rápido enfriamiento, se quiebran o sufren grandes deformaciones, que suelen selarse debido a la condición semilíquida de los esmaltes. Se usa un barro especial, con chamote o pequeñas piedritas, para que soporte el traumatismo térmico. Si quieres saber más sobre el tema (en inglés), visita esta página, donde hay explicaciones sobre la técnica, los esmaltes y la forma de construir un horno casero.www.dmh.net/raku98/index.htm o también www.dmh.net/raku98/firing.htm

Otros sitios interesantes
Contienen información técnica, discusiones, cursos, proveedores y galerías de imágenes (sobre todo en Estados Unidos)

Critical Ceramics:
http://www.criticalceramics.org/

American Ceramics Society:
http://www.acers.org/

Instituto Smithsoniano (varios museos y colecciones):
http://www.si.edu/

Area de artesanos:
http://www.craftweb.com/

Otra zona de artesanos:
http://www.art-craftpa.com/

Biblioteca de la Escuela Alfred:
scholes.alfred.edu

Ceramistas en Estados Unidos:
nceca.net

Libros y lecturas sobre temas cerámicos

2008-07-22T11:46:00.000-07:00

Publicaciones, libros y revistas

Además de los libros y manuales de Jorge Fernández Chiti, que parecen tener todavía mucho éxito entre los ceramistas de habla hispana, hay muchos otros títulos, modernos, actualizados, especializados, además de videos y otros materiales multimedia, en las librerías y sobre todo en tiendas electrónicas como Amazon.

Algunos son excelentes y se han convertido casi en clásicos, y otros han sido suficientemente reeditados como para estar en todos lados. Algunos se publican una vez, se agotan y desaparecen para siempre. Aquí vamos a incluir una lista pequeña de textos de variado interés, aunque no aseguramos que estén disponibles en las librerías. La mayoría de ellos los tenemos en nuestra biblioteca. Si tiene alguna duda o sugerencia, escriban al correo electrónico o vea nuestra dirección postal más abajo.

La cerámica de Hugo X. Velásquez: Cuando rinde el horno
por María Luisa Puga Martin, Casillas Editores, México, 1983.
Incluye un sobre con seis postales en cartulina, con reproducciones a color de otras tantas obras del ceramista de Cuernavaca. Es una larga entrevista o testimonio sobre Velásquez, cálida y emocionada. Si quiere saber más sobre el artista, vea nuestra sección de artículos.

Cerámica mexicana
por Gonzalo López Cervantes, Editorial Everest Mexicana, México, 1983
Es una historia bastante completa de la cerámica de México, desde la época colonial y la talavera de Puebla, hasta la actualidad, pero con énfasis en la artesanía y el arte popular. Incluye una extensa bibliografía. Numerosas fotografías en color. Este trabajo resulta una excelente aproximación al mundo de la cerámica mexicana tradicional y moderna, y está muy bien informado. López Cervantes (1946-1999) fue un antropólogo que se dedicó durante por lo menos 20 años a estudiar la cerámica desde el punto de vista artístico e histórico. Estudió con Teresa en la Escuela de Diseño y Artesanías de la Ciudadela, a fines de los 70, justamente para aprender "en persona" el modo en que se trabaja el barro.

Cerámica de Tonalá, Jalisco
por Gonzalo López Cervantes, Colección Fuentes, Instituto Nacional de Antropología e Historia, México, 1990.
Un breve estudio sobre la historia, evolución y formas de la cerámica tradicional de Tonalá, un pueblo de ceramistas en el estado de Jalisco, México. Más de 100 fotografías en negro.

La talavera de Puebla
Varios autores coordinados por Leonor Cortina Revista Artes de México, número 3, primavera 1989.
Esta lujosa revista artículos sobre la historia de esta famosa cerámica de la ciudad de Puebla, de baja temperatura y con esmaltes estanníferos. Hay un reportaje sobre los talleres que todavía utilizan la técnica tradicional, y otros sobre la historia y testimonios desde la Colonia. Incluye fotografías de piezas existentes en colecciones particulares y en el Museo Franz Mayer de la ciudad de México.

Cerámica, arte popular
Guía México Desconocido, edición número 11, México, 1993
México Desconocido es una revista dedicada a temas de turismos, arte y gastronomía. Este número especial, dedicado a la cerámica y la artesanía, incluye varios artículos sobre historia y actualidad del barro tradicional. Incluye referencias a algunos talleres de cerámica de alta temperatura (básicamente para vajillas) y una visita al taller de Gorki González, en Guanajuato. Se puede visitar parte del material en la página electrónica de México Desconocido.

Cerámica inglesa en México, Colección Uso y Estilo
Museo Franz Mayer y Artes de México, 1996, 72 pp.
Esta bellísima publicación se realizó con motivo de una exposición sobre el tema en la ciudad de México, y contiene artículos escritos por Olivia Barclay Jones, Ana Paulina Gámez Martínez y Olivia Castro Morales. Además, se incluyen sus traducciones al inglés y una breve bibliografía sobre el tema. Excelentes fotografías de Michel Zabé. El tema es novedoso, porque según hemos aprendido la cerámica inglesa y sus secuelas ha tenido una gran presencia en México. Por ejemplo, ahora sabemos que el tema de la vajilla de Sanborns es un motivo chinesco de origen inglés conocido como Willow o tema del sauce.

En inglés
A guide to mexican ceramics
por Florencia Muller & Barbara Hopkins, Minutiae Mexicana, México, 1974.
Muller es una arqueóloga mexicana que trabajó en el INAH, y Hopkins es originaria de Wisconsin, en Estados Unidos, y se instaló en México en 1962. Es un libro pequeño pero muy ilustrativo sobre la historia, técnicas y evolución de la cerámica popular y tradicional en diferentes estados de la república, sobre todo Oaxaca, Guerrero, Jalisco, Guanajuato y Puebla. Pensamos que existe una versión en español, pero nunca hemos dado con ella.

Traducciones
Manual del ceramista
por Bernard Leach, Editorial Blume, Barcelona, 1981 y reediciones.
Nadie que quiera hablar, disfrutar o entender la cerámica contemporánea de Occidente puede pasar sin leer este libro del fallecido Bernard Leach, reportado como inglés (pero nació en Hong Kong), que pasó muchos años en Oriente e hizo gran amistad con Shoji Hamada, otro de los grandes. El libro es un poco manual de técnicas y otro poco guía para la apreciación del arte cerámico de Oriente y Occidente. Todos hemos aprendido mucho de él. Desafortunadamente no hay mucha información y piezas de Leach en internet. En algunas revistas, como Ceramics Monthly, se han publicado algunos reportajes sobre su vida; le sucede su hijo, quien también se dedica a la cerámica. Si quieren saber más, busquen su nombre en Google.

Diccionario de las artes decorativas
por John Fleming y Hugh Honour, Alianza Editorial, Madrid, 1987.
Es uno de los mejores diccionarios o enciclopedias sobre historia y actualidad de las artes decorativas. Todo lo que quería saber sobre Capidimonte, caolín o porcelana china de todas las dinastías. Los nombres y descripciones de las "formas" de tazas, jarrones, floreros, etc., y reseñas de las principales fábricas de losa y cerámica en todo el mundo. Tiene poco de artesanías y nada de México, pero a cambio podrá leer una biografía de Bernard Leach.

Formulario y prácticas de cerámica
por Josep Llorens Artigas Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 1947 .
Este manualito, del que casualmente encontramos un ejemplar en una librería de usados, haría las delicias de coleccionistas. Llorens Artigas es quizá el ceramista español más famoso, y sus fórmulas son como pequeñas recetas de cocina (incluye cientos de ellas), casi imposibles de seguir en una época como la actual, donde muchos de los esmaltes, fritas y bajo cubiertas se compran hechas o semipreparadas. Suponemos que se ha reeditado, pero no tenemos seguridad de que todavía se lo pueda encontrar. Nada más lo incluimos aquí como una curiosidad, y para citar el nombre de Llorens Artigas. Nació en Barcelona en1892 y murió en 1980. Vivió en París y trabajó con Dufy, Bracque y Joan Miró; con este último realizó murales monumentales para la sede de la Unesco en París, el aeropuerto de Barcelona y la Exposición de Osaka de 1970. De su obra, que desconocemos, se dice que renuncia a toda decoración y se concentra en la belleza de formas extremadamente depuradas, casi siempre de gres. Hay un par de libros sobre su trabajo.

Cerámica - Manual para el Alfarero
por Glenn C. Nelson Compañía Editorial Continental, México, 1982 y reimpresiones.
Este es un excelente y muy difundido manual de técnicas para el alfarero y ceramista principante e intermedio. Obviamente está disponible en traducción castellana y se consigue con relativa facilidad.

Stoneware and Porcelain The Art of High-Fired Pottery
por Daniel Rhodes Chilton Books Co, Pennsylvania, Estados Unidos, 1959.
Aunque tiene algunos años de vida, es otro de los buenos y bien difundidos tratados sobre la cerámica de alta temperatura y la porcelana. Incluye buena informacion para intermedios y avanzados, y muchas fórmulas de esmaltes para preparar y probar en casa si se consiguen las materias primas. No conocemos edición en español.

Fórmulas de esmaltes cerámicos

2008-07-19T09:45:00.000-07:00

Alguna lectora de Venezuela colocó una solicitud sobre fórmulas de esmaltes cerámicos y la posibilidad de conseguir copias de los libros de Fernández Chiti, que como muchos sabemos es una de las fuentes más remanidas, en parte por su gran difusión, en parte porque los demás ceramistas no han querido escribir o compartir nada al respecto, en parte también porque la gente es muy cómoda, no quiere aprender inglés (donde hay infinidad de fuentes alternativas) ni quiere dedicarle tiempo a otras búsquedas por internet.

Aquí les aportamos algunos lugares donde pueden encontrar recetas de esmaltes y foros para interactuar con otros ceramistas en inglés y en español (como la creciente enciclopedia Cerawiki). Estas personas e instituciones son generosas y las comparten con todo el mundo, y están dispuestas a interrrelacionarse y platicar. Digo esto porque Fernández Chiti y su equipo se han mostrado completamente indiferentes a las tecnologías y al internet, y centrados en la venta de sus benditos libros.
Si no aparece como hipervículo, copien y peguen:

http://ceramics.sdsu.edu/glazedatabase.html (base de datos de esmaltes, en inglés, enorme)
Ceerámica Maria, España http://ceramicamaria.blogspot.com/
Foro de Manises en España
http://www.manises.com/forum/default.asp y también

http://www.manises.com/forum/forum.asp?FORUM_ID=15

CeraWiki, foro y enciclopedia en español
http://ceramica.wikia.com/wiki/CeraWiki

Taller y clases de cerámica en Montreal, Canadá

2008-07-07T14:22:00.001-07:00

A pedido de alguna amiga, estos días estuvimos buscando lugares para contactar con ceramistas y tomar clases de una manera más o menos informal en Montreal, Canadá. Gente que viaja y quiere aprovechar la oportunidad para trabajar unas cuantas horas en un lugar nuevo, ver otros talleres y conocer a colegas extranjeros, gente que uno cree son muy diferentes que nosotros, y a veces no lo son tanto aunque vivan en lugares muy diferentes.
Es el caso que encontramos a Gaia Ceramique (calle Laurier Est 1590, en el centro de Montreal, y el teléfono es (514) 598-5444). Tienen un sitio web bien organizado y claro en http://www.gaiaceramique.com
Debemos entender que se comunican sobre todo en francés.
Es el lugar de Catherine Auriol y Marko Savard, cuyas biografías están en el sitio y se pueden leer. Además, muestran parte de su trabajo, vajillas y cerámica utilitaria, que está a la venta.
Dan clases de cerámica para tres niveles, desde iniciales a avanzados, en pastillaje y torno. También tienen talleres libres que cuestan 10 dólares canadienses la hora, unos 100-110 pesos al cambio de hoy, julio 2008. Pueden tomar las que quieran, incluso los sábados, y hasta donde entendimos el francés, hay un paquete de 10 horas de taller libre por sólo 30 dólares, 300 pesos mexicanos.
No es seguro que muchos ceramistas mexicanos vayan a Montreal de paseo o con tiempo como para tomar clases de cerámica con este par de artesanos y promotores, pero no estaría mal que le echaran un vistazo a esta página. Es un buen ejemplo de lo que podría hacer cualquiera de nuestros colegas mexicanos (algunos bastante presumidos y hasta soberbios), que han estado muy lentos a la hora de invertir tiempo, talento y también algo de dinero en mejorar su presencia en el internet. Luego se quejan de que no venden sus obras y nadie les presta atención. Vean esta página de un par de artesanos canadienses, que hacen las cosas bien y no se creen hechos a mano. No es ninguna maravilla tecnológica ni cuesta una fortuna hacerla, pero está perfectamente organizada y es atractiva para quienquiera que pase por ahí. Tiene los tipos de clases, los horarios y hasta los precios. Nada de darse aires de grandeza como algunos conocidos.
Hoy estoy algo intolerante, lo asumo, pero la verdad es que si alguien quisiera buscar la misma información para tomar clases en México, no la encontraría de manera tan transparente.

Los indios pueblo de Arizona y Nuevo México

2008-07-03T14:18:00.000-07:00

Los indios pueblo de Arizona y Nuevo México

por Dino Rozenberg

Con una rica tradición alfarera originaria de los pueblos prehispánicos de América del Norte, en Arizona y Nuevo México se hace ahora una cerámica de alta calidad que merece mucho reconocimiento. No sólo respeta la tradición sino que le incorpora el pensamiento, y también los mercados, del mundo moderno

En la Semana Santa de 2001 aprovechamos las vacaciones y cumplimos un sueño largamente postergado: manejar del “viejo” México a Nuevo México, y reconocer la cerámica antigua y moderna de los indios pueblo de ese estado y de su vecino Arizona.

Esta historia comienza hace muchos años, cuando Tere y yo tuvimos los primeros acercamientos con los indios mayos y yaquis de Sonora, y los huicholes en Jalisco y Nayarit. Me acuerdo todavía de nuestro viaje a Ciudad Obregón, por cuenta de la revista Contenido, y la llegada a los pueblos de Potam y Vacum, que son algo así como las entradas oficiales a ese mundo poco conocido. Los representantes nos dijeron que esperáramos a que llegaran las autoridades o algún comisario para que nos diera permiso de conocer los pueblos y nos acompañaran. Ahí estuvimos toda la tarde, bajo la sombra de los árboles, y nunca nadie se apiadó de nosotros. Ni siquiera nos dijeron que no. Regresamos a México en derrota. También nos interesó el trabajo, muy sencillo empero, de los tarahumaras de Chihuahua.

En realidad, todos estos pueblos, aunque diversos y distantes, representan para nosotros la otra parte del México indígena, la más pobre, discreta y postergada, y a la vez la menos conocida y estudiada. Sobra decir que, por lo menos en lo personal, tengo una gran debilidad y fascinación por estos pueblos áridos y ariscos, indómitos, silenciosos y misteriosos. Los mayas y los teotihuacanos son ricos, creativos, poderosos y refinados. Pueblos con cultura y glamour, según se los mire. Son los hijos del sur, los habitantes del altiplano y sus fértiles valles, de las selvas y los trópicos ricos y húmedos.

Los del norte, en cambio, son los hijos del desierto, de las sequías, de los chaparrales y los cactus. Los que en lugar de construir grandes ciudades se colgaban de los barrancos y vivían en pequeñas ciudades-departamento, como en Casas Grandes, aislados, solitarios y casi siempre temerosos. Los de allá se embriagan con hongos, los de acá, con peyote.

Los indios del Norte
El caso es que Tere y yo hemos tenido por años una cierta debilidad intelectual y emotiva hacia los indios del norte de México y el sur de Estados Unidos, que para efectos prácticos son los estados de Arizona y Nuevo México. De este lado son, como digo, los huicholes, coras, tepehuanes, yaquis y mayos, tarahumaras, incluso creo que incluiría a los seris (en el mar de Cortés y la isla Tiburón), aunque los conocemos menos.

Durante muchos años buscamos, no sin dificultades, conseguir información sobre ellos. La mayoría, por lo menos en este México, no hacen nada de cerámica. Sólo conocemos la de los tarahumaras, y la que se expone y se puede comprar es muy sencilla, casi sin decoración, verdaderamente primitiva.

El caso curioso y extraordinario es la cerámica “nueva” de Mata Ortiz, en Chihuahua, que es bastante indefinible en estos términos. No es una cerámica autóctona o que se pueda asociar a un pueblo indígena, y los que la hacen son mestizos, muy recientes en la industria, ya que todo este fenómeno empezó a mediados de los años 70 con la famosa (ahora) epopeya de Juan Quezada y los que lo siguieron. Mata Ortiz no es un pueblo indígena, sino un pueblo de artesanos a los que les cayó muy bien ponerse a hacer un tipo especial de cerámica, que en realidad pertenece a los indígenas que antiguamente poblaron esas regiones y que ahora están básicamente asentados en Arizona y Nuevo México (son los que se identifican genéricamente como los indios pueblo).

Hay que decir en este punto que después de ver de cerca la cerámica tradicional de esos indios, ahora dudamos un poco sobre la originalidad de Mata Ortiz. Un amigo en el Museo Nacional de Antropología nos ha llegado a sugerir, y por eso esto es un supuesto, que la tal contribución nació a partir del tráfico de piezas prehispánicas, halladas en la región por buscadores de tesoros, y que luego derivó hacia la manufactura de piezas nuevas.

El caso es que nos fuimos por carretera desde la ciudad de México, a San Luis Potosí, Monterrey, los Laredos y San Antonio. De ahí hacia Fort Stockton, Rockwell (la pequeña ciudad de los ovnis) y Albuquerque, donde compramos un torno eléctrico, que infructuosamente buscamos en México durante años (por cierto, nunca entenderé como es posible que en este gran país, con miles de ceramistas, no haya un sito donde uno pueda comprar, al precio que resulte, un torno).

En Albuquerque, que es una ciudad mediana muy interesante, con una gran universidad (quedará para otra vez conocerla más a fondo) encontramos una tienda muy bien surtida, con todo lo que un artista ceramista puede buscar, desde equipo y herramientas hasta materiales de todo tipo. Enseguida seguimos a Santa Fe y su vecina Taos. Regresamos por Ciudad Juárez y Chihuahua, Zacatecas y Querétaro, en un periplo de más de 6,000 kilómetros y nueve días entre agotadores y fascinantes. Es un viaje que le recomendamos a los amantes de la cerámica, los desiertos y el volante.En Santa Fe

Esta crónica nada más será la reseña de la ciudad y de lo poco que pudimos ver, y en el futuro prometo escribir más sobre la historia de los indios pueblo, sus reservaciones y su cerámica. Compré varios excelentes libros con mucha información al respecto. Aquí nada más haremos referencia a la cerámica que se puede ver y en general al ambiente percibido.

Santa Fe es una población pequeña con una combinación muy exitosa de cultura indígena y turismo de alto nivel, asociado a las pistas de esquí situadas en los alrededores (también hay nieve en Ruidoso y Taos, a una hora de distancia en diferentes direcciones). Es un sitio que podríamos calificar como caro, aunque hay muchos moteles de los de cadena, típicos de Estados Unidos, donde uno se puede quedar decentemente por 45 o 50 dólares la noche. El centro de la ciudad, lo que llamaríamos la parte histórica y la plaza, se asemejan a los zócalos de las ciudades coloniales mexicanas, con una iglesia de torres mochas, el museo de arte indígena y los portales alrededor, con tiendas y restaurantes bastante sofisticados, y por ende de precios medios y altos, incluso muy altos.

De todos modos se pueden encontrar entremezcladas otras tiendas más económicas, para los turistas, con muchos souvenirs y recuerdos accesibles. No hay que olvidarse de comprar un kokopeli, que es una figurita tomada de los petroglifos prehistóricos de la región. Representa a un hombre ligeramente encorvado que toca la flauta, quizá un danzante o un sacerdote, quizá un jorobado, y que según la tradición es símbolo de fortuna y buen suerte. Esta impreso por todos lados, en pines, pequeñas alhajas, posters y camisetas. En los tres días que estuvimos en Santa Fe pudimos ver muchísima cerámica de los indios pueblo, que como dijimos es el nombre genérico con el que se conocen a los pequeños pueblos de esa región y que pertenecen a varios grupos étnicos emparentados (Picuris, Acoma, Laguna, Mimbres, San Ildefonso, etc).

En los alrededores también hay grandes reservaciones territoriales controladas por estas comunidades, incluyendo sus famosos casinos y hoteles, y centros de entretenimiento. Aunque hablamos de reservaciones, las carreteras pasan a través de ellas y uno prácticamente no se da cuenta de que está en una región controlada y administrada por indios. Contra lo que ocurre en México, donde estas definiciones se refieren a grandes áreas geográficas, aquí cada pueblo tiene su nombre, su discreta personalidad y sus estilos cerámicos más o menos diferenciados. Todos estos “pueblos” están concentrados en unos doscientos kilómetros a la redonda. No es difícil visitar estas pequeñas poblaciones, donde se pueden conocer talleres y comprar piezas directamente a los artesanos.

Estilos y colores del desierto
En las tiendas de Santa Fe se pueden ver muestras de todos estos pueblos, y después de estudiarlos un poco se identifican estilos más o menos definidos. Pero no es fácil porque los tonos, los materiales y el espíritu son muy familiares y están bastante entremezclados y en ocasiones, confundidos o corrompidos.

Dos asuntos nos llaman la atención. Uno es el elevado precio que tienen estas obras, que se venden en tiendas que parecen galerías de arte o joyerías, y que exhiben las piezas como si fueran obras de arte. Nosotros no estamos acostumbrados a ver la cerámica tradicional de este modo, y sí llama la atención.Lo segundo, y muy relacionado con lo anterior, es que la mayoría de estas obras tiene un autor conocido, incluso con su firma, y se diferencian unas de otras. Son trabajos personales que reflejan la imaginación y destreza de quién las hizo, o por lo menos de una familia o pequeño grupo de artistas-artesanos.

Aquí no ocurre lo que en México, donde justamente las cerámicas de una región son todas iguales, un género donde todos los que se dedican a ella buscan que no se distingan, que sean iguales. Uno compra talaveras de Guanajuato, sin saber quién las hizo, o cerámica de Michoacán, o de Metepec. En México lo que vale es el origen, no el autor o la familia de los productores.Entonces, en los aparadores de las tiendas de Santa Fe uno puede ver piezas individuales, con el nombre de un autor y un precio que puede pasar de 400 dólares y llegar a más de 2,000.

No hay que asustarse, aunque en México pocas personas pagarían esas sumas por una cerámica tradicional.Características muy llamativas de estas cerámicas son el estar hechas casi en su mayoría con barro blanco o ligeramente rosado o crema, y que los motivos y diseños se construyen en base a guardas, pequeñas figuras zoomorfas y sobre todo patrones geométricos muy elaborados, que cubren prácticamente toda la superficie del cuerpo. Los colores son también limitados, con predominancia de negro y rojo. Hay mucha cerámica negra y bruñida.

Algo para hacer notar es que hacia los años 20 hubo un renacimiento de la cerámica negra bruñida (brillante) nacida a partir de una india llamada María Martínez y su esposo. Ella se hizo famosa y sus obras ahora están en colecciones y museos, y se cotiza a elevados precios. Muy parecido al trabajo de Doña Rosa, y el renacimiento o revaloración del barro negro de San Bartolo, en Oaxaca. Dos mujeres, dos estilos muy parecidos del barro negro.

Creo que uno de los aspectos que le han dado mucho valor comercial a estas cerámicas es la extraordinaria limpieza y precisión de los trazos, hechos según nos explicaron con pinceles caseros hechos con pelos de niño. Nomás tienen dos o tres cabellos y por ello pueden hacer líneas muy finas. Estos motivos son contemporáneos, un poco “ópticos”, y aunque evocan el estilo antiguo de la cerámica india, son creaciones modernas que no tienen más de 20 o 25 años. De todos modos esta “escuela” geométrica coexiste con una más tradicional que utiliza temas tomados de fotografías históricas o piezas de museo, y que buscan enlazar la historia de estos pueblos indígenas, como navajos, anasazis, comanches, etc. Hay venados, aves y hasta un loro o cotorra que fue incorporado al catálogo a mediados del siglo pasado por influencia de los ingleses.

Artesanos con nombre y apellido
Los ceramistas más conocidos en estos pueblos indios no son hombres sino mujeres, y este es otro tema interesante para estudiar. Por diferentes razones, desde que los pueblos se constituyeron y las reservaciones cercanas tomaron forma, la cerámica ha estado en manos de las mujeres, madres de familia y matronas, así como sus hijas. Hay algunos varones, pero son minoría. Dicen los que saben que muchas de estas señoras no tenían propiamente (incluso ahora es así) un taller en forma, con muchos materiales, un horno, herramientas, etc., sino que trabajan en la mesa de la cocina, como siempre lo han hecho.

Ahora, la diferencia es que pulen, lijan y pintan viendo la televisión, que parece ser el modo de escapar al estrés y la tensión que representa estar haciendo tareas rutinarias. En general modelan a mano, no con molde, y queman en forma precaria al aire libre, con estiércol y leña como materiales combustible. Claro que hay talleres formales, pero también nos dicen que son una minoría. Los mejores trabajos, los más reconocidos y los de autor, se hacen de esta forma “casera”. De todos modos, nos explicaron, hay talleres donde se usa el molde y se fabrican piezas en cantidades, para el turismo, a bajo precio; queman en hornos de gas o eléctricos.

Esto explica que la producción no sea masiva como ocurre en México, donde decenas de personas hacen platos o floreros en el mismo pueblo o incluso el mismo barrio. La cerámica de los indios pueblo no es masiva en general, descontando los souvenirs y cositas de bajo precio para los turistas, que se hacen en grandes volúmenes. Estas cosas se venden en las “trading shops”, algo así como almacenes de ramos generales para turistas.Aspectos interesantes para considerar es la ausencia casi total de piezas antiguas, digamos precolombinas o inmediatas a la Conquista, que en esta parte del continente fue muy compleja y sangrienta, y en la que intervinieron los ingleses y franceses, luego los españoles y al final los propios norteamericanos de las recién fundadas colonias.

No hay que olvidar que por aquí también pasó la Guerra de Secesión (esclavistas contra liberales), y los indios llevaron muy malas experiencias porque fueron forzados a elegir uno de los dos bandos. Muchos murieron combatiendo de uno y otro lado. Creo entender que aun hoy día, a los estadounidenses y canadienses (sobre todo a los primeros) no les llama mucho la atención su historia indígena y por lo mismo los antecedentes, ruinas y objetos no les son particularmente llamativos. No están buscando en eso una identidad o un lazo con su pasado, como ocurre con los mexicanos.

En uno de nuestros paseos fuimos a conocer el parque nacional Bandelier, que aparte de una reserva natural tiene las ruinas de lo que fue un asentamiento indígena, con sus casitas arracimadas al pie de grandes muros de tierra y piedras blancas, y que incluso excavaban para vivir dentro de pequeñas cuevas. De ahí provienen algunos de los famosos petroglifos. Pues ese parque, aunque bien cuidado, no tiene ningún rigor en particular, no está en manos de una institución-museo como el INAH, y carece de cualquier referencia que nos haga pensar que les importa mucho a los estadounidenses.

Es un parque más, para pasear, con algunas ruinas pintorescas de los indios precolombinos. Con decir que llegamos alrededor de las cinco de la tarde (la entrada cierra a las seis) y ya no había nadie en la caseta, así que entramos sin pagar y sin entrada. Luego, en todo el recorrido, y aun junto a las partes más sensibles al deterioro o vandalismo, no había ningún guardián o vigilante, y supongo que tampoco una cámara oculta. Probablemente confían en la urbanidad de los turistas, sí, pero tampoco le tienen tanto cariño o respeto a estas cosas.

Otra cosa que aprendimos es que el gran boom de la cerámica y en general los temas indígenas de esta región comenzó con la llegada del ferrocarril y los primeros etnólogos y coleccionistas de “curiosidades”. Las ollas eran bonitas y se vendían como cosas utilitarias al costado de las estaciones, y paulatinamente empezó a crecer un pequeño mercado manejado por los traders, es decir negociantes de mayoreo, y alentado por algunos coleccionistas y entendidos.Ahora mismo parece existir, es natural, una gran confusión entre los estudiosos, porque lo que ellos quisieran ver como un fenómeno histórico, cultural y artístico, sujeto más o menos a las leyes científicas, está amarrado también a las fuerzas del mercado, a las influencias cruzadas, al kitsch, incluso a las innovaciones tecnológicas como la aparición del horno eléctrico, los esmaltes comerciales y las pastas preparadas.

Hemos sabido de este fenómeno y visto muchas cosas incluso chuscas. Decenas de piezas de cerámica se hacen ahora para satisfacer a los turistas y utilizando nada más los símbolos o los temas básicos de la cerámica original. Se ven platos, se ven Vírgenes y figuras de bulto, se ven tazas y vajillas, se ven tortuguitas, gallinitas para alcancía, y todo tipo de monitos y cosas útiles y decorativas, que “lucen” como indias sólo por las rayas, por la pasta blanca, por eso que suena “estilo”. Es como si una preguntara sobre la originalidad de una pieza de cerámica de talavera para cubrir la caja de los pañuelos kleenex. Es una talavera, claro, pero no tiene nada que ver con la historia ni con los motivos o esquemas clásicos o “respetables”, que se deben considerar tradicionales y están sujetos a estudios científicos.Más sobre Santa Fe

Toda la zona de Santa Fe, incluyendo Albuquerque, Gallup, Taos y pueblos de alrededores, tienen un espíritu afín a las artes y la cultura. Es una región con muchos artistas, artesanos, gente retirada que ama estas cosas, coleccionistas, estudiosos. Aparte de los turistas del esquí, que no nos tocaron porque la temporada en las pistas terminó unos días antes (creo que a fines de abril), uno de los grandes atractivos es esta cosa como de sofisticación vinculada a las artes y las galerías.

Un ejemplo es la carretera, High Road se llama, que va de Santa Fe a Taos, puebleando entre las montañas (hay otra, por autopista, más corta, que tomamos de regreso). Esta carreterita, tranquila y algo sinuosa, atraviesa muchos pueblos y villas más o menos pintorescos, y a lo largo del camino está tapizada de talleres y galerías de artistas y artesanos, desde pintores y escultores hasta ceramistas, ebanistas, herreros, etc. No son los grandes artistas famosos, sino gente con deseos, con un pequeño mercado, modestos algunos, interesantes los otros, que venden sus cosas al público que pasa, a las galerías cercanas, quizá por catálogos o en tiendas de decoración.

A lo largo de esos quizá 50 o 60 kilómetros están, al pie del camino estas casitas con letreros. Uno se puede parar, tocar y presentarse a curiosear o comprar algo si le antoja. En general, los turistas educados son bien recibidos, y los artistas son amistosos. Nosotros nos paramos en una cerámica Ojo Sarco (www.ojosarco.com), siguiendo las señales del camino, y encontramos al artista Jake Willson, un hombre en sus 50, que habla un perfecto español, que trabaja en una casa muy bonita y apacible, en medio del bosque, acondicionada para taller. Tiene al frente un pequeño show room, con unas cuantas piezas a la venta, y adelante, muy a la vista, su luminoso taller donde trabajan él y su socia. Tiene dos grandes hornos eléctricos, tornos, extruder, mesas, lo que uno sabe y conoce. Estuvo muy amistoso, y acabamos comprando una taza de cerámica de alta, con colores algo brillantes, que pagamos ocho dólares.

Mercados y buenos precios
En algunas temporadas del año se organizan aquí, y en otros sitios alrededor de Santa Fe, algo así como “días del arte”, donde muchas galerías y talleres se abren al público, ofrecen comida y refrigerios, dan demostraciones, exhiben a los artistas, presentan temas especiales. Es como un “open house” y se publican folletos con todo lo que se podrá ver y disfrutar en ese fin de semana. De hecho me traje un folleto del High Road, que aparte del mapa, tiene una lista de todos los artistas y talleres que hay en la zona, si hacen demostraciones y a qué horas se los puede visitar.

Es como una galería campestre con unos treinta sitios de interés y que pasa por pueblos como Chimayo, Cordova, Las Trampas, Peñasco, Picuris Pueblo y otros. En México nunca vi algo así, ni he oído que se organizara un “día de galerías y talleres”. Creo que en la Colonia Roma de la ciudad de México se organizó alguna vez un “corredor artístico” con varias galerías, pero que yo sepa, no ha prosperado. Esta dedicación hacia el arte, que sólo podría asociar en México al barrio de Coyoacán, y quizá a San Miguel de Allende (estado de Guanajuato), también se manifiesta por varias publicaciones dedicadas a la promoción y venta de la obra artística de Santa Fe y sus alrededores en el Southwest.

Tengo conmigo un ejemplar de Guestlife New México, Culture & Cuisine, con más de 118 páginas de ilustraciones, biografías, guías, calendarios y cosas para hacer, comprar y comer en Santa Fe y aledañas. En Santa Fe, cada mes de agosto se organiza el Indian Market, que son varios días de mercado de cerámicas y otras artes indígenas en el centro de la ciudad. Hay varios concursos para diferentes categorías de productos, con premios y galardones, y los puestos callejeros se extienden por varias calles de la ciudad. Llegan coleccionistas y aficionados de todo el país, y del extranjero, y según nos han dicho, es un encuentro muy divertido y colorido. También en agosto, en Gallup, se desarrolla el Intertribal Indian Ceremonial, donde se reúnen diferentes tribus de la región de Arizona, Nuevo México, y Colorado. En julio, si no me equivoco, se realiza también el Spanish Market, otra atracción similar, con música, comida y compras.

Museos y Galerías
Albuquerque
Museo de Arte, Ciencia e Historia
Indian Pueblo Cultural Center
Los Colores Museum

Santa Fe
El rancho de Las Golondrinas
The Georgia O´Keeffe Museum
Indian Arts Research Center
Institute of American Indian Arts
Museum of Indian Arts & Culture
International Museum of Folk Art

Hay museos y galerías sobre temas indios en Taos, Alamogordo, Deming, Farmington, y otras ciudades. No son grandes instalaciones como las que estamos acostumbrados en México, pero son suficiente atractivo como para pasar una o dos horas y enterarse sobre las manifestaciones culturales históricas y actuales de toda esta región. En varios museos y tambien en las librerías de la región se pueden conseguir buenos libros sobre estas cerámicas, tanto desde la perspectiva histórica como del arte contemporáneo.

Algunas direcciones web:
Parque Nacional Bandelier: http://www.nps.gov/band
Artes en Santa Fe: http://www.postersofsantafe.com/
Ligas en Santa Fe: http://www.santafe.org/
Institute of American Indian Arts Museum: http://www.iaiancad.org/
Santa Fe Festival: http://www.festivalsantafe.org/
Santa Fe Gallery Association: http://www.santafegalleries.net/
Museo de Nuevo Mexico: http://www.museumofnewmexico.org
Wheelwright Museum of the American Indian: http://www.wheelwright.org/
Georgia O’Keeffe Museum: http://www.okeeffemuseum.org/
Spanish Market: http://www.spanishcolonial.org/
Indian Market: http://www.swaia.org/

Dino Rozenberg Septiembre 2001

Museo de antropología de Jalapa, Veracruz

2008-07-03T14:03:00.000-07:00

Museo de Antropología de Jalapa, Veracruz

por Dino Rozenberg
(publicación original de 1989)

El nuevo y espectacular Museo de Antropología de la Universidad Veracruzana, en Jalapa, guarda en amplias salas y luminosos patios el enigma y la grandeza de las antiguas culturas del Golfo de México. Las colosales cabezas olmecas o la finísima cerámica totonaca justifica, por sí solas, una visita a este magnífico centro cultural.

Apenas traspone las puertas de cristal del Museo de Antropología de Jalapa, el visitante se encuentra frente a una de las monumentales cabezas olmecas, quizá el más acabado testimonio de grandeza de esta cultura, considerada la madre de todas las que luego poblaron Mesoamérica, y cuyos orígenes y formas de vida se pierden en los laberintos de la historia. Envueltas en el misterio, estas colosales esculturas están ligadas al centro ceremonial de La Venta, en Tabasco, y fueron localizadas en San Lorenzo Tenochtitlan, Veracruz, abandonadas en una barranca donde permanecieron durante siglos, a merced de la intemperie y los saqueadores de tesoros.

Nadie puede asegurar qué personajes representan: quizá retratan a gobernantes de aquellas primeras pero refinadas poblaciones costeras, o tal vez son testimonio de los jugadores vencidos en el juego de pelota, originario del pueblo que habitó en La Venta. Poseedores de una cultura muy desarrollada, los olmecas fueron pioneros en muchos campos: idearon las primeras formas de escritura, consistente en glifos, y realizaron las más antiguas anotaciones astronómicas y calendáricas, por lo que se ha podido fechar buena parte de sus estelas y esculturas; también instituyeron el símbolo del jaguar, cuya imagen plasmaron en cientos de sus obras, y pasó luego a otras regiones de México.

Las culturas del Golfo, sin embargo, no se reducen a la olmeca, y el director del Museo de Antropología, maestro José Luis Melgarejo Vivanco, es el primero en señalarlo. Apasionado investigador desde hace más de cincuenta años, este pionero de la arqueología y la antropología mexicanas pertenece al reducido grupo de hombres que, como Alfonso Caso, Ignacio Marquina Barrera y Eduardo Noguera Auza, abrieron a punta de machete los primeros caminos para el conocimiento de las culturas prehispánicas. "Cuando Cortés llegó, vivían en estas tierras cuatro grandes naciones –explica: la huasteca (desde Tampico hasta el río Cazones), la totonaca (desde ahí hasta el río de la Antigua), la pinome (asentada en la margen izquierda del Papaloapan) y la olmeca o popoloca (desde esa zona hasta el río Coatzacoalcos)."

Tal variedad de culturas, algunas de las cuales se remontan a 1,500 años antes de nuestra era, está vívidamente expuesta en este museo, inaugurado hace poco más de tres años [1986] en el mismo sitio donde funcionó el viejo y extinto edificio de salas circulares y en cuyos jardines se exhibía, a la intemperie, la mayor parte de la colección, incluyendo las cabezas olmecas. El museo está dividido en salas dedicadas a los olmecas, Remojadas, EL Tajín, totonacas, Higueras y El Zapotal, y en breve se habilitarán las de antropología física y etnografía, que enriquecerán aún más la exhibición.

Las salas están comunicadas entre sí por una larga y luminosa galería que enlaza el conjunto y le da continuidad mientras desciende siguiendo la pendiente del terreno. La museografía es austera y my didáctica, lo que permite al público no especialista tener contacto directo con las obras de arte expuestas. Esculturas de piedra, máscaras de jade, figuras de terracota, vasijas de cerámica policroma, ofrendas funerarias, instrumentos musicales, altares y motivos religiosos se orden en los amplios salones para desplegar las peculiaridades de cada cultura a lo largo de su historia.

Pese a lo que conmúnmente se cree, las culturas del Golfo alcanzaron, en aquellos tiempos remotos, altos niveles de sofisticación y un sentido artístico comparable, y a veces superior, al que más tarde habrían de alcanzar los pueblos del Altiplano mexicano. Tal es el caso de la cultura Remojadas (800-200 a.C), o la de Tajín (600-900 d.C.), cuyas manifestaciones muestran una gran dedicación y cuidado, como en el caso de las figuras de terracota coloreadas con toques de chapopote o las famosas "caritas sonrientes", una colección de pequeñas imágenes en las que la risa y la alegría de vivir hablan de un mundo casi idílico.

"Las culturas del Golfo son muy distintas de las del Altiplano –señala el maestro Melgarejo Vivanco--, porque las geografías son distintas y el hombre es un producto de su medio. En el Altiplano el paisaje es más árido y seco, así que promueve pueblos más vigorosos, más solemnes e imponentes. Los totonacas, en cambio, instalados en el cálido centro de Veracruz, con una gran riqueza en todos los órdenes, se permitieron el lujo de la alegría de vivir, de la risa, de la música.
Pudieron concederse el placer de un arte preciosista y barroco. Los olmecas, sobre todo con sus grandes esculturas, también se han hecho perdurables por la delicadeza de su arte".

Quizá el huasteco fue el pueblo que alcanzó el menor desarrollo de la región, porque, asentado en la zona norte de la costa, tuvo que cumplir un papel especial. "Es que allí se encontraban pueblos de baja cultura, recolectores y cazadores –explica el especialista veracruzano--, que irrumpían constantemente desde lo que llamamos la Aridoamérica. Los huastecas, por lo tanto, dedicaron muchas energías a rechazar esas presiones, tal como una guardia fronteriza, y eso les dio una menor oportunidad de dedicarse a las actividades culturales".

A pesar de ello, tanto los huastecas como los demás pueblos del Golfo influyeron grandemente en el Altiplano y más allá, hasta Guatemala y el estado de Guerrero, en el Pacífico, donde numerosos restos arqueológicos muestran los motivos clásicos de los olmecas más antiguos, como el culto al jaguar y el juego de pelota. "Los huastecas fueron los primeros en irrumpir en la Meseta Central –apunta el maestro Melgarejo Vivanco--, y a ellos les pertenece el centro ceremonial de Cuicuilco. Cuando este asentamiento decae, los totonacas, otro grupo de la costa, se aposentan en el valle de México y fincan en Teotihuacan, cerca del año 40 a.C.".

Desafortunadamente, así como el clima benigno fue el alimento que nutrió el desarrollo de estos pueblos, también fue inmisericorde con sus ciudades y su arquitectura. Hasta donde se sabe, los edificios olmecas fueron levantados con lodo y madera sobre cimientos de piedra, y pocos testimonios quedan de aquellas construcciones. De los totonacas, por fortuna, sobrevivió el bellísimo centro de El Tajín, cerca de Papantla, Veracruz, con su pirámide de 365 nichos rituales que, representando cada uno de los días del año, hablan de un conocimiento astronómico y matemático avanzado.

En el Museo de Antropología de Jalapa, junto a la sala totonaca, se exhibe una maqueta de El Tajín, que permite advertir no sólo la habilidad y la estética de este pueblo, sino el terrible esfuerzo que significó desplazar grandes volúmenes e piedra, a través de ríos y pantanos, desde considerables distancias. Esta misma naturaleza, fértil y exuberante, también sirve de marco a la obra del hombre antiguo. El recorrido por el museo comprende el acceso a tres grandes y coloridos patios cubiertos, donde se exhiben varias piezas de la colección junto a la rica vegetación tropical, que incluye una amplia variedad de plantas y flores autóctonas, identificadas con cédulas para que el público conozca sus nombres.

Considerado por los especialistas como el segundo museo de antropología más importante del país después del de Chapultepec, el de la Universidad Veracruzana es un modelo de incomparable interés no sólo por las riquezas que exhibe, sino también por el edificio que las alberga y la cuidada museografía que las valora y destaca. Fornidos olmecas, habitantes primitivos de La Venta, Tres Zapotes, Cerro de Las Meses y San Lorenzo Tenochtitlan; totonacas refinados, constructores de El Tajín y consumados ceramistas; hombres de la cultura Remojadas, minuciosos escultores y creadores de una estética incomparable; aguerridos huastecas, rústicos defensores de fronteras: disímiles manifestaciones viven, reunidas bajo un mismo techo, como testimonio de todas las culturas que habitaron estas vastas tierras costeras.

Desde lo alto de la galería que da continuidad a las salas del Museo de Antropología de Jalapa, construido según el diseño de Edward Durell Stone, de un despacho neoyorquino, la vista es emocionante. Ahora, mudos e impasibles se alinean los ídolos y las esculturas que un día fueron motivo de veneración, los cántaros que contuvieron el agua, los yugos que protegieron a los jugadores de pelota, las ofrendas que acompañaron el viaje de los muertos y los instrumentos musicales que alegraron el tránsito de los vivos.

El Museo de Antropología de la Universidad Veracruzana, en Jalapa, es un sitio de visita obligatoria para todos aquellos que se interesan por la historia y la cultura de México, o simplemente para quienes aman el arte y la vida.

Este artículo se publicó en la revista Mundo Plus, en octubre de 1989, con excelentes fotografías del ahora desaparecido artista Jorge Contreras Chacel.

El motivo de publicar este texto aquí, aparte del interés por la cultura de México, se explica por las maravillosas cerámicas que produjeron estas culturas costeras en tiempos remotos. Las piezas no son monumentales, al contrario, son de formato pequeño. Están hechas con la técnica de pastillaje, es decir aplicación de piezas y accesorios, modelado con pequeñas herramientas, barbotina, lo que todos sabemos sobre este recurso. Aunque las cabezotas olmecas impresionan mucho, las cerámicas son preciosas, íntimas, personales. Las piezas de Remojadas son increíbles, de una gran belleza plástica, y las figuras humanas están modeladas con gran detalle, hasta dejar traslucir cierto "carácter" o personalidad del modelo.
Un aspecto curioso no se menciono en el artículo, pero aquí podemos incluirlo. En la colección totonaca hay una serie de pequeñas piezas en barro rojo-amarillo, con retoques y adornos pintados con chapopote, es decir petróleo nativo que aflora o afloraba de manera natural en la zona de Veracruz.
Esto no tiene nada de raro: Veracruz es una rica zona petrolera, y en muchas partes del estado hubo charcos o afloramientos naturales de aceites y chapopote (es un aceite espeso y oscuro, como para impermeabilizar techos o embarcaciones). La verdaderamente curioso es que estas piezas retratan a hombres muy diferentes a los de las culturas mexicanas: narices aguileñas, frentes despejadas, bigotes. Si uno ve al llamado "hombre de la diadema" diría que es un señor español o italiano, serio y hasta un poco cómico, con una especie de diadema o arco sobre su cabeza, una aplicación en la frente y un abundante bigote debajo de la nariz aguileña, fina y triangular.
Melgarejo Vivanco nos dijo que estos retratos pertenecen a una forma racial que no existe ni existió nunca en esa zona de México, y que la única explicación que podía dar era que se trataba de sujetos de origen semita o europeo que habrían llegado a América antes que los españoles, incluso antes que los vikingos, que tomaron contacto con estos pueblos y luego desaparecieron. Como la teoría nos pareció un poco arriesgada, consultamos a nuestros amigos en el Instituto Nacional de Antropología. Nos dijeron que la hipótesis era descabellada, que podía tener otras explicaciones (pero no nos las dieron) y que en esta materia no había que creerle mucho al viejo maestro veracruzano. Por eso preferimos eliminar el comentario en el artículo original. Ahora lo dejamos al aire, a ver qué opinan ustedes. Para abundamiento, aquí un extracto de lo que dijo Melgarejo Vivanco, y que no publicamos entonces: "Sin querer, la arqueología veracruzana ha venido encontrando elementos extraños, y por verdadera honradez científica, los investigadores lo anotaron aunque chocaba con el conocimiento aceptado que se tiene de las culturas mexicanas. En Acayucan, Catemaco y otros sitios se encontraron los llamados graneros olmecas, que luego resultaron exactamente iguales a otros que se construyeron en Africa Occidental. Otro caso es la danza "del malilo", que tiene su origen en la guerra de Mali y Dahomey, en Africa, y que podría ser el origen del carnaval jarocho (los hombres se disfrazan de mujeres y representan a las amazonas). Hacia 1,200 a.C. los huastecas, que eran mayas, parecen haber recibido un impacto semita, quizá del reino de Saba, porque su religión y otros aspectos resultan derivadas de un grupo semita. Esto es lo que puede explicar estos retratos tan especiales."

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COPYRIGHT 1997-2008 Teresa Arduino, Martín, Pablo y Dino Rozenberg

Vitrales mexicanos: arquitectura de la luz

2008-07-03T13:55:00.000-07:00

Vitrales mexicanos: arquitectura de luz

por Dino Rozenberg
(publicación original de 1990)

Los vitrales emplomados, un arte que se remonta a la Edad Media y que ha tenido en México ricas manifestaciones, resurge con nuevos bríos para ocupar un destacado lugar en la arquitectura y la decoración contemporáneas.

Todos hemos disfrutado alguna vez de la fiesta de luz de un vitral artístico: la mayoría de ellos están instalados en templos y antiguos edificios religiosos, pero muchos otros adornan construcciones públicas, hoteles, museos, restaurantes y residencias particulares. Las primeras vidrieras coloreadas fueron hechas en Europa en el siglo XI, para la catedral de Augsburgo, per las más célebres, inigualadas todavía a pesar de los años transcurridos, datan de los siglos XII y XIII: son las que iluminan las catedrales francesas de Chartres y Saint Denis, y la Sainte Chapelle de París. Se trata de vitrales de una belleza sin par, construidos con decenas de miles de pequeños fragmentos de vidrios de colores, en los que se representan escenas bíblicas y pasajes de la vida de Cristo o los santos de la Iglesia. En aquellos tiempos, cuando la lectura era privilegio de los nobles y los libros verdaderas rarezas, estos vitrales tenían no sólo un fin decorativo sino también educativo: era la forma en que los fieles podían rememora, una y otra vez, los momentos culminantes de la historia cristiana. Antes y ahora, los vitrales se construyen con piezas de vidrio pintado o coloreado, a veces de formas regulares, otras asimétricas, unidas entre sí por una cañuela de plomo en forma de "H",, que sujeta los vidrios por ambos lados. De ahí el origen del término "emplomado".

En tiempos pasados, los trozos de vidrio eran pequeños y la gama de colores limitada, debido a los escasos conocimientos técnicos. Muchas veces, para superar estas restricciones, los vitralistas completaban las imágenes pintando con óleo sobre el vidrio, con lo que podían detallar los rostros, los ropajes y otros rasgos de los personajes o paisajes representados. Aunque la mayoría de los vitrales de antaño se colocaron en las iglesias, otros adornaron edificios públicos y casas palaciegas, y en estos casos los motivos eran civiles: dibujos heráldicos, escenas de leyendas, pinturas bucólicas, motivos guerreros o temas de caballería.

Con el andar del tiempo y los progresos técnicos, los vitrales europeos, y también los que luego se instalaron en América, se pudieron hacer con planos de vidrio más grandes, gruesos y traslúcidos, y en una mayor variedad de colores, que incluía los muy buscados tonos rojo rubí y amarillo de plata. Así, el vitralismo ganó en brillo y variedad, lo que se puede observar, por ejemplo, en la catedral de Milán, que data del siglo XV, donde aparecen todavía enriquecidos por los pinceles de talentosos pintores renacentistas. Una vez que las grandes catedrales góticas estuvieron terminadas, tanto la arquitectura civil como la religiosa buscaron otros caminos y los vitrales fueron relegados a un segundo plano. Así, los vitralistas perdieron terreno ante los pintores y los grandes ventanales de iglesias y palacios se cubrieron ya no con emplomados artísticos sino con sencillas cristalerías planas, cuando mucho adornadas con alguna guarda o dibujo geométrico.

La historia sagrada, por su parte, pasó a representarse sobre los muros, en las bóvedas, y sobre telas o tablas que luego se colgaban en los altares y retablos. Los años del esplendor de los vitrales nunca regresaron, pese a que hubo varias iniciativas interesantes. En el siglo pasado, la fábrica de porcelanas de Sévres abrió un taller de vitrales y contrató a pintores de la talla de Ingres y Dellacroix para que diseñaran los cartones. En Inglaterra, un poco más tarde, William Morris realizó vitrales para uso eclesiástico y doméstico con dibujos de los pintores Rossetti y Burne Jones, pero estos intentos no pasaron de ser flamazos aislados que no hicieron escuela.

Quizá el resurgimiento más notable del vitralismo tuvo lugar a fines del siglo XIX y principios del XX, cuando el movimiento artístico denominado art nouveau encontró en los vitrales un medio que se prestaba estupendamente para su s estilizadas representaciones de figuras femeninas, flores y motivos de ramas y hojas envolventes. Louis Comfort Tiffany, un diseñador y decorador norteamericano, hizo probablemente el mayor aporte, al introducir un nuevo tipo de vidrio iridiscente, de bellos colores y acabado satinado. Diseñó y produjo muchas lámparas de mesa, famosas por sus motivos de nenúfares y magnolias, donde el vidrio empleado cobra aún más vida gracias a la luz eléctrica. También creó obras, que incluye tanto objetos de uso cotidiano como piezas de gran tamaño.

Una magnífica prueba de estas últimas es el maravilloso telón de vidrio que todavía decora y cubre la boca del escenario del teatro del Palacio de Bellas Artes, en la ciudad de México, que es uno de los más grandes del mundo y fue regalado a nuestro país. El diseño del telón, que reproduce el valle de México con los volcanes al fondo, se debe al talento del pintor mexicano Gerardo Murillo, el Dr. Atl.

La técnica del vidrio llegó a estas tierras mucho antes, tal como lo demuestran los documentos coloniales: en 1542, un español llamado Rodrigo Espinosa instaló en Puebla el primer taller para fabricar vidrio soplado. Después siguieron otras fábricas, principalmente las que los artesanos europeos abrieron en Texcoco y Guadalajara, varias de las cuales todavía subsisten. A pesar de que el vidrio mexicano era de muy buena calidad, muy pocos vitrales se hicieron durante la época colonial, y los pocos que se instalaron fueron traídos de Europa.

A mediados del siglo pasado, y sobre todo después de 1870 mejoró el panorama. Claudio Palandini, dueño de una tienda de muebles y accesorios de decoración en la ciudad de México, abrió un taller de vitrales, del cual salieron muchos de los mejores que se hicieron durante el Porfiriato, como los del antiguo edificio de la Tesorería (hoy desaparecido), el Salón de Embajadores del Palacio Nacional, el Castillo de Chapultepec, el Palacio de Gobierno de Guanajuato, la antigua escuela normal de Xalapa y el famoso Casino de Mérida.

También de esos años data el monumental plafón de lo que fuera el Centro Mercantil, ahora convertido en el Gran Hotel de la ciudad de México, de la cadena Howard Johnson. Esta cubierta es de estilo art nouveau y fue diseñada en Nancy por Jacques Gruber: las piezas se armaron en México en 1908, y ahí está todavía para asombro de los visitantes, con sus tres óvalos y su prodigiosa geometría de formas florales. También en ese edificio son dignos de verse los elevadores, cubiertos con hermosos vitrales y que producen la impresión de entrar en un espacio mágico o en el fondo del mar.

Otros vitrales salieron de los talleres de la familia Derflingher, sitos en la ciudad de México. Oriundos de Alemania, donde se dedicaron a la fabricación de vidrio soplado durante generaciones, los Derflingher bien pronto hicieron fortuna en Texcoco, donde llegaron a mediados del siglo pasado y adquirieron la fábrica El Crisol, la más antigua de todas y que aún sigue trabajando. Los trabajos de Palandini y los Derflingher, sin embargo, no alcanzaron a crear una verdadera escuela y , con el estallido de la Revolución de 1910, toda la experiencia adquirida estuvo a punto de perderse completamente.

Pasaron muchos años antes de que la familia Marco volviera a encender el interés. Víctor Marco, uno de los más talentosos vitralistas mexicanos de este siglo, diseño los ventanales de la antigua basílica de Guadalupe, y su hijo, del mismo nombre, heredó sus conocimientos y su destreza en la fabricación del vidrio y la creación y composición de vitrales emplomados. Todos estos intentos alentaron la supervivencia de este arte a pesar de los obstáculos, y justo es admitir que prepararon el camino para una nueva generación de vitralistas, jóvenes creativos y apasionados, que descubrieron las inmensas posibilidades estéticas del vitral y que han enriquecido su arte con la tecnología moderna.

Armonía Ocaña, aunque nació en Francia y se crió en España, llegó a México con la emigración española de la posguerra y durante más de 20 años se dedicó a la pintura y la danza. "Nací al arte a través de la pintura –dice--, pero me enamoré de los vitrales cuando vi los de la catedral de Notre Dame, en París". En 1977, durante un viaje a los Angeles, asistió a una exposición de vitrales y lámparas de Tiffany, y se impresionó tanto que decidió que eso era lo que quería hacer en el futuro. "Regresé a México con la idea de que, habiendo aquí una gran tradición vidriera, como la de Texcoco o Guadalajara, también tendrá que haber vitralistas con quienes aprender el oficio".

La realidad fue que los vitralistas eran bien escasos. Finalmente dio con Víctor Marco hijo y durante dos años estudió a su lado la técnica del manejo del vidrio, los esmaltes, las grisallas, la forma de diseñar y elaborar un vitral emplomado. Más tarde, en la Universidad del Vidrio, en Seattle, profundizó en otras técnicas contemporáneas, como el arenado o sand blast. Por su arte, Salvador Pinoncelly, arquitecto, pintor y dibujante mexicano, también se acercó al atractivo mundo del vitral y ha realizado con esta técnica numerosas obras, principalmente en restaurantes, edificios públicos y de oficinas y en casas particulares. Su exposición en el Museo de Arte Moderno de Chapultepec, y la más reciente en la Galería Metropolitana de la UAM, han servido para llamar la atención sobre las posibilidades que el arte moderno puede encontrar en este viejo oficio medieval.

Armonía Ocaña y el arquitecto Pinoncelly coinciden en que para ser vitralista primero hay que se dibujante y pintor. "Me pregunto cómo puede alguien crear algo bello en vidrio si no es capaz primero de ponerlo sobre papel o tela –señala Armonía Ocaña--. Unicamente puede hacerlo quien se dedica a ser copista, es decir, quien copia los diseños de otro". El arquitecto Pinoncelly es un dedicado artista del vitral, que admite cuidar personalmente cada detalle en la realización de sus obras: "Casi siempre se hacen sobre pedido y tienen un espacio predeterminado. Los vitrales emplomados -afirma—se hermanan con la arquitectura precisamente porque ella es la que les fija su lugar, su dimensión, el tipo de luz que deberán filtrar a lo largo del día. No es igual que un ventanal esté orientado al sur que al norte, que reciba más luz durante la mañana que por la tarde". Armonía Ocaña coincide: "Siempre estudio el sitio donde se va a instalar el vitral, porque lo más importante, su esencia, es el reflejo del color y la luz. No hay nada más bello que el movimiento y los cambios de tonalidad de un vitral a lo largo del día y conforme cambian las estaciones, la altura del sol o el color de la luz".

Un vitral es una obra de arte cambiante, casi cinética, que varía según la luz que recibe y puede reflejar, como dice la señora Ocaña, distintas emociones: "Hay ciertas horas del día en que el vitral encuentra su plenitud, cuando la luz le extrae los mejores destellos, toda su vitalidad y colorido. Cuando está nublado, en cambio, el vitral puede ponerse triste, nostálgico. La luz es un alimento muy rico".

Un paseo a través de la luz
Además de los vitrales mencionados en el texto, que pueden visitarse fácilmente, a continuación ofrecemos una lista de otros que también son dignos de verse. De estilo art nouveau puede ver ejemplos domésticos en el Museo de Cera de la ciudad de México (Londres 6 esquina Berlín), y en Mérida 98 esquina Tabasco. Si le interesan vitrales contemporáneos, puede visitar el Jardín Botánico de la ciudad de Toluca, donde Leopoldo Flores Valdez realizó una inmensa obra llamada Cosmovitral. El conocido artista Mathias Goeritz es autor de los vitrales de la catedral metropolitana, de los de la iglesia de San Lorenzo (Belisario Domínguez y Allende) y de los que cubren las pequeñas ventanas de la catedral de la ciudad de Cuernavaca, magníficamente restaurada. Además, dos iglesias en Polanco ostentan grandes vitrales: la Capilla Francés (Homero casi equina Periférico) y la iglesia de San Ignacio de Loyola., en Horacio y Moliere. Hay vitrales atribuidos a Vasarely en la iglesia de Bosques de las Lomas, también en la ciudad de México. Armonía Ocaña realizó el vitral del bar en el Hotel Monte Taxco, en esa ciudad, así como los que se encontraban en Plaza Pali, y cuyo destino se desconoce. Salvador Pinoncellly, por su parte, es autor de los que adornan la Dirección de Arqueología del INAH, Licenciado Verdad 3, Centro Histórico, las oficinas de Editorial Trillas, en Río Churubusco 385, y el Museo Nacional de la Estampa, en Plaza de la Santa Veracruz, también en el Centro Histórico y frente a la Alameda Central.

Este artículo se publicó en la revista Mundo Plus, en la ciudad de México, en noviembre de 1990, y se acompañó con extraordinarias fotografías de nuestro buen amigo, el fotógrafo Jorge Contreras Chacel. Desde entonces, según sabemos, el vitralismo ha pasado por algunos buenos momentos, pero en la actualidad está muy olvidado y su producción escasa.

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Guerreros chinos de terracota: Xián y Qui Shi Huang

2008-07-03T13:45:00.000-07:00

LOS GUERREROS CHINOS DE TERRACOTA

Por Teresa Arduino

Estuvieron en la ciudad de México los guerreros chinos de terracota, ocho caballos y 11 muñecos de tamaño natural quemados hace más de 2,000 años. Todo ceramista culto ha leído o visto fotos de este famoso entierro, en el corazón de lo que ahora es la República Popular de China, donde se encontraron enormes trincheras con más de 8,000 figuras de barro cocido y metal.

La exposición se realizó en el Museo Nacional de Antropología e Historia desde septiembre de 2000 hasta enero de 2001, y fue titulada “China Imperial, las dinastías de Xhian”. En el prólogo-presentación, siento que Rosario Green tiene razón al señalar la similitud de las culturas china y mexica (por cierto, este es un intercambio cultural bilateral: la muestra ”Los Mayas” se presentará a su vez en esa provincia china). Digo esto porque para una argentina como yo (no debemos olvidarnos que descendemos de los barcos, bueno, así dicen) deletrear Qin Shi Huang (el emperador que mandó construir ese ejército subterráneo) me hizo recordar aquella época en que recién llegada a México, intentaba pronunciar correctamente Teotihuacan o Iztaccihuatl. Pero no son sólo las palabras y los sonidos, sino la intención. Ese fascinante ejército de cerámica, quieto y palpitante durante más de 2000 años, también me hacen evocar las ciudades y las ofrendas mexicas y de otras culturas mesoamericanas, que esperaron bajo tierra con su mensaje centenario.

Y allá fuimos, Dino y yo, temprano un domingo de octubre. Encontramos una larga fila, claro, porque la entrada ese día es gratis. De todas formas siempre nos sorprende la cantidad de gente de todo tipo que espera pacientemente bajo el sol a que le toque el turno para entrar; los mexicanos tienen una fuerte vocación para las artes. Es evidente y esto me produce una especie de alegría interior, es curioso. Después de un rato, y con algo de organización por parte de guardias, fuimos entrando en grupos ruidosos, a los recintos oscuros que albergaban las piezas expuestas. Además de las terracotas, había muchas otras piezas de metal, cerámica, textiles y otros materiales. Lo primero que vimos, esperándonos en la penumbra, fue uno de esos impresionantes arqueros chinos. Estaba allí sobre una cama de arena, claro e iluminado, una rodilla en tierra, vistiendo magnifica armadura, su tamaño como el nuestro. De nuevo el flashazo con lo mexica, me hizo recordar la escultura conocida como “El Luchador” de la cultura olmeca; es de piedra y el personaje está prácticamente desnudo, pero es en su actitud que sentí la semejanza.

Ver estos guerreros chinos de barro cocido también nos lleva a pensar en el Templo Mayor, con sus guerreros aztecas, águilas y tigres, tan distintos y tan iguales. Es grandioso lo que la “imprompta” del pasado puede hacer con nuestra imaginación, porque es nuestro pasado, y nosotros somos de las afortunadas primeras generaciones que podemos, con elementos como esta exposición, desenrollar nuestra historia, la de todos, para que tal vez en su comprensión, podamos respetarnos en un futuro. Y, para los que amamos la cerámica, es interesante detenerse a meditar todo lo que esta manifestación del hombre ha aportado y sigue aportando a nuestro conocimiento histórico. Ese barro moldeado por nuestros ancestros, con su resistencia, ha podido sobrevivir milenios, para contarnos algo de cuando fueron hechos o usados. Los descubrimientos arqueológicos de todo el mundo sacan a la luz piezas de este noble material que apadrinó a la raza humana desde siempre, tal vez desde antes de que lo fuera.

Fantasmas de terracota

Al final, después de ver pequeñas piezas de metales preciosos, campanas rituales de bronce y algunas otras manifestaciones de la antigua cultura china, volvimos a encontrarnos con los guerreros de terracota. Ahora estaba todo el grupo, como un gran retrato de familia, como una formación militar, monocroma, mustia pero vigilante. Algo había de fantasmal, de presencia viva.

No te sentías en un museo sino en un altar, en un escenario, quizá en un campo de batalla al atardecer, en una ceremonia solemne con el emperador pasando revista desde lo alto de su caballo. No les voy a contar ahora toda la historia de este ejército de 8000 figuras, enterradas durante 2000 años para acompañar la muerte de un gran rey. Sólo diré que todavía no se han desenterrado todas las piezas, quizá sólo la mitad, pero que ya se conoce la distribución precisa de las trincheras donde fueron instalados los guerreros, los carros y los caballos. Se nos dice que no hay una pieza idéntica, porque todas fueron hechas por un ejército de artesanos. Los cuerpos fueron hechos parcialmente con moldes, y las cabezas, que son piezas aparte, también se hicieron en un número limitado de modelos. Pero los acabados, como bigotes, barbas, ojos y detalles, fueron hechos a mano y así resultan diferentes unos de otros. Los expertos han distinguido varios “grados” militares, desde los arqueros y los soldados de infantería, los pobres que van a pie, y luego los guerreros de a caballo, los lanceros, los capitanes y los generales. Se distinguen por su armamento, sus armaduras, algunos atributos de sus rangos e investiduras. Los caballos, que como dije también son de tamaño natural, resultan igualmente impresionantes, con sus patas algo toscas, sus cuerpos ventrudos, sus cabezas erguidas. Un ceramista sabe que hacer un caballo de tamaño natural, aun con los recursos actuales, es una tarea infernal, digamos heroica.

Podría lanzarse a la proeza de hacer uno, pero hacer decenas es todavía más milagros. Sólo de pensar en los hornos, en la amasada de miles de pellas de barro, en las herramientas y en la destreza manual de estos artesanos, decenas de ellos, mueve a asombro. Uno puede pensar con cierta naturalidad en una gran obra con cientos de albañiles y trabajadores; lo hemos visto en los grandes edificios y las obras públicas. Pero un ceramista nunca ha visto un campamento de ceramistas haciendo miles de piezas de tamaño natural, amasando barro, apartando cerros de leña y alimentando durante más de 25 años los fuegos de enormes hornos llenos de soldados y cabalgaduras al rojo vivo. Nada más hay que cerrar los ojos para darse una idea.

Con esa visión dejo a mis colegas ceramistas y a los lectores que han llegado hasta aquí. Unos grandes fuegos nocturnos, humo blanco saliendo de los tiros, hombres y mujeres mezclando arcillas, pigmentos y colores para pintar las piezas una vez frías. Luego, en las trincheras excavadas en la tierra, ahí van las figuras a pararse en la formación, en un desfile espectral que esperará 2000 años para rendirle un homenaje a la tierra y al sol.

Bibliografía

Más información y algunas fotografías en esta liga

Un par de libros que podemos recomendar sobre los guerreros chinos de terracota:
“China Imperial, las dinastías de Xi’an”, es el libro-catálogo que acompañó la exposición, y fue publicado por el INAH de México, con Banamex y otras instituciones. Se puede comprar en librerías del INAH y museos del INBA en México.

The underground terracotta army of emperor Qin Shi Huang, editado por Fu Tianchou, New World Press (Beijing), 1988 con reediciones. Este libro lo consiguió Dino en Hong Kong, en 2000, y está en inglés. Es uno de los primeros trabajos editoriales realizados en China Popular sobre el tema, y es la fuente para muchos otros libros escritos posteriormente en Europa y Estados Unidos.

Se pueden encontrar libros sobre los guerreros de terracota en Amazon.com y en librerías de arte de diferentes países. Internet. Se pueden hacer búsquedas con las palabras claves "terracotta army", "Xi'an", "Qin Shi Huang", y también seguir el hilo desde "China" hacia los temas culturales.

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El reto de los ceramistas: vender o venderse

2008-07-03T13:39:00.002-07:00

Los ceramistas quieren vivir de la cerámica
(y no para la cerámica)

por Dino Rozenberg

Revisamos un viejo y polémico asunto: que muy pocos ceramistas pueden vivir de su trabajo, y que muchos otros tienen que contentarse con dar clases y mantener sus talleres con ayuda y otros trabajos.

Es un tema antiguo, complejo y difícil de entender. Tere y yo fuimos el fin de semana a una reunión de ceramistas mexicanos en Puebla, y después de platicar con varios de ellos regresamos al análisis de una situación que no acabamos de resolver. Muchos ceramistas mexicanos, y esto seguramente se repite en otros países, quisieran ganarse la vida haciendo cerámica y dando clases, ser reconocidos, tener cierta seguridad económica, contar con un buen equipo, poder viajar y aprender otras cosas. La mayoría no alcanza nada de esto, y si acaso pueden colocar de vez en cuando algunas piezas, o dar clases a gente joven o señoras con algún interés, esto no resulta demasiado satisfactorio.

Hay que decir que, al hablar de ceramistas, tenemos a mucha gente involucrada. Están quienes tienen una pequeña fábrica o taller montado, con algunos empleados, y que producen líneas más o menos comerciales. Es el caso de los fabricantes de Talavera de Puebla, Ken Edwards en Guadalajara, o Gorki González en Guanajuato, por ejemplo. Están los artistas más o menos reconocidos, o que tienen cierta trayectoria profesional, y que representan una pequeña minoría.

Están las mujeres que le hacen su lucha, con mucho esfuerzo, por lo general sin demasiado éxito, y que se preguntan cómo hacer para pasar al nivel superior, sea el del taller, sea el del artista reconocido. En algunos casos están solas, en otros tienen el apoyo familiar o de sus parejas, algunas tienen contactos sociales y comerciales para abrirse camino (otras no tienen nada de esto). Cuando pienso en esta categoría de mujeres no estoy haciendo una discriminación; muchos de los lectores sabrán a qué me refiero. Y luego están los jóvenes, hombres y mujeres ahora, que salen de las escuelas y que quieren volverse profesionales de la cerámica. Finalmente están los ceramistas que tienen talleres de artesanía popular muy demandada por los coleccionistas, y que en realidad no entran en esta discusión. Hablo aquí de los “maestros” que hacen grandes árboles de la vida en Metepec, o en Guadalajara, Tonalá, Michoacán o Mata Ortiz, que cobran 5,000 pesos o mucho más por sus piezas.

Para ponerlo más sencillo: si uno va al Bazar del Sábado o a algunas tiendas de decoración verá la producción de estos talleres que podríamos llamar comerciales o semi-industriales, que tienen varias líneas de productos, una calidad uniforme, hacen pedidos, llenan un hueco en el mercado. De los individuos o artistas reconocidos que viven de la cerámica, hablemos de Gustavo Pérez, de todo el grupo de los Díaz de Cossío, de los Velásquez de Cuernavaca, de un puñado de hombres y mujeres “ceramistas-escultores”, que la mayoría conocemos y que, desde la mera observación externa, imaginamos que tienen ingresos y ventas razonables para vivir de lo que hacen.

Los otros dos grupos, el de las mujeres y el de los jóvenes, son los que nos llaman la atención porque por mucho que batallen, no alcanzan resultados.

Muchas preguntas, pocas respuestas
Hay que decir ahora que no tenemos respuesta a estos interrogantes, pero podemos bordar un poco alrededor. Por ejemplo, está claro que, por lo menos en México, existe el inmenso universo de los artesanos populares que trabajan mucho, ganan poco y hacen grandes volúmenes de piezas que se venden a precios bajos. Muchas veces hemos dicho que esta competencia le pone límites al trabajo de estudio o artístico debido a la diferencia de precios. Si una pieza “popular” se ofrece en 50 o 100 pesos, es poco probable que alguien pague 800 por una de estudio. Pero este argumento no lo explica todo.

Tere y yo creemos que los ceramistas independientes no han podido o sabido comunicarse con el mercado, con los compradores (tiendas, hoteles, galerías, coleccionistas). Unos quieren hacer lo que más les gusta, aunque nadie se interese por sus trabajos, y otros estarían dispuestos a hacer lo que sus clientes les pidieran, como lámparas para cadenas hoteleras, piezas decorativas para boutiques, cosas más o menos decorativas para empresas o regalos corporativos.

Lo que nos parece muy llamativo es que no hemos visto algo así como estudios de mercado o propuestas originales, llamativas, que hablen de un estilo propio o personal que permita definir una obra “ceramística”. Muchos de nuestros amigos y conocidos trabajan de manera muy solitaria, no van a las tiendas a ver qué hay, no hacen propuestas o prototipos, no invierten en su capacitación, no se dan a conocer, no se mueven ni se hacen visibles de ninguna manera. El otro día hablaba yo de Marta Chapa y sus famosos cuadros con manzanas. Aparte de que nos gusten o no, lo que ella hace es muy claro y definido, lo hace bien y lo hace pensando en un mercado. Por eso tuvo el éxito que tuvo. Creo que no hemos visto propuestas así de parte de los ceramistas.
Hay que llamar a la suerte

Creemos que muchos ceramistas se han quedado esperando que la suerte les sonría, que alguien los descubra, que una empresa o un hotel les hagan el pedido salvador, pero no han hecho grandes movimientos para ponerse al frente y llamar la atención. Uno podría imaginar vajillas, platones o marcos para espejos, pero también juegos de ajedrez, muñecas, lámparas, algunas figuras picantes o cachondas, algunas interpretaciones de la vida cotidiana, de la ciudad, de los temas mexicanos.

Creo que los ceramistas nos hemos vuelto muy solemnes, serios y técnicos, y nos hemos olvidado de la creatividad, la originalidad y el humor. ¿No les gustaría una muñecota gorda y sensual al estilo de Botero? ¿Una matriushka indígena o unos luchadores de lucha libre? Mi hijo Pablo tiene en el taller un Capitán América de 25 centímetros de altura (tomado de los comics), que varios adultos le han querido comprar, nomás por la novedad.

Aunque es posible que algunos ortodoxos quieran luego comerme vivo, creo que la cerámica de estudio, lo mismo de baja que de alta, resulta demasiado seria y aburrida para el gusto de los compradores. Y si no vamos a hacer cosas vistosas y coloridas como la Talavera, entonces hay que ponerle más coco. Muchas de nuestras amigas ceramistas (no creo que Tere esté de acuerdo, pero ahí voy), se toman esto demasiado en serio y se prohíben la delicia del humor y el absurdo.

Creo que muy pocos ceramistas mexicanos de estudio compran o leen el Ceramics Monthly o
alguna otra revista de cerámica contemporánea, y harían bien en empezar, porque es una buena inversión. También son pocos los que se han ocupado de tener una página propia o al menos una presencia en internet, donde se juegan muchas influencias y relaciones. Lo vemos nosotros a través de las consultas que nos hacen en este Foro, y la escasa comunicación que buscan los ceramistas con sus colegas. Navegar por internet, mandar correos, dejar datos en los sitios adecuados, es ya una obligación. Nos consta porque recibimos mucha correspondencia preguntando por personas, por técnicas, por proveedores, por consejos para hacer esto o aquello.

Hace unos meses fuimos a la feria MACO, donde se presentan decenas de galerías de México y el extranjero, y no vimos a ningún ceramista. Y ese es un lugar ideal para mostrar la producción.

Los ceramistas, muy serios y solitarios
Pensamos que nuestros colegas ceramistas son demasiado serios y están demasiado solos y aislados; incluso se ha hablado mucho de los “celos” y la negativa de algunos para hablar de sus técnicas o sus “secretos”. Nada impide que un ceramista invite a sus colegas a su casa o a su taller, a mostrarles sus cosas, a platicar y a conocerse.

Creo que a los ceramistas les gana la rigidez y, posiblemente, una interpretación demasiado oriental de la cerámica. A todos nos fascina la cerámica china, japonesa y coreana, el stoneware, las piezas ásperas y un poco imperfectas, o bien los celadones y los rojos sangre de buey. Pero no se olviden que en Europa se han comprado durante décadas y hasta siglos los azules de Delft, las cosas de Meissen, los Lladrós, los dorados de Manises, incluso las coloridas losas de China, llenas de misterio y coloridos. La vajilla de Sanborns, por ejemplo, utiliza todavía el motivo del sauce, con las casitas chinescas y los pescadores al borde del lago.

Como dije no tengo una explicación definitiva para este fenómeno de los ceramistas de estudio, pero imagino que hay una combinación de muchos factores. No sé si el futuro está en los jarrones o los platones, en los colores serios o en los alegres, en las piezas utilitarias o decorativas. Lo que sé es que hace mucho que no platicamos con ceramistas que estén alegres, que se diviertan con lo que hacen, que nos sorprendan con sus propuestas. Y tampoco vemos que se preocupen por entender el mercado, las tiendas, las galerías, los compradores potenciales. Esto se llama mercadotecnia, y lo hacen no sólo las refresqueras y las empresas de galletas, sino los pintores, los novelistas y los cineastas. Si uno no atiende estas cosas, si no aprende a medir los costos y fijar los precios, si no busca novedades, ideas y oportunidades, no llegaremos muy lejos.

Espero que estas ideas nuestras, tan deshilvanadas, les den para pensar un rato, para enojarse y para tomar una posición. Nos encantará conocer esas opiniones y prometemos abrir el Foro a esta discusión. Para eso lo creamos, hace ya diez años.
(publicado en http://www.ceramica.info/ , julio de 2006)

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Hornos, tornos y equipo Shimpo Ceramics en México

2008-05-28T14:19:00.000-07:00

Hornos y tornos Shimpo en México
Buenas noticias para los ceramistas que están interesados en ver y comprar equipo de Shimpo en México, y evitarse el complicado trabajo de irse a buscarlo y traérselo desde Estados Unidos. La empresa Servicios Tecnológicos Nacionales ya los está importando y todo indica que van en serio y a largo plazo. No hay una tienda formal donde ir a buscarlos y verlos, sino que se hacen pedidos a partir del catálogo y de las existencias que tienen en cada momento. Por favor, averigüen bien qué es lo que tienen en existencia o pueden traerles, vean los catálogos y naveguen un poco por internet para hacer una mejor compra y evitarse sorpresas. Sobre todo importa ver el voltaje que tienen en sus cas o talleres y hacer los ajustes necesarios en la instalación eléctrica porque en general, estos equipos son sensibles. Vean también el sitio del fabricante, para más detalles, aquí: http://www.shimpoceramics.com
A título de ejemplo (esto se escribe en septiembre de 2006, con el dólar a 10.90/11 pesos mexicanos), aquí van algunos productos y sus precios en dólares: Tornos Shimpo eléctricos modelos Whisper, desde 1,393 a 1,533 dólares; tornetas metálicas entre 64 y 123 dólares; amasadora extruder, 3,915 dólares; horno eléctrico redondo, 3,720 dólares. Estos precios son base, y luego hay que aumentarles algunos gastos como transportes, sobre todo si son fuera de la ciudad de México, para que lo tengan en cuenta.
Datos para contactar. Ingeniero Francisco Vega
Telefono en la ciudad de México (0155) 5575.3068
Correo electrónico fvega@sigsa.info